Nota sobre la reapertura del Cine Cosmos

MEDIO: Revista 24 Cuadros
FECHA: Julio 2011
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Vuelta a los orígenes

De la mano de la Universidad de Buenos Aires regresó el Cine Cosmos. Y su venida, en consecuencia, significa el retorno a la actividad de uno de los patrimonios culturales más característicos del país; demostrando cómo, de paso, con el debido apoyo de las instituciones, la identidad nacional puede por fin preservarse.

En cosechas de numerosas derrotas culturales, argot contemporáneo para medir las pifias del designio maltrecho por la TV basura, los ídolos de barro y los reality shows como chorizos, donde se prefieren los complejos multipantallas insertos en globalizados shoppings a la calidez venida a menos del cineclubismo o del cine de barrio, cuando las tribulaciones económicas 2.0 o la desidia comercial toman fuerza, la reapertura de un cine clásico, ese espacio transgeneracional sin época ni edad determinada, materializa una noticia que zumba de forma hercúlea en cada uno de los focos del show business vernáculo.
Resulta que un cine clásico no es sólo una sala cualunque sino todo lo que allí transitó, transpiró y germinó, e incluso, esta concepción aumenta muchísimo más, claro que sí, cuando esa sala, pequeño detalle, tiene más de 80 años de vida, siendo testigo ¡y participe!, por supuesto, de un tramo importante del devenir cinematográfico local. Así es, por fin retornó un grande conservando la finura y maestría que en algún momento amenazó perder, vuelve a las andadas el Cine Cosmos, aquel mítico lugar en el que la efervescencia cultural dio pie con bola en casi todas sus intervenciones con la Historia, salvo –obviamente- cuando los espectadores, novios poco fieles, no le fueron del todo inseparables en algunos tramos del cuento.
Parece improbable que ese edificio art decó ubicado en la Avenida Corrientes al 2000, inaugurado en el año 1929 y adquirido allá por el ’55 por Isaac Argentino Vainikoff, caballero de la distribución, fallecido hace casi una década, espacio venido al mundo originalmente como Teatro Cataluña y emblema del cine arte, haya funcionado, no hace mucho tiempo atrás, aunque lejos de sus añoradas épocas de oro, como órgano de la decadencia cultural y del desperdicio por el patrimonio histórico identitario: por un lado, como templo evangelista regenteado por el Pastor Giménez; y por otro, como boliche bailable, la recordada Halley Discoteque, primero situada en la calle Maipú y luego, previo vaciamiento de filmes soviéticos y películas vanguardistas de a montón, aglutinó a heavys y rockeros sobre las veredas de Av. Corrientes.
Tiempo después, cuando la amarga hiel insinuaba convertir al Cine Cosmos en restaurant chino, estacionamiento o bingo menemista, aparecen las instituciones, siempre necesarias para preservar la identidad nacional y popular. Tras una impresionante inversión inicial de 2.5 millones de dólares, fue la Universidad de Buenos Aires, en un maniobrar de notable hidalguía, la encargada de revivir este monstruo de 3300 metros cuadrados, comprándole el edificio a Luis Vainikoff, hijo de Isaac, último propietario de la sala y del edificio que la alberga, tras el último “cierre temporal” devenido “cierre para siempre”, según su testimonio circa 2009.
Sostenido en renovados vientos de cambio, el ahora bautizado Cosmos-UBA, quien reabrió sus puertas el martes 9 de noviembre del 2010 y ya remodeló sus dos salas de exhibición (una principal de 200 butacas y otro microcine anexo de unos 30 asientos, aún sin habilitar, que será destinado para funciones privadas o presentaciones de capacidad reducida), está capitaneado por el escritor y periodista Juan José Becerra por expreso pedido del Rector de la UBA, Ruben Hallú, en su segundo mandato. Allí, siguiendo una tradición histórica “se le da oportunidad al cine por sobre el mercado”, según reza el mismo Becerra, autor del libro Grasa: Retratos de la vulgaridad argentina (Editorial Planeta, 2007), otrora periodista deportivo, crítico cinematográfico y analista político; todas disciplinas vinculadas al campo de la escritura.
En sintonía con la sugerencia propuesta por la universidad de darle continuidad al legado de los Vainikoff, Becerra, sumado a la colaboración de la coordinadora Mabel Loschiavo más la reivindicación en su puesto del legendario operador cinematográfico Julio Barragán, en otra de las gestiones de preservación patrimonial más importante de los últimos años, dice que “el Cosmos otorga un espacio para lo no comercial”, logrando –en apenas pocos meses- teñir la programación del lugar con el matiz que en verdad necesitaba: el de la curaduría de qualité, sujetada en el apoyo sistémico de una institución corpulenta, más algunas donaciones específicas del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (caso: un proyector digital cedido mediante la firma de un convenio de cooperación), acompañada por el siempre seductor vaivén de la entelequia “cine independiente”. De esta forma, por sus cabinas y asientos ya pasaron varias películas festejadas por el indie argento –desde Ocio (Juan Villegas y Alejandro Lingenti, 2010) hasta La Casa por la Ventana (Esteban Rojas y Juan Olivares, 2010), desde Bummer Summer (Zach Weintraub, 2009) hasta Rembrandt’s j’acusse (Peter Greenaway, 2008), se ejecutaron festivales especializados como la Semana de la Crítica, organizada por la Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica (FIPRESCI), fue una de las sede satélites del BAFICI 2011 y dicen, es una posibilidad, también lo será del Festival Buenos Aires Rojo Sangre, centrado en lo mejor del cine de género mundial, acostumbrado a funcionar en el Alamo Drafthouse de Microcentro: el Monumental Lavalle. Además, por otro lado, tiene previstos una serie de cursos, clínicas y talleres dictados por Sergio Wolf, actual director del BAFICI, Mariano Llinás y Alan Pauls; también, en un futuro a corto plazo, retomarán las funciones del Cine Club Núcleo, funcionará una pintoresca cafetería (de la que se espera salga en breve su concesión), programará una retrospectiva del director Martín Rejtman, un ciclo de cine arte infantil, una buena cantidad de material procedente de la universidad, entre otras actividades notablemente ajenas al vetusto circuito comercial.
Una programación con ofertas plurales que federalizan contenido y que, aun, pese a no contar con blockbusters norteamericanos ni filmes taquilleros por default, se las arregla para ser atractiva y, sobre todas las cosas, para funcionar como bastión cultural porteño, extensivamente nacional. “Es una manera de devolverle a la sociedad una oferta histórica de cine alternativo; una contribución a la historia del cine y al pensamiento crítico”, sentencia Becerra a la sazón.
Esta vez, parece, que los espectadores entendieron definitivamente el código o empatizaron con él. Ya fueron varias las funciones agotadas y el apoyo de la opinión pública es cada vez mayor. De a poco, sin prisa y con calma, el espectador promedio está volviendo a confiar y sentirle el gustito a esa preciada tríada costumbrista de “cafetería antes de entrar a las salas, un buen filme en pantalla grande y pizzería al salir”. Sí, después de años de comida chatarra y entradas seriadas digitalmente, emerge una segunda vía de visionado en la estandarizada palestra del mercado. Celebremos que no es poco, volvió el Cine Cosmos.

El shopping: la máxima colonización de la globalización

MEDIO: Fanzine Planeta Z (Chile) / Fanzine Arterias de la Ciudad (Argentina)
FECHA: Octubre 2010 / Julio 2011

Versión Planeta Z (Chile)
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Versión Arterias de la Ciudad (Argentina)
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Nota

El shopping: la máxima colonización de la globalización

“Mentes maestras nos tienen atontados. Dicen: entrá que está climatizado”
Babasónicos – El Shopping (Miami, 1999)

Si se definiera a lo moderadamente exitoso, en el termómetro de hoy, podríamos decir que significaría: tener un buen trabajo de oficina, una obra social pre-paga y, como mínimo, gozar de vacaciones una vez al año. Okay, precisemos la acepción de “esclavo moderno”: Joven profesional de una multinacional. Buen sueldo, nadie lo niega. Trabaja 16 horas por día. Apenas le da el tiempo para comer. No tiene sexo. Seguro podrá comprar un par de zapatos en un shopping. ¿De vivir? No, eso es para otros.

Devastación subjetiva, gente mata sin motivos. Sí, sin causal. Los medios de comunicación masiva insisten en esta figura. “El goce por el asesinato”, dicen.

Hay algo que es, desde el avance sociológico, cierto: la inscripción e inserción del sujeto en la cultura implica el “no” al incesto y el “no” al parricidio. A partir de esas dos prohibiciones se ingresa a la cultura. Se resuelven Edipo y Electra, ambos complejos de la neurosis que, no es casualidad, están relacionados con que un humano pueda asesinar en el primer grado de filiación. “El niño mata porque es cruel”, dirá Sigmund Freud, allá por el año 1905, en sus ensayos sobre teoría sexual. ¿La segregación globalizadora guardará vínculo con ese agregado de sentimientos y emociones infantiles?

Para que el ser humano tenga reconocimiento de sí mismo, necesita del otro. Y ese otro debe estar inscripto en un grupo simbólico. ¿Alguien se puso a pensar en cómo la interdependencia mundial posicionó a los shoppings como elucubradores de grupos simbólicos, como proveedores de objetos de status y poder?

La máxima colonización la ejerce la globalización. Su elegante brazo armado: el shopping. Se ofrece: sofisticada química a la venta. Lo transcultural como idea central. Las poblaciones nativas soportaron un durísimo proceso de transformación de lo legítimo e ilegítimo. La usurpación de tierras se convierte en algo legítimo, lo mismo sucede con, por ejemplo, las lenguas nativas: desaparecen, nada afecta. ¿Qué es lo normal cerca de estar en el fin de la historia?

Preocupa. La fetichización de la mercancía y del logo, preocupan. Los procesos simbólicos muestran el paso de lo ilegítimo a lo legítimo. El semejante también es enemigo, entonces: “a ver en qué me diferencio”. El shopping se convierte en un preservador de la especie, en un germen virósico sumamente diabólico. Bajo este contexto, el precio es el trauma social, claro está. Cuánto tienes, cuánto vales.

¿Cuál es la diferencia entre un niño y un adulto? Según Jacques Lacan: La responsabilidad del goce. No sólo el niño “quiere shopping”, el adulto “quiere shopping”. La sublimación del deseo en pulsiones de compras compulsivas (¿o serán, mejor dicho, pulsiones de muerte?) son moneda corriente. El inconsciente individual sostiene las consecuencias del inconsciente colectivo. Todos gastan, poco importa el otro. Total, ¡soy el ombligo del mundo!

La educación ordena, y el resto lo hace la policía o, tal vez, si tienen suerte, la psiquiatría. Está más que comprobado: vivimos infantuados, creemos que somos lo que no somos. Si existen los shoppings, es porque, definitivamente, vivimos infantuados. Creer que la marca somos nosotros... Exiguos controlan las recetas, pero: nosotros no somos la marca. La complicidad es falsa, señores.

Soy, en la medida que me la creo. Algo así vendría a ser la infantuación. No se sostiene del todo porque los tiempos son veloces. La identificación prestada por signos es insignificante al lado de un asesinato, eso es indiscutible. Ahora... si el exceso de identidad en el grupo segrega a todos los demás, y en consecuencia aparece la brutal dicotomía entre “los que tienen” / “los que no tienen”, ¿cómo no pensar en instintos asesinos de un grupo hacia otro o, que no asombre, dentro del mismo grupo? Su diferencia hace el signo: pertenecer o no. Odio.

¿Qué tiene que ver esto con el shopping? ¡Pues absolutamente todo! El corporativismo es el Dios moderno. ¿Sacrilegioso? La sangre derramada por los colonizadores es más que obvia: Colón no descubrió América, ¡fueron los distritos comerciales!

Nota sobre "Cine en vacaciones de invierno"

MEDIO: Revista Haciendo Cine (versión digital)
FECHA: Julio 2011
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Cine en vacaciones de invierno

Llegan las vacaciones de invierno y, junto con su presencia, muchas opciones cinematográficas para los más chicos. Aquí, un panorama con los highlights del séptimo arte infantil.

Si hay una época en que la industria llena sus carteleras de blockbusters y, con ello, se promueven hordas de espectadores, esa es la de recesos de mitad de año. Allí, una notable cantidad de films yerguen para tomar por asalto el mercado del cine. En tanto, del 18 al 29 de julio significará el turno de las vacaciones escolares para alumnos de Capital Federal y las provincias de Buenos Aires, Chaco, Santa Cruz y Catamarca; del 4 al 15 de julio tendrán en Córdoba y Santa Fe; y las demás, obtendrán las suyas del 11 al 22 de julio. De manera que, coincidiendo calendarios, varias son las películas que se estrenan en Argentina, aprovechando el tiempo ocioso. Tradicionalmente, el período de vacaciones de invierno es el más rentable del año; por esto, las distribuidoras se ponen a tiro para mostrar productos infantiles tanto nacionales como internacionales.
A raíz de tal advenimiento, bajo el contexto de vacaciones invernales, continúa con fuerza el boom del 3D con Transformers: El lado oscuro de la Luna, donde los Autobots vuelven a la acción luchando contra los malvados Decepticons. Además, en este schedule marketinero no puede faltar jamás Disney, cuyo plato fuerte, mediante Pixar, resultará Cars 2. Es ésta la secuela del ya clásico film de John Lasseter, en la que los autos de carrera parlantes participarán del “Grand Prix Mundial”. Por su parte, la Warner Bros. arremeterá con Harry Potter y las reliquias de la muerte (parte 1 y 2), el binomio final de la historia del mago creado por J.K. Rowling, con el que esperan romper la taquilla emulando, por caso, al sistema de consumo literario: 8.3 millones de ejemplares vendidos durante el día de lanzamiento, sólo en los Estados Unidos.
También Fox aportará lo suyo con la última del siempre convocante Jim Carrey, Los Pingüinos de Papá, en la que un hombre de negocios comienza a cambiar de vida cuando hereda seis pingüinos, convirtiendo su apartamento en un paraíso invernal. Otra de las ofertas para este invierno será Los Pitufos 3D, vía Sony y Columbia, donde los azules deberán convivir con los humanos y sobrevivir al malvado Gárgamel.
Como todos los años, además, se prolonga la competencia del mundo de los comics norteamericanos a la pantalla grande: Marvel vs. DC, DC vs. Marvel. Así llegarán, por un lado, Capitán América: El Primer Vengador, donde un héroe patriótico defenderá los ideales estadounidenses. Por otro, Linterna Verde, en el que un hombre recibirá un misterioso anillo verde que le dará poderes sobrenaturales para proteger al universo.
Para los más grandes, habrá una irrechazable propuesta de ciencia ficción: dirige J.J. Abrams y produce ni más ni menos que Steven Spielberg. Se trata de Super 8, uno de los estrenos del año, en el que un grupo de amigos se embarcarán en una aventura después de ser testigos de un dramático choque de un misterioso tren de carga.
La cuota argentina dirá presente de la mano de Topa y Muni, simpáticos presentadores de Disney Junior, con Hermanitos del Fin del Mundo, quienes intentarán salvar a un hogar de niños de Ushuaia en una mágica andanza. Junto a él coexistirá un segundo filme criollo, Las aventuras de Nahuel, que mezclará acción real con títeres. Y, desde el viejo continente, asomará Melanie, la fea, película francesa que vendrá, pareciese, como un remanente a tapar algunos agujeros de programación.
En resumen, arribarán a nuestras carteleras muchas películas de animación –se entiende que por ahí esté virando definitivamente el cine infantil, sobre todo si es con el aditamento del 3D, cuyas fijas son siempre Pixar (Cars 2) y Dreamworks (Los Pitufos y la efectiva Kung Fu Panda 2, estrenada el 9 de junio)-, pocas propuestas nacionales y satélites -sólo una comedia europea, ¡del año 2008!-, dos ofertas comiqueras de envergadura, algún que otro filme de género y muchas batallas de la mano de Michael Bay y David Yates. Según información proporcionada por la consultora UltraCine, durante las vacaciones del pasado año sucedió un record total de espectadores en una misma semana (1.776.000), superando la cifra top del 2009 (1.341.000, coincidiendo con el estreno, justamente, de otra entrega de Harry Potter). En este 2011, y teniendo en cuenta la variedad de propuestas, el cine de vacaciones de invierno… ¿podrá autosuperarse una vez más?

Crítica cinematográfica de Medianoche en París

MEDIO: Revista Debate
FECHA: Junio 2011
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CINE | Medianoche en París

Una vez por año, el inmenso Woody Allen nos regala una aventura de fuerte arraigo urbano. Esta vez, siguiendo con sus afinidades citadinas, retrata como ninguno a la ciudad de París.

Hay algo especial a la hora de la medianoche, en aquel instante arbitrariamente señalado para determinar el fin de un día y el comienzo de otro; en ese detalle sobradamente indescriptible que contiene tanto mística como magia. Tal vez por ello, Medianoche en París, flamante película de Woody Allen, siga a un joven escritor, Gil (Owen Wilson), y a su novia, Inez (Rachel Mc Adams), en una visita a la bellísima capital francesa, cuyo contexto horario sea el ligado al advenimiento de criaturas sobrenaturales: el apogeo de la oscuridad. Allí, el protagonista viajará todas las noches años atrás en el tiempo para obtener asesoramiento y la amistad de los genios literarios de la época. Esta muestra cinematográfica de Allen, cada vez más cerca de su propia redefinición como artista, sigue en su inagotable factoría del continuum, ofreciéndole al mundo la notable producción de una película por año.
Después de Vicky Cristina Barcelona, los colores de este filme están ligados en forma directa con los efectivamente utilizados en territorio catalán. Esa paleta de color beige y marrón logra una belleza en su interpretación de una París notable, prosiguiendo, además, con su trip internacional luego de, también, la Londres retratada con Match Point o la mencionada Barcelona de Scarlett Johansson, Penélope Cruz y Javier Bardem. A su modo, el de Medianoche en París es el guión más original que ha escrito desde entonces. Se ve, por momentos, y ahí radica la dialéctica de su obra, como uno de sus cuentos clásicos –mezcla de las The funny ones, caso La Mirada de los Otros, Ladrones de Medio Pelo o, mismo, el episodio de Historia de Nueva York, Oedipus Wreck, con el exquisitismo estético de las últimas-, sostenido en esa falta de lógica formal que lo caracteriza, llena de enrosques absurdos y chistes afines.
Las actuaciones, en su mayoría, son correctas, sin embargo hay alguien que sobresale notoriamente, y ese es Adrien Brody, en su magnífico papel como Salvador Dalí. Por su parte, Owen Wilson cumple pero intenta, aquí, parecerse demasiado y actuar como el mismísimo Woody Allen. Como punto alto, vale mencionar que las imitaciones de todas las grandes figuras históricas –Ernest Hemingway, F. Scott Fitzgerald, Gertrude Stein, Henri Matisse, entre muchos otros- se ven exactamente igual que en la vida real.
Esta es una película que, de seguro, no defraudará a cualquier espectador o aficionado al gran Allen. Es cierto que no se aproxima explícitamente hacia alguno de sus largometrajes en particular, pero está, sí, un paso adelante de, por ejemplo, El sueño de Cassandra, Conocerás al hombre de tus sueños e incluso a Scoop y a la muy recomendable, hace poco estrenada en territorio argentino, con el protagónico de otra bestia del stand-up comedy: Larry David, Que la cosa funcione. Sin embargo, si el deseo es el de disfrutar al Woody Allen crítico del psicoanálisis y la psiquiatría, al superador nato de Ingmar Bergman, al destructor de ciertas muecas sociológicas, habrá que recurrir a Annie Hall, Hannah y sus hermanas, Crímenes y Pecados, etc.
Desde el exuberante montaje de las escenas de apertura se destaca una Francia intensamente pintoresca, funcionando como una suerte de carta de amor a la Ciudad de las Luces. Medianoche en París es, entonces, una comedia romántica de marcados tintes surrealistas con ingeniosos gags cómicos, determinando, en consecuencia, una historia creativa con una hermosa imagen de la urbe. La pregunta que surge, después de contrastar a su creador con el resto de sus contemporáneos, y es que siempre hacen falta popes para marcar el pulso de las cosas, es si quedan cómicos geniales en el cine actual. Pues, quizá, resulte que Woody Allen sea el último. En efecto, hay que disfrutarlo bajo cualquier circunstancia, hasta que por fin acabe de una vez por todas con la cultura, terminando, con ello, inclusive, con uno de sus máximos creadores y desconstructores: él mismo. Y es que, por más descabellado que aparente, Woody puede hacer y deshacer lo que quiera en París, Nueva York, Barcelona, Londres o Buenos Aires, porque lo sabe absolutamente todo, a la misma altura que las figuras míticas que recupera y hace alusión en Medianoche en París.

Nota: "Anglicismos en el día a día"

MEDIO: Revista Games Tribune (España), número de Julio 2011
FECHA: Junio 2011
http://www.gamestribune.com/descargas/GTM29.pdf

Nuevos anglicismos en el habla cotidiana

Desde este humilde espacio en GTM, Hernán Panessi, nuestro columnista sudamericano, nos da su visión en defensa del fetichismo por los objetos, a sabiendas de su obsolescencia, tomando como punto de partida el avance del VoD en Argentina.

Los tiempos cambian. Evolucionan. La tecnología, y no es ninguna novedad, sigue su cause natural para adelante, para arriba o para donde quiera que vaya. Y así me sorprendió hace unos días. Hace muy poco tuve una reunión con una importante empresa de video on demand en Latinoamérica para evaluar la posibilidad de pasar las películas de mi distribuidora cinematográfica –VideoFlims Distribución, www.videoflims.com.ar- hacia esa novedosa plataforma. Y la cosa no estuvo para nada mal. Es que éste parece ser el cause natural del cine, la televisión hogareña y el mundo audiovisual. Video on demand, VoD para los amigos.
Todavía el panorama no está muy claro por estos lares. Al menos no en toda Sudamérica –aunque por ahí Chile ya metió vestigios de avance con www.bazuca.com, un portal virtual para ver pay per view legal y en alta calidad de imagen-. Los rumores que llegan desde el Norte son, por lo visto, que esta tecnología llena de bytes y con poco de esa tríada querida de “policarbonato-aluminio-plástico”, vía NetFlix, terminó por devastar la cultura del videoclub –empezando por Blockbuster y Movie Gallery-, dando un salto hacia una nueva cultura de consumo: todo tiene que ser mediante Internet, condenando a la desaparición a los lugares y los objetos. Tal decisión, para mí, que soy un nostálgico, un tipo sensible, un fetichista de las cosas, un coleccionista de memorabilia –todavía sigo comprando VHS’s en tiendas de saldos y CD’s originales-, me resulta cuanto menos curiosa la evolución, hasta podría decirles que en cierta parte me toca fibras sensibles. Suelo, por natura, rechazar los cambios abruptos. Y acá se chocan dos paralelas. El negocio (etimológicamente el negocio es la negación del ocio) y el ocio (actividades lúdicas puras y duras) se intersecan. Por un lado, es inevitable el paso a lo digital –las películas al VoD y a la altísima definición (leí en Twitter, en un dejo de genialidad, que “la cinefilia se está convirtiendo en descargar películas en 1080p”)-; por otro, y a consecuencia de ello, desaparecerían los DVDs que tanto placer me da fabricar y comercializar, pese que hace tiempo dejaron de ser un negocio –incluso, llegué a escuchar que el Blu-Ray Disc, la nueva generación de discos, nació muerto-. Está claro, es eso: neg-ocio. La posta que viene desde Estados Unidos, eterno vanguardista en cuestiones de mercadeo, es que con el video on demand se reducen los costos de producción, mejoran considerablemente las condiciones de visión y se multiplican las ganancias. O, más bien, lo que quiero decir es que yo soy un antiguo y el ocio mutó irreversiblemente hacia lo digital. No sé si quedan caciques que defiendan a ultranza lo físico, el factor fetichista de “una buena cubierta de tapa, linda gráfica en el lomo, extras variopintos y la facilidad en la manipulación”, pero habrá que acostumbrarse a que para ver una película haya que prender el monitor de la PC, el CPU, ponerse unos auriculares e introducir número de tarjeta de crédito, user y pass. Habrá que acostumbrarse al cambio, como a todo. Esto es lo que viene, si que ya no vino y sigo demorándolo en mi mente.

Mención en catálogo de la charla sobre "Distribución de cine autogestionado e independiente"

MEDIO: Catálogo del X Tandil Cine
FECHA: Junio 2011
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Presentación de la "Sección Rara Avis" para el catálogo del X Tandil Cine

MEDIO: Catálogo del X Tandil Cine
FECHA: Junio 2011
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A contrapelo de sistemas de producción direccionados en sostener una abulia cinematográfica demodé, el Nuevo Cine Independiente, extensivamente VideoFlims y todos los realizadores de su catálogo, significan una renovación, una bocanada de aire fresco para el indie latinoamericano.
Así, desde su visión más auténtica del cine, VideoFlims Distribución recoge esa bandera y la convierten en un provocador manifiesto, en una rotunda forma de vida. Esto viene a cuento ya que la distribuidora, en esta oportunidad presentando por primera vez en Tandil un corto y un largometraje, ha sido creada con el fin de ofrecer algo distinto en la estandarizada palestra del mercado actual, tal y como propone la sección a la que fue primordialmente invitada. Es que todavía resulta, para cierta parte de la coyuntura, una “rara avis”. Aunque, atención, y este no es un dato nada menor: aparenta de culto, sí, pero cuenta cada vez con más y más legitimación alrededor del mundo.

Pablo Marini, Hernán Panessi y Esteban Rojas
VideoFlims Distribución
Buenos Aires, Argentina

Nota sobre Qué Pasó Ayer Parte II

MEDIO: Revista Haciendo Cine
FECHA: Junio 2011
Nota en gráfica

Theatricals | ¿Qué pasó ayer? Parte II

Resacón en Tailandia

Subiendo un escalafón en demencia, ¿Qué pasó ayer? Parte II continúa con el legado de fiestas zarpadas y actualiza aquellas celebraciones memorables del cine norteamericano circa finales de los 60s. Por Hernán Panessi

En el buen sentido, ¿Qué pasó ayer? Parte II es más de lo mismo de lo que teníamos en la primera entrega, aquella que había cumplido destruyendo esa histórica ausencia de atrevimiento hollywoodense, retratando –por fin- el desvarío de las parrandas salvajes. Montones de guiños, personajes y temas se presentan en diferentes formas, otra vez, después del mencionado hit del año 2009.
Sin embargo, pareciera que los guionistas sabrían de antemano que los conceptos de “segundas partes” y “sorpresas” no suelen ser, habitualmente, tan frescos ni fáciles de tratar. Así que en lugar de quedarse tibiecitos, con la enorme ciencia de seguir haciendo reír, tuvieron el valor de ir al choque con todo y contra todo. De aquí en más, para señalar la pericia de un notable Todd Phillips, su director y uno de los responsables del guión, hace un buen tiempo inmiscuido en este despelote de comedias juerguistas (con Aquellos viejos tiempos y Viaje Censurado como puntos más altos), habría que reivindicar absolutamente la entelequia “incorrección política”.
En ¿Qué pasó Ayer? Parte II, quien se casa es Stu (Ed Helms), el más tranquilo del grupo, eligiendo como destino de bodas a Tailandia, país de origen de su enamorada Lauren (Jamie Chung), llevando a todos sus amigos y parientes hasta el Sudeste Asiático. De esta forma Phil (Bradley Cooper), Alan (Zach Galifianakis), Doug (Justin Bartha) y Stu se subirán a un avión para llevar a cabo una velada tranquila. O tal vez ése no sea el plan de todos: en medio, alguien querrá llevar a cabo otra elíptica despedida de solteros. Una vez ahí, la noche antes de la ceremonia, los muchachos deciden ir a tomar una copa a la playa, llevando consigo al hermano menor de la novia, el prodigio dieciseisañero Teddy (Mason Lee).
A la mañana siguiente despiertan con otra de sus resacas infames, tan lamentable como para no recordar nada de lo acontecido 48 horas antes. Esta vez, no los acoge una suite glamorosa en Las Vegas, sino que están en algún lugar de la más roñosa Bangkok, y no es Doug el que se ha ido, es ahora el adolescente Teddy. Además, pequeños detalles: hay un mono dealer en la habitación, Stu tiene un tatuaje del estilo de Mike Tyson en su rostro, Alan está totalmente rapado, encuentran un dedo en una hielera y, de alguna manera, el Sr. Chow (Ken Jeong), el secuestrador de la primera, uno de los que se roban la película con su histrionismo y desenfreno, está allí.
La dinámica entre los personajes principales es tanto increíble como hilarante. Aquí tenemos la oportunidad de conocer más sobre los personajes y cómo se sintieron después de estar en la primera historia, aquel primer parrandeo nightlife en la pecaminosa ciudad de Las Vegas. A ello lo sostiene, por su parte, una impecable estructura de guión a lo thriller pensada para generar suspenso e intriga permanente.
Esta secuela ofrece todo lo que se espera de ella: diversión, escatología y sexo desenfrenado -¡esos travestis, por favor!-. Una de las mejores películas en lo que va del año, sin nada que envidiarle a jodas como las de Easy Rider o The Party.

¿Quién es esa chica?: January Jones

MEDIO: Revista Haciendo Cine
FECHA: Junio 2011
Versión digital
Versión impresa

¿Quién es esa chica? | January Jones

Con Mad Men, January Jones, esa rubia dorada que jamás sería tu vecina pero sí la esposa de un exitoso publicista neoyorquino, embelesó y enamoró a medio mundo. Ahora, ante el estreno de X-Men: First Class, y con tremenda probidad divina, asoma como una de las revelaciones treintañeras más importante de los últimos cinco años. Por Hernán Panessi.

Extraña costumbre la de las listas. El dato de ocupar un puesto 82 entre las 100 mujeres más atractivas del año 2002, por ahí no dice demasiado. Sin embargo, quitando de lado esa obsesión enfermiza por catalogar todo –ella es la 82, ¿quiénes serán la 81 y la 83?-, January Jones, la nueva Emma Frost, esa supersexy blonda de trazo fino creada por Chris Claremont y John Byrne, es la Reina Blanca que veremos en X-Men: First Class. La más sofisticada entre los mutantes. Por un tiempo, además, fue la número uno de Don Draper en Mad Men, siéndole éste impúdicamente infiel, quedando relegada a un segundo lugar (paradójicamente, el 2 es el número femenino por excelencia, tal vez en justicia poética: ella sea sinónimo de la mujer).
Esta chica nacida en el Medio Oeste de los Estados Unidos, en la ciudad más grande de Dakota del Sur, Sioux Falls, un 5 de enero del año 1978, es delgadísima. Más que apta, constituida (a)simétricamente para desfiles de moda high profile. De hecho, fue modelo de la marca de ropa casual Abercrombie & Fitch –qué desperdicio, el prêt-à-porter de lujo le quedaría pintado. Y, a pesar de medir 1.67 metros, tiene piernas larguísimas. Al menos así lucen por su extrema delgadez.
Posee, según Cesaere Lombroso, aquel médico que definía a los criminales según las formas, causas físicas y biológicas, un rasgo de asesino: los lóbulos de las orejas pegadas a la cara. Cualidad que comparte, por ejemplo, sin ánimos de confrontar, aunque un poco sí, con Michelle Pfeiffer, dos veces elegida como la mujer más bella del mundo según la revista People. Ay, las listas.
Su primera aparición fue en el cine, allá por el año ’99, con It’s the Rage, adaptación de la obra teatral The Alarmist, de Keith Reddin; aunque su primerísima-primera aparición no se la debemos a la pantalla grande sino a los rayos catódicos. Sucedió en la TV norteamericana, mismo año aunque tiempo antes, en Sorority, haciendo de Number One (los números, ¿recuerdan?), lugar donde compartió elenco con la pulposa Christina Hendricks, con quien se reencontraría ocho años después en Mad Men.
Condenada a aparecer en TV movies y pequeñas películas hollywoodenses hasta el año 2003, donde Peter Segal la coloca en ese simpático filme que es Anger Managment; y, también, casi simultáneamente, siendo solicitada por Jesse Dylan, eligiéndola para ponerle el cuerpo a la imponente hermana de aquella insufrible Michelle (Alyson Hannigan) en American Wedding, la carrera de Jones iría en franco ascenso hacia las portadas de revistas y las mencionadas hotlist.
Y desde ahí no paró más. O algo por el estilo. Ha hecho Love Actually, donde siquiera aparecía en el cartel promocional; esa secuela que nadie pidió llamada Dirty Dancing 2: Havana Nights; y, bajo las ordenes de Tommy Lee Jones, actuó en ese peliculón titulado The Three Burials of Melquiades Estrada. En este 2011 ya la vimos en Unknown y pronto la veremos protagonizando The Hungry Rabbit Jumps. Todo ello hasta que un día, pronto y dispuesto él en filtrarse entre nosotros, ya no nos preguntemos nunca pero nunca más: ¿quién es esa chica? Ni tampoco haga falta mencionar que, en su momento, fue la 82 del 2002 ni nada por el estilo.

Ciclo de Cine Árabe

MEDIO: RevistaDebate.com.ar
FECHA: Junio 2011
http://www.revistadebate.com.ar/2011/06/17/4069.php

CINE
Ciclo árabe
Durante una semana, del 23 al 29 de junio, se vendrá un ciclo de cine árabe en las salas del Gaumont, con cinco largometrajes y cinco cortometrajes. Una aproximación a estéticas y miradas no tan lejanas
Por Hernán Panessi

Coordinada por el DOHA Film Institute, organización oriunda de Qatar dedicada a llevar iniciativas culturales bajo una sola bandera: la de la apreciación cinematográfica, la educación y la creación de una industria dinámica regional, llega por primera vez a la República Argentina una avanzada del cine árabe. Éste tuvo, históricamente, poca difusión por estos lares pese a ser una de las primeras regiones en conocer el cine, cuando -allá por el año 1897, en Egipto- los Hermanos Lumière filmaron y mostraron sus películas. Es sabido que, en caso de estrenarse comercialmente por aquí, lo hacen en forma de remanentes a merced de los blockbusters norteamericanos y del fervoroso calendario comercial, funcionando insólitamente cual relleno, casi de la misma forma que las obras europeas (también segregadas por el grueso de los theatricals).
Ahora, dada esta circunstancia excepcional, podremos disfrutar de cinco preestrenos y cortos exclusivos. Micrófono (2010), de Ahmad Abdalla, cuenta la historia de Khaled, quien regresa a Alejandría después de años en Estados Unidos y descubre que las cosas no van demasiado bien. Su novia planea irse del país y la relación con su padre se ha deteriorado completamente. Una noche, mientras camina por las calles irreflexivo y confundido, se encuentra con la cultura underground de su ciudad: raperos, roqueros, graffiteros, todo un mundo de creatividad, expresión y arte. Khaled quedará fascinado y cambiará, a raíz de ello, su estilo de vida. A medida que se adentra en este mundo, se convertirá en un referente de la escena artística local. Centrándose en pequeños detalles, su director, Abdalla, destacó lo valioso de las cosas simples dando como resultado una película divertida, en plena transición del cine egipcio. Este filme, dato no menor, tuvo su momento de exhibición durante la revuelta sociopolítica ocurrida en Túnez y, posteriormente, en Egipto.
Majid (2010), dirigida por el marroquí Nassim Abassi, responsable de The Winter Sun is a Lie (2005), cuenta la historia de un niño huérfano de diez años de edad llamado Majid. Este chico, en su tremenda angustia, se da cuenta de que no puede recordar la cara de sus padres fallecidos en un incendio. Por eso, le pedirá a su hermano mayor, Driss, que le ayude a encontrar una foto, pero él sólo quiere autoexiliarse voluntariamente del país. Majid descubrirá que hay una sola foto de sus padres en toda la capital económica marroquí, Casablanca, y decidirá, junto con su amigo Larbi, ir en búsqueda de la tan deseada fotografía.
Teta, Alf Marra (2010), conocida en el mundo anglosajón como Grandma, a thousand times, es decir Abuela, mil veces, es un documental poético que pone el ojo en una abuela beirutí, Teta Fátima Kaabour, que invoca las historias que vivió durante toda su vida para conmemorar sus muchos mundos antes de que sean borrados. Un trabajo de realismo mágico, que tiene como objetivo desafiar el final.
Hawi (2010), nativa de Egipto, tercer largo de Ibrahim El Batout, representa el viaje de Youssef, un hombre de 40 años, quien queda liberado después de estar cinco años como prisionero solitario. Es también la historia de un grupo de compositores, un ejecutivo de televisión en busca de un presentador, un malabarista y su viejo caballo enfermo. Lo que podría ser una serie de subtramas inconexas, se convertirá en un estudio sociológico de una ciudad poblada por personajes desesperados y un retrato de la vida de la gente común en Alejandría.
Advertiremos la revolución tunecina, mediante No More Fear (2010), desde el devenir de tres personajes. Serán la joven Lina Ben Mghenni la que narrará los acontecimientos de la localidad de Sidi Bouzid en su blog, la abogada Radhia Nasraoui la que tendrá que pagar el precio de su lucha por defender los derechos humanos y el periodista Karem Chérif el que defenderá su barrio con fervor. Igualmente, estas personas sólo resultarán testigos de la inmensa revolución que se ha puesto en marcha. A través de su mirada, el cineasta Mourad Ben Cheikh narra la revuelta de todo un país.
Por su parte, cada largometraje estará acompañado de un corto afín en un doble programa federal e inclusivo con las filmografías de Qatar, Emiratos Árabes Unidos, Marruecos, Egipto, Líbano y Túnez.

Ciclo de Cine Árabe

MEDIO: Revista Debate
FECHA: Junio 2011
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Ciclo de Cine Árabe

Durante una semana, del 23 al 29 de junio, se vendrá un ciclo de Cine Árabe en la Sala Gaumont, con cinco largometrajes y cinco cortometrajes. Una aproximación a sensaciones poco transitadas.

Coordinada por el DOHA Film Institute, organización oriunda de Qatar dedicada a llevar iniciativas culturales bajo una sola bandera: la de la apreciación cinematográfica, la educación y la creación de una industria dinámica regional, llega por primera vez a la República Argentina una avanzada del Cine Árabe. Así, del 23 al 29 de junio de 2011, misma semana en la que, por ejemplo, la gente de Warner Bros. reestrenará la saga de Harry Potter presagiando la nueva entrega del mago posmoderno más marketinero de todos, en el Espacio INCAA KM.0, el histórico Cine Gaumont, se llevará a cabo el 1er Gran Encuentro de Cine Árabe en la Argentina, casi como una sana respuesta y motivo de contralor a la estandarizada palestra del mercado actual.
El Cine Árabe tuvo, históricamente, poca difusión por estos lares pese a ser una de las primeras regiones en conocer el cine, cuando –allá por el año 1897, en Egipto- los Hermanos Lumière filmaron y mostraron sus películas. Es sabido que, en caso de estrenarse comercialmente por aquí, lo hacen en forma de remanentes a merced de los blockbusters norteamericanos y del fervoroso calendario comercial, funcionando insólitamente cual relleno, casi de la misma forma que las obras europeas (también segregadas por el grueso de los theatricals).
Ahora, dada esta circunstancia excepcional, podremos disfrutar de cinco pre-estrenos y cortos exclusivos venidos desde el mencionado territorio. Allí podremos ver, entre otras, Micrófono (2010), de Ahmad Abdalla, que cuenta la historia de Khaled, quien regresa a Alejandría después de años en los Estados Unidos y descubre que las cosas no van demasiado bien. Su novia planea irse del país y la relación con su padre se ha deteriorado completamente. Una noche, mientras camina por las calles irreflexivo y confundido, se encuentra con la cultura underground de su ciudad: raperos, roqueros, graffiteros, todo un mundo de creatividad, expresión y arte. Khaled quedará fascinado y cambiará, a raíz de ello, su estilo de vida. A medida que se adentrará en este mundo, se convertirá en un referente de la escena artística local. Centrándose en pequeños detalles, su director, Abdallah, destacó lo valioso de las cosas simples dando como resultado una película divertida, en plena transición del cine egipcio. Este filme, dato no menor, tuvo su momento de exhibición durante la revuelta sociopolítica ocurrida en Túnez y, posteriormente, en Egipto.
También conseguiremos ver Majid (2010), dirigida por el marroquí Nassim Abassi, responsable de The Winter Sun is a Lie (2005), que cuenta la historia de un niño huérfano de diez años de edad llamado Majid. Este chico, en su tremenda angustia, se da cuenta que no puede recordar la cara de sus padres fallecidos en un incendio. Por eso, le pedirá a su hermano mayor, Driss, que le ayude a encontrar una foto, pero él sólo quiere autoexiliarse voluntariamente del país. Majid descubrirá que hay una sola foto de sus padres en toda la capital económica marroquí, Casablanca, y decidirá, junto con su amigo Larbi, ir en búsqueda de la tan deseada fotografía.
Además proyectarán Teta, Alf Marra (2010), conocida en el mundo anglosajón como Grandma, a thousand times, es decir Abuela, Mil Veces, un documental poético que pone el ojo en una abuela beirutí, Teta Fátima Kaabour, que invoca las historias que vivió durante toda su vida para conmemorar sus muchos mundos antes que sean borrados por el paso del tiempo y su eventual muerte. Es este un trabajo de realismo mágico, que tiene como objetivo desafiar el final, la desaparición física e inevitable de la carne, y cambiarlo por un legado de posteridad.
Asimismo veremos Hawi (2010), nativa de Egipto, tercer largo de Ibrahim El Batout, que representa el viaje de Youssef, un hombre de 40 años, quien queda liberado después de estar cinco años como prisionero solitario. Es también la historia de un grupo de compositores, un ejecutivo de televisión en busca de un presentador, un malabarista y su viejo caballo enfermo. Lo que podrían ser una serie de sub-tramas inconexas, se convertirá en un estudio sociológico de una ciudad poblada por personajes desesperados y un retrato de la vida de la gente común en Alejandría.
En última instancia advertiremos la revolución tunecina, mediante No More Fear (2010), desde el devenir de tres personajes. Serán la joven Lina Ben Mghenni la que narrará los acontecimientos de la localidad de Sidi Bouzid en su blog, la abogada Radhia Nasraoui la que tendrá que pagar el precio de su lucha por defender los Derechos humanos y el periodista Karem Chérif el que defenderá su barrio con fervor. Igualmente, estas personas sólo resultarán testigos de la inmensa revolución que se ha puesto en marcha. A través de su mirada, el cineasta Mourad Ben Cheikh narra la revuelta de todo un país.
Por su parte, cada largometraje estará acompañado de un corto afín en un doble programa federal e inclusivo con las filmografías de Qatar, Emiratos Árabes Unidos, Marruecos, Egipto, Líbano y Túnez. A la sazón, un cine poco explorado en nuestro país que ahora, vía la extraordinaria labor de gestión cultural del DOHA, tenemos al alcance de la mano, acá, en la Plaza Congreso.

Reseña del libro “Rosas, ¿Fue desinteresado?”, de Estanislao Del Campo Wilson

MEDIO: Plan Arte (Portal de música, cine, teatro y arte en general)
FECHA: Junio 2011
http://www.planarte.com.ar/index.php?option=com_content&task=view&id=5665&Itemid=62

Estanislao Del Campo Wilson: “Rosas, ¿Fue desinteresado?”

Reseña literaria sobre “Rosas, ¿Fue desinteresado?”, de Estanislao Del Campo Wilson, acerca del tirano ungido por Dios para salvar la patria.

Es esta la reedición, vía Editorial Dunken, antes correspondiente a Bibliográfica Omeba, de un libro harto polémico. “Rosas, ¿Fue desinteresado?” no es sólo el título de la investigación, sino el puntapié inicial para desasnar el camino, según el autor, Estanislao Del Campo Wilson, acerca de la posición de Juan Manuel de Rosas con respecto a su gobierno y a las múltiples acusaciones de ladrón que han caído sobre su persona. Hay una afirmación, mencionada aquí, por supuesto, e iniciática para la pesquisa, que es la de “a Rosas en caudales públicos, le tengo por ladrón”, lanzada por el Gral. Bartolomé Mitre. Así, además de la comprobación de esa sentencia, se indica que las tropas de Rosas se componían de indios, desertores y esclavos. Además, que al morir estos últimos, Rosas se hizo indemnizar por el gobierno. Por su parte, el libro señala que cuando fue gobernador, anuló la prohibición de la esclavitud, e hizo legal la compra-venta de esclavos. Con mucho de citas personales –“en mis clases hablé de los robos de Rosas”, se podrá leer a lo largo de sus páginas- esta averiguación pretende desenmascarar una faceta del primer dirigente de la denominada Confederación Argentina. Ávidos de leyendas, una advertencia, es esta una posibilidad para ver a un político histórico desde otro cristal, más allá de su cara conocida por la Campaña del Desierto y La Revolución de los Restauradores. De movida, sumamente controversial.

Review de Baño de Sangre (Blood Bath, 2008)

MEDIO: VideoFlims.com.ar
FECHA: Junio 2011
http://www.videoflims.com.ar/catalogo/bigus.html

Review de Baño de Sangre (Blood Bath, 2008)

Pensada para el mercado internacional, o al menos así lo indica su idioma inglés, Baño de Sangre (Blood Bath, 2008) es una historia sin rodeos ni divismos, un episodio violento de naturaleza realista donde un grupo armado ingresa en una casa en la que, se supone, habrá un operativo policial ligado al narcotráfico. En ella descubrirán una masacre donde sólo una mujer sobrevive. Allí, con el correr de los segundos, irán desapareciendo paulatinamente cada uno de los oficiales hasta dar con el verdadero causante de las sangrientas muertes: un invencible vampiro con aspecto humano.
Sin demasiadas explicaciones, como debe ser el verdadero cine “de entretenimiento”, hay algo que se estima: la lucha constante entre el bien y el mal. Un misterioso vampiro con tintes de serial killer (Michael Myers podría ser tranquilamente un primo lejano) será la encarnación del mal. Este moderno Drácula pega-piñas será quien asesine a todo aquel que se le entrometa y pondrá en jaque (por caso) al plan de rescate propuesto por los agentes armados. Un joven policía con pinta de karateka le brindará batalla siendo la esperanza de la humanidad (es claro, en este microcosmos de pocos personajes, los buenos mueren, los malos sobreviven; el héroe se enfrenta al mal, en consecuencia: el héroe es la representación de la humanidad toda).
De estética opaca y sombría pero con un notable desarrollo símil video clip, el film de César Bigus, cual Guy Ritchie argento, demuestra que con efectivos 40 minutos pueden darse grandes momentos ociosos. Una artística visual muy cinematográfica (esa de ínfimas teatralidades, mucha edición y permanente detalle en las acciones de los personajes), en lo que es una gran apuesta del cine independiente fantástico y nacional.
A considerar: bajo un “encanto” similar al de la nueva oleada de cine slasher francés (Frontière(s), de Xavier Gens; Martyrs, de Pascual Laugier), Baño de Sangre es un terrorífico survival horror made in Argentina que dará que hablar. Recomendada.

Crítica cinematográfica de Blue Valentine

MEDIO: Revista Debate
FECHA: Junio 2011
http://i51.tinypic.com/33nvw3m.jpg

Triste San Valentín

Uno de los estrenos de la semana, “Blue Valentine, Una Historia de Amor”, es un drama adulto, que tuvo su paso sorpresivo en el último BAFICI, abocado de forma elíptica al fin del romanticismo.

Por Hernán Panessi

Esta pintura huele familiar. Una bella mujer se encuentra con un excéntrico muchacho y ambos caen inmediatamente en estado de enamoramiento. No es un dato menor que los dos sean jóvenes de clase media trabajadora. Al momento de los hechos, todo es prosperidad o al menos así se imagina la cuestión. Cinco años después, ya con una niña entre ambos y un considerable tiempo como pareja, sus nociones románticas no son tan encantadoras y su añorada felicidad tampoco es tan efectiva ni poética. La falta de fundamentos que en su momento los unió, ahora los condena sin titubear siquiera un instante. Su vida cambió, la visión idealizada se desvaneció y la cuestión novelesca se desploma barranca abajo. Es claro, todo se ha debilitado.
“Blue Valentine, Una Historia de Amor” no es sólo el complejo retrato de sus dos personajes principales, sino que es, además, una honesta representación de intimidad sobre los altibajos del amor visto desde todos los ángulos posibles. Para esta historia, su director, Derek Cianfrance, ha trabajado unos 12 años logrando un guión sólido, cuestión distinguible a la sazón de buenos detalles, encontrando el punto justo de “argumentos para esta pequeña muerte”. Pese al logro de bucear en océanos populares consiguiendo nuevos paisajes, es bien conocido este tipo de dramas como lugar común de la vida adulta. Resultando ello, por lo demás, un tópico harto transitado vía el imaginario cinematográfico y explotado notablemente mediante, yendo a ejemplos concretos, James Grey y Sam Mendes o, mismo, a través de los eternos John Cassavetes y Richard Linklater, tal vez, los dos máximos ejemplos de tal devenir.
Emocional y físicamente sensiblera, la historia de Dean (Ryan Gosling) y Cindy (Michelle Williams), ambos muy bien predispuestos para los sufridos papeles, parpadea hacia atrás mostrando el primer florecer del afecto y la reacción final ante la frustración del desamor, procurando que ninguna decisión posible lastime a la pequeña Frankie (Faith Wladyka). Su visión común de las cosas hace que los agujeros intencionales de su propia experiencia pasen cual comodato al espectador de turno. Con esto, evitando los clichés de fácil acceso y saliendo airoso de un momento complejo para representar en cámara, Cianfrance demuestra un mérito notorio: atravesando el relato, obliga a tomar partido hacia alguno de los protagonistas e invita, también, a identificarse bajo ciertos matices sensitivamente expuestos.
Sostenida bajo una notable labor de fotografía, más –sobre todo- un excepcional trabajo de dirección de arte, “Blue Valentine, Una Historia de Amor” contiene en la brutalidad su plusvalía. Luchas violentas, consumo de alcohol y tabaco, menciones directas al aborto, desnudos gráficos y cierta sexualidad explícita evocan al ser humano en su concepción más cotidiana, nunca tan oscura. Así, dadas las circunstancias, el filme termina funcionando tanto como un retrato actual y contemporáneo como casi perpetuo e histórico del matrimonio norteamericano, extensivamente occidental. Experiencia triste, sí, pero en algún punto enriquecedora.

Review de Cuentos de Terror y Espanto: Relatos fantásticos y escalofriantes

MEDIO: Revista La Cosa
FECHA: Junio 2011
Review del libro

Cuentos de Terror y Espanto: Relatos fantásticos y escalofriantes

Argentina, 2009
AUTORES Varios
EDITA Ediciones Continente
PÁGINAS 124
PRECIO $27,90
STATUS en venta

Resulta que Una antología de cuentos de terror de autores reconocidos como: Edgar Allan Poe, Sir Arthur Conan Doyle o el español José Zorrilla, vienen a ponernos los pelos de punta.
¿Qué onda? Néstor Barron, escritor y músico, seleccionó una serie de relatos terroríficos esenciales para iniciarse en la literatura mórbida y fantasmal. Por su parte, Diego Pogonza, artista plástico, aportó su trazo con unas aterradoras ilustraciones. El libro, en su conjunto, indaga en el extraño placer metafísico de sentir “miedo”. Sobresale el cuento de Conan Doyle “El horror de las cumbres”, donde un aviador descubre un curioso misterio en las alturas y (no) vive para contarlo. Recomendación obvia: Leerlo de noche y con poca luz.

¿Qué aprendí con este libro? El terror en prosa da tanto miedo como la imagen en movimiento.

- Hernán Panessi

LEELO SI TE GUSTÓ... Cuentos de Terror: Relatos alucinantes de espanto y humor negro (de la misma colección)

La-Cosa-Matic: A puro ketchup; Matar al Nahuelito; Ciencia Micción.

Nota sobre Falling Skies

MEDIO: Revista La Cosa - Cine Fantástico
FECHA: Junio 2011
Portada Revista La Cosa
Página 46
Página 47

Falling Skies

Persona común en situación extraordinaria: padre que sobrevive a marcianos violentos. De eso va la cuestión, por ahí se estructura Falling Skies, tremendo serial sci-fi craneado por Steven Spielberg, que veremos, gracias al cielo, en este 2011. Por ello, Hernán Panessi, quien casualmente viene de un viaje a Marte y todavía debe las cuotas del pasaje, te cuenta bien de qué va esta movida galáctica y se amotina en su casa sin abrir la puerta, no vaya a ser cosa que, como a sus protagonistas, también lo vengan a buscar.

En los cortes de la transmisión latinoamericana de los Premios Óscar de la Academia nos cebaron con el avance de una nueva serie que, finalmente, hizo su lanzamiento oficial, cumpliendo con tamañas expectativas, al terminar la mencionada entrega de premios, la más importantes de todo Hollywood, por cierto. Se trata de Falling Skies, show de ciencia ficción creado por Robert Rodat, guionista de Rescatando al Soldado Ryan (Saving Private Ryan, 1998) y El Patriota (The Patriot, 2000), y ni más ni menos que el inigualable Steven Spielberg, para la cadena norteamericana TNT.
La historia de Falling Skies, producida por DreamWorks Television, división catódica de DreamWorks Pictures, está situada alrededor de Tom Mason (Noah Wyle, el Dr. John Carter de ER Emergencias), un profesor de Historia de Boston y experto en supervivencia militar, quien, pasados seis meses de una violenta invasión alienígena, se verá convertido en líder de un grupo de civiles resistentes dispuestos a mantener su humanidad (llamados a sí mismos la “2nd Mass”, literalmente: la “Segunda Masa”), al evitar ser víctimas constantes de una raza extraterrestre que acechará contra la Tierra (denominados por los humanos como “skitters”, con sus cuerpos arácnidos e increíble fuerza, y “mechs”, con sus cuerpos de robots y sus brazos como armas).
Además, por si esto de los visitantes cósmicos fuera poco, Mason deberá proteger a sus dos hijos, Matt (Maxim Knight) y Hal (Drew Roy), y buscar a un tercero, Ben (Connor Jessup), secuestrado misteriosamente por la amenaza interplanetaria, poniendo en juego sus conocimientos para luchar contra esta extraña plaga de otro mundo, muchas veces colocándose en situaciones que contienen todo tipo de dilemas éticos e intentando desesperadamente, con ello, y pese a cualquier presunta desventaja, dar con su vástago extraviado.
La primera temporada de Falling Skies, que resulta de una particular cruza entre Invasión del Mundo: Batalla Los Angeles (Battle: Los Angeles, 2011), La Guerra de los Mundos (War of the Worlds, 2005) y Encuentros Cercanos del Tercer Tipo (Close Encounters of the Third Kind, 1977), es una historia de esfuerzo, compromiso y coraje, donde los lazos humanos deberán mantenerse al cabo de cualquier circunstancia posible. Por su parte, en lo que a extensión se refiere, contará con diez episodios y el capítulo estreno poseerá una duración de dos horas, convirtiéndose en el opening más largo de la historia televisiva. Así, el famoso cineasta nativo de Ohio, Spielberg, aquí productor ejecutivo, genio en todos lados, seguirá rompiendo records y cautivando a todos en la suya, la industria del entretenimiento.

Crítica cinematográfica de Blue Valentine

MEDIO: RevistaDebate.com.ar
FECHA: Junio 2011
http://www.revistadebate.com.ar/2011/06/03/4014.php

Mención en el "Listado de la prensa escrita española especializada en videojuegos"

MEDIO: Dossier sobre el periodismo gamer en España para El Rincón de Asadapi
FECHA: Mayo 2011
http://es.scribd.com/doc/56702101/Listado-de-la-prensa-escrita-espanola-especializada-en-el-sector-de-los-videojuegos-ver-1-1

Mención de las reseñas de Operación Cannabis y El Hada Buena en ciclo de cine de la Biblioteca de Escobar

MEDIO: Blog de la Biblioteca de Escobar
FECHA: Mayo 2011
http://bibliotecapopularescobar.com/blog/?p=159

Mención en gacetilla de prensa de Nadie Inquietó Más (2009)

MEDIO: Blog de Nadie Inquietó Más
FECHA: Mayo 2011
http://nadieinquietomas.blogspot.com/2011/05/lanzamiento-proyeccion-de-nadie.html

Spot para la convocatoria de La Noche del Cine Independiente

MEDIO: Canal YouTube de VideoFlims
FECHA: Mayo 2011
http://www.youtube.com/watch?v=XtYQYa6yQp0&feature=youtu.be

Entrevista en tevé venezolana por el Festival Rojo Sangre

MEDIO: Sala A - TeleSur (tevé venezolana)
FECHA: Mayo 2011
http://www.youtube.com/watch?v=j2GDQn8FgOQ&feature=player_detailpage#t=316s

Entrevista a Bazuca.com

MEDIO: Revista Haciendo Cine
FECHA: Mayo 2011
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Industria

Entrevista a Bazuca.com

Con el advenimiento de innovadores (y cada vez más digitales) formatos de distribución, aparecen nuevos actores en escena. Bazuca.com, plataforma de origen chileno donde usuarios de todo el mundo pueden acceder a contenidos audiovisuales de forma personalizada, está ganando terreno en esto del Video on Demand. Por eso, y porque Argentina parece ser el próximo objetivo de posicionamiento regional, entrevistamos a Andrés Espinoza, sub-gerente de contenidos en Bazuca.com, para que nos cuente todo sobre la llegada del streaming pago y legal a Latinoamérica.

¿Qué es Bazuca.com?
Bazuca.com es la empresa líder en entretenimiento digital de Chile. Perteneciente al grupo VTR desde hace 3 años, Bazuca.com se ha focalizado en ofrecer la mayor diversidad de oferta cultural en Chile y posiblemente en la región. Al día de hoy, nuestra oferta se basa en la venta de MP3, eBooks, libros y películas. En el mundo de las películas tenemos más de 12 mil suscriptores en nuestro servicio de DVD by Mail en el que disponen de más de 15 mil títulos de nuestro catalogo. Además, hace un año lanzamos en el mercado chileno el primer servicio de VoD vía IP llamado Bazuca on Demand (BoD) al cual se accede por la web (www.bazuca.com/ondemand) y en las Enable TVs de LG de la serie Infinia que disponen de una aplicación que accede directamente a nuestro servicio online.

¿Cuál es la cantidad de usuarios que maneja su comunidad?
Tenemos alrededor de 350 mil usuarios inscriptos y más de 950 mil visitas mensuales de las cuales una cantidad significativa son de Argentina.

¿Con qué desfase consiguen los estrenos para pasar en VoD?
Hoy el 90% de nuestros estrenos son Day & Date, es decir, que la película se lanza en VoD el mismo día que sale el DVD y BD. En otros casos, tenemos estreno simultáneo en VoD y salas comerciales. También tenemos el caso de películas pequeñas que sólo tendrán distribución digital.
La tendencia de los grandes estudios y de los independientes va hacia juntar las ventanas del Home Video con el VoD y los resultados indican que ambos formatos no se canibalizan, más bien el mercado crece.

¿Planean adquirir material argentino?
En eso estamos, conversando con los grandes, medianos y pequeños distribuidores. El cine argentino es de gran calidad y, lamentablemente, como pasa en nuestros países, no goza de distribución regional.
Bazuca on Demand ofrece la posibilidad de que la cinematografía regional tenga al fin una pantalla de explotación permanente, sin tener que lidiar con los grandes estrenos de las majors, sin riesgos de piratería y, lo más importante, sin aquellos costos deducibles (copias, distribución, marketing, etc) que los distribuidores locales aplican.

¿Creen que el VoD hará desaparecer los formatos físicos de alquiler y compra de películas?
En absoluto, creemos que ambos formatos convivirán de buena manera ampliando el mercado y dando la oportunidad al consumidor final a decidir de qué manera quiere consumir estos contenidos.

Si hay realizadores que quieren enviarles sus películas para considerar en su catálogo, ¿cuál es el procedimiento habitual para hacerlo?
Todos los realizadores están invitados a enviarnos sus catálogos a la siguiente dirección: contenidos@bazuca.com. Por el momento no estamos programando mediometrajes ni cortos, pero esperamos a mediano plazo disponer de una plataforma en que los mismos realizadores suban sus contenidos y los compartan con el resto de la región.

Entrevista a Santiago Segura

MEDIO: Revista Haciendo Cine
FECHA: Mayo 2011
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Entrevista a Santiago Segura

No muchas veces ha pasado que el público argentino, sobre todo el contemporáneo, sienta tanta devoción y empatía por un personaje venido de las entrañas del imaginario español. Paradigma de la guarrería y las chanchadas políticamente incorrectas, de la que sí es un adepto constante la localía, Santiago Segura, creador del monstruo José Luis Torrente, vino a la Argentina para presentar Torrente 4 en 3D. Por ello, aprovechando la ocasión, Haciendo Cine se dio el lujo de charlar largo y tendido con el mito, en pleno fervor festivalero –es invitado internacional del BAFICI- y en medio de tremenda vorágine mediática por conseguirlo apenas unos segundos… HC lo hizo posible, otra vez.

¿Te gustó cómo quedó el 3D de Torrente 4?

Sí, a mí me gustó. Como soy cinéfilo sé que en toda la historia del cine, éste ha competido con todo. Y, aún así, ha intentado ser el espectáculo que siempre ha sido. Cuando de repente aparece la televisión, la gente del cine se agarraba la cabeza pensando “este es nuestro final”. Sin embargo, empezaron primero con el Technicolor, el Cinemascope, el Cinerama, hasta el Odorama o el Sound Surround, son cosas que sacaron para competir con ella. De hecho, en los 50s, cuando sacaron el anaglifo la idea era competir. De la misma forma pensé “sería divertido poner la tecnología de punta en una película de Torrente”.

Ahora, filmar en 3D debió haber sido un quilombo...

Un quilombo de cojones. De hecho, hemos pagado un poco la novatada de ser los primeros.

¿En España ya había películas en 3D?

No, esta ha sido la primera. Además, la primera comedia europea en 3D es Torrente 4. De alguna manera es sembrar un precedente. Una cuarta entrega de una saga siempre es como un triple salto mortal. Vamos, ya lo diste, ahora tienes que dar el cuádruple salto mortal, sino la gente dice: “bueno, ¿y esto qué más me va a ofrecer?”. Estoy más que satisfecho con el 3D. Me he dado un rollo con la tridimensionalidad interesante.

¿Cuándo te pusiste a escribir Torrente 4?

La realidad es que sucede poco a poco. La gente dice “¿no hay Torrente 4? ¿Para cuándo la 4?” y ahí es como para planteárselo. La gente quiere. Primero saber que hay alguien esperando es positivo y luego saber que puedes hacer algo que te complazca a ti mismo. Lo he dado todo otra vez. He dejado la cabeza, el corazón y el alma en hacer esta puta mierda humorística. Y la gente se ha reído. Entonces empiezas a dar vueltas, a anotar en servilletas... es un proceso de 2 o 3 años. Desde que decidí hacer una cuarta han pasado 3 años, básicamente. Es curiosa la aceptación de una película: se nota con la aceptación que te piden la siguiente.

¿Con Torrente 3: El protector te pasó?

No, Torrente 3 no gustó tanto. Fue un gran éxito pero la gente fue muy crítica. En España la vio una burrada de gente: 3 millones y medio de personas. Me contaba Guido Rut, el tipo de Film Shark, el de ventas internacionales, que estuvo haciendo un cálculo aproximado de las descargas que podría haber tenido en toda Latinoamérica y dijo que habría 25 millones de descargas de la saga de Torrente. Se lo conté a Mario Pergolini y él me decía: “Imagínate un euro por cada descarga”. No, imagínate unos 0.50cv. de euro o 0.25cv. Hubiera sido maravilloso. Bueno, de alguna forma también vale para que te conozca la gente. Espero que ahora, por ejemplo, aquí en Argentina, que es un lanzamiento pequeñito pero, bueno, con 40 copias, un número importante, le vaya bien.

De cualquier manera 40 copias es un muy buen número. Pensá que un estreno nacional e independiente tiene unas, no sé, 15 copias, obvio que con una de Darín son muchas más...

Lógico, por eso, por una película como Torrente, sin cara de ningún tipo, que esté en 40 salas... bueno, estoy muy contento. También estoy preparado para escapar del país si es un fracaso.

Estuve en la función de prensa y los periodistas se cagaban de la risa...

¡Eso me han contado, que la gente se reía! Luego hicieron la función (N. de redacción: dice “pase”) para exhibidores, que son quienes sólo piensan en cuántos espectadores pueden ir y cuántos no, y salieron muy contentos. Así que estoy muy feliz. Es que como estoy acostumbrado a recibir ostias, estoy esperanzado pero siempre espero lo peor.

¿Pero cómo? Si en España les ha ido bien a todas...

No, es que las ostias –allí- han sido las críticas. La gente piensa que soy un anormal. Me ha dado ostiazos la crítica cinematográfica que le gustan las películas de directores acabados en...

(Interrumpo y por alguna razón estúpida no lo dejo terminar la frase) Igual quedate tranquilo que al espectador argentino le gustan las películas donde pasan cosas. Y en Torrente 4 pasa de todo...

¡Exacto! Además, no sólo pasan cosas en la trama sino que, te lo juro que a veces lo pienso, soy una especie de guerrillero del humor, porque me da lo mismo un chiste escatológico que un chiste de slapstick, de humor físico, de una cosa infantil así medio mema, porque funciono a todos los niveles.

Me encanta el detalle de los calzconcillos cagados...

Mirá si es un detalle que los ambienté yo mismo. Fui con maquillaje a ambientarlo porque las chicas de maquillaje nunca habían visto ese tipo de calzoncillos... (risas)

Santiago, ¿qué onda el Kun Agüero?

Impresionante, muy simpático. Bastante tímido al principio pero con la cámara adelante, se desató.

¿Sabías que es hincha del Club Atlético Independiente?

Sí, claro. Pues me han dicho que Independiente de Avellaneda es el equipo más parecido al Aleti (N. de redacción: se refiere al Atlético de Madrid, club español del cual es hincha Torrente).

¿Y por qué no apareció Lionel Messi?

Bueno, es que a pesar de lo que puede aparecer, digo: “yo quiero a Al Pacino y Robert De Niro”... es que a Messi no le conozco. Con Kun teníamos un amigo en común que me dijo: “A Kun le encanta Torrente”. O sea, con los torrentistas tengo más fácil acceso. Además los tipos vienen haciendo un favor, claro, porque ¿qué le vas a pagar a Arbeloa o a Sergio Ramos? (N. de redacción: jugadores del Real Madrid español). Pienso y digo: “a este tipo si por anunciar unas zapatillas Nike le pagan millones de dólares al año, ¿qué le voy a pagar yo?”. Entonces siempre les digo que les debo una y que si hacen una fiesta infantil, una comunión, un bautismo, por ahí necesitan un payaso y, bueno, ahí me presento yo. (Risas)

¿Cómo pensás que va a recibir el público argentino a Torrente 4?

Yo digo que toco madera cuando hablo de esto y pienso que bien. Pero no sé, por ahí de repente me llaman y me dicen: “oye, no fue nadie”, tampoco me extrañaría. Lo raro para mí sería que triunfara. Si se abarrotaran los cines y estarían todas las salas llenas... lloraría de emoción. También es cierto lo que me dijo Joaquín Sabina: (N. de redacción: pone voz de Joaquín Sabina) “aquí cuando te quieren, te quieren”. Y suerte que me quieren.

¿Tiene algo Torrente de argentino o el parecido es pura casualidad?

Pura casualidad. Le estaba diciendo a una chica, bueno, hay cosas muy castizas, muy locales, muy del español, eso de que “él puede hacerlo mejor”. O sea: si tu estás, de repente, poniendo un tornillo o clavando un clavo, hay un tipo al lado que está diciendo: “no, no coge así, hazlo de este modo”... ¡y eso es muy porteño! Es que el ser humano es miserable y mezquino, y Torrente es humanidad, o sea que toda la humanidad se puede identificar con algunos patrones comunes que, siempre lo digo yo: patrones comunes con los que hay que luchar. Tú no quieres ser un tipo xenófobo, pero alguna vez te sientes así, envidiando, despreciando, somos humanos, entonces hace gracia verlo tan excesivo en la pantalla. Para mí es un exorcismo, es liberador ver a un tipo recontra subnormal y que, sobre todo, en la calle, esos tipos son incómodos de ver e incluso son desagradables y no son humorísticos. Es una cosa cabrona, ¿no? En cambio, en la pantalla te puede hacer reír...

¿Cómo sería Torrente de vecino?

No, un hijo de la gran puta. Por eso cuando dicen “Torrente es grande”, y le pregunto “¿lo invitarías a cenar?”, bueno, me dicen: “suerte, suerte, chau”. Se llevaría la plata, se cagaría…

Hace poco veía por Internet un especial de la TV española donde contabas la historia de la mítica frase de “Tch, chinita, chinita”...

Estaba yo con un amigo comiendo en un restaurante chino y un tipo llama a una camarera oriental: “Chinita, chinita, oye, los cafés, ¿nos vas a cobrar los cafés? Quítame los cafés, esto va de invitación de vosotros, chinita”. No sabía dónde meterme del calor, de la vergüenza, pero daba risa también, entonces digo: “esto es bueno”. Las cosas que me dan vergüenza ajena y me parecen reprobables, pero si puedo verlas como de lejos, en una pantalla, en un cine lleno y reírme a gusto es un rollo de catarsis.

¿Y buscaste inspiración en alguien concreto para la creación del personaje?

La gente que está siempre con los lentes de sol en el interior me ponen nerviosos. La gente calva que se peina con la cortinilla. El bigotillo fascista ese finito que ya no está como de moda. Un cúmulo de cosas. Luego, para el vestuario de Torrente me gustaba mucho el de la serie Miami Vice. Quiero vestir a Torrente así. Los zapatos de rejillas. La camisa de mugre es alucinante. La pulsera electromagnética, esa pulsera que tenemos en España hace mucho y ahora veo que vuelven a encontrar una nueva pulsera, ahora para el equilibrio, ¡es la misma mierda! Esas son cosas absurdas, todos esos detalles no son de un tipo sino de muchos tipos. Hay cosas de Torrente que no me gustan, por ejemplo: mis manos no me gustan para Torrente. Me gustarían unas manos más morcilludas, con los dedos más gordos, con pelos en los dedos. Yo engordo, vale, pero hay cosas que no puedo hacer.

¿Estás más flaco en Torrente 4, no?

Es que sólo he podido engordar 22 kilos. Cuando uno envejece miserablemente, como yo, duelen las articulaciones, todo se descuelga, es muy triste. Luego de engordarlos hay que perderlos. Sólo he perdido 12 kilos y desde que estoy aquí he recogido otros 3. Se me ha olvidado un poco la dieta. Que los helados, que la pasta… menos mal que me quedo hasta el domingo.

¿Tenés notas planeadas para todos los días?

Sí, pero bueno… ya que me han traído los distribuidores, quieren aprovecharme. Uno de los secretos del éxito de Torrente 4 en España fueron las notas. El primer fin de semana salió una en la Variety o en Hollywood Reporter, donde la mencionaban como la sexta película más vista a nivel planetario. Y las otras cinco eran, pues, El Cisne Negro, (N. de redacción: se detiene y piensa cuáles) blockbusters que se veían en 30 territorios. Torrente 4 sólo se había estrenado en España. Me puse a dar saltos de alegría. Porque mi ilusión siempre ha sido competir en la misma liga que las superproducciones norteamericanas. Quiero que la orquesta suene bien, si tengo que hacerlo en 7.1, pues mejor. Es como esto del 3D, en la sala de al lado los tipos lo tienen todo. Perfecto, el personaje es cutre, grosero, pero quiero que la película sea impecable, porque estamos acostumbrados a un cine muy potente. Luego creo que las ventajas sobre estas secuelas que se hacen en Estados Unidos es que no son ni del mismo director, ni los mismos protagonistas, están hechas un poco sin alma. Cuando ves Piratas del Caribe 3 no entiendes nada, es un espectáculo que no sabes dónde va. Hollywood es durísimo: cuando tú te gastas 180 millones de dólares en la película, hay 15 ejecutivos con corbata que dicen: “no, esto no puede salir”, hay demasiadas mentes pensantes. En Torrente soy yo solo.

¿Cuánto salió tu película?

10 millones. Impresionante. Es duro. Mis inversores están un poco acojonados. La suerte de poder hacer algo exitoso es que confían en mí. Te aseguro que pocas veces habrá pasado en la historia del cine en España que llegue un tipo y pueda hacer una película sin mostrarle el guión a los inversores. Los tipos firmaron y luego se hizo la película. Ellos pensaron en que fuera algo bueno. A veces me río y me digo: “algún día, la quinta o la sexta la haré con un iPhone y lo recaudado será todo ganancia”. Esta película, pese a ser de las más vistas, fue de la que menos ganaron los inversores. Hice un juguete gigante y con él puedo hacer lo que se me canten los cojones.

¿Con el éxito de España amortizaron los gastos?

Sí, sí, ya lo hemos amortizado perfecto. Por ejemplo, estrenar aquí o estrenar en Uruguay… estoy como muy feliz. En el único sitio en donde yo sabía que tendría un gran éxito, porque fui a visitar a Del Toro por Hellboy 2 es en…

¡México! (interrumpo)

No, no, en Hungría. (Risas) Guillermo Del Toro me dijo: “Gordo cabrón aquí eres un héroe, todos los del equipo quieren hacerse fotos contigo”. Por Hellboy, pensé. “Que no, mierda, si no sales casi, es por Torrente”. Alucinante. Lo doblaron muy bien allí, creo que lo dobló un cómico húngaro. Tengo el DVD (N. de redacción: dice “deuvedé”) y me digo: ¡madre mía, qué cosa más surrealista! Y esta la van a estrenar en el cine también. Son mercados muy pequeñitos, pero bueno.

¿Y es real que se viene Torrente 5?

Estoy pensando en no esperar tanto tiempo. Estuve viéndolo a Capusotto porque todos los periodistas me lo mencionaban y, luego de eso, pase dos horas en YouTube viendo todo Capusotto. Me reí mucho, me pareció un capo. Me decía Pergolini que había oído que Alex de la Iglesia lo quería, pero bueno, ahora sí esto es como una carrera a ver quién llega primero. Te lo juro que pensaba: Capusotto en Torrente 5 sería mítico. Hace el tipo de humor que me gusta a mí: ridiculizar actitudes existentes.

¿Es cierto que están por hacer una remake en Estados Unidos?

Sí, con Sacha Baron Cohen. Mítico, yo le amo. Sacha es fan de Torrente y dijo que la quería hacer. Lo que pasa es que en este momento está con cuatro proyectos fuertes encima de la mesa, pero Torrente es uno. Los guionistas habituales de él estaban trabajando en un guión. Estoy muy ilusionado, le pediré un papelito, por supuesto, que me den ahí de malo.

Hace poco volviste a filmar con Alex (De la Iglesia)…

Balada Triste de Trompeta. Se estrena en Junio o Julio, creo. Hago un papel pequeño. Ahora ha hecho otra que se llama La Chispa de la Vida, que ahí hago un cameo, también.

¿Y con (Guillermo) Del Toro?

Le quiero como un hermano. Las últimos 3 Torrentes las he escrito con él al lado, porque es el único que me impone disciplina: “Gordo, ¿cuántas páginas llevas?”, “pues 2, vamos a comer…”, “no, hasta que no escribas 4 no vamos, eres muy vago, cabrón”. Él es quien ha visto todos los Torrentes antes que nadie, le pongo el primer corte y me sugiere cosas. En la 4 me dijo: “Gordo, esto está mal montado, no tiene ritmo, ¿quién es el montador? ¿Un anormal?”. El Gordo (N. de redacción: con Del Toro se dicen gordo mutuamente) es un tipo muy listo. Guillermo es uno de los tíos más encantadores que conozco. Es una bendición tener a un tipo así, tú sabes, lo que les pasa a muchos directores es que creen ser más listos que todos, y yo, como soy consciente, si tengo uno de esos dioses del cine, un ángel de la guarda, lo aprovecho. No conozco a nadie con más proyectos que él. Es acojonante. Lo último que ha hecho es ser asesor de montaje en películas. Por ejemplo: Megamind, esa con Will Ferrell, la montó él. “Gordo, le saqué 6 minutos, para darle ritmo…”, me dijo. Le pagan por asesorar. Tiene ocho guiones suyos todavía sin producir, adaptaciones de comics, produce películas… es una bestia. Lo pienso y digo: “Dios mío, este gordo cabrón, que tiene mi edad y todo, es un ser aprovechado, vale para algo”. Yo puedo hacer un Torrente cada 6 años, esa es mi función en la vida.

Crítica cinematográfica de Sucker Punch

MEDIO: Revista Irrompibles Nº1
FECHA: Mayo 2011
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Sucker Punch: geekismo para hombres

La nueva película de Zack Snyder está ambientada en un “mundo surreal” con profuso olorcito a videojuego. Y eso, obviamente, es motivo de imponderable mención para una revista como [IRROMPIBLES]. Vista desde una cierta óptica burlona, reseñamos Sucker Punch, estreno de este 2011 que propone una irritante inmersión a los fichines.

En un mundo sobradamente falocéntrico, máxime el cinematográfico, la acción femenina, aquella dada por hembras de armas tomar –y en clave heavy metal- resultaron siempre, por alguna u otra razón, complicadas de vender o al menos, hay que admitirlo, fueron vistas históricamente con cierto prejuicio. Pese a ello, y reivindicando la situación, ejemplos de heroínas maravillosas sobran: desde Lara Croft hasta Aeon Flux, desde Barbarella hasta Sarah Connors, todas comparten el particular mote de ser “heroínas de película”. Entonces, como consecuencia de la paulatina destrucción de ese pensamiento arcaico, irrumpe Sucker Punch: Mundo Surreal (Sucker Punch, 2011), protagonizado por cinco actrices emergentes (Emily Browning, Jamie Chung, Vanessa Hudgens, Abbie Cornish y Jena Malone), largometraje dirigido por Zack Snyder, conocido por ser el director de disímiles hits de la cultura pop como El Amanecer de los Muertos (Dawn of the Dead, 2004), 300 (2007), Watchmen (2009) y Ga’Hoole, la leyenda de los guardianes (Legend of the Guardians: The Owls of Ga’Hoole, 2010).
La película no me gustó. Y tampoco sus heroínas.
Lejos del negativo convencionalismo que mencioné en el primer párrafo, Sucker Punch es entretenimiento para las masas, perfecto, eso se entiende. De hecho, les traigo a cuento que descreo de esa regla insulsa de “a más masividad, menor calidad”. Por eso mismo no quiero meterme en ciertos terrenos intelectuales ni en ofuscaciones (donde probablemente se pueda elucubrar una defensa del filme desde la intertextualidad, el subtexto, el metamensaje, etc, pero siempre visto con cierto cahierismo que, lo lamento, no tengo). Quizás, poniéndome en el lugar más cómodo, el del espectador, la posición que todos merecemos sin haber hecho nada para conseguirla más que ver las películas, me sentí como dentro de un fichín –okay, muchos pensaran: “¡qué bueno, un fichín!”- pero, atención, en uno donde no te prestan el joystick para jugarlo. Y eso, amigos, ustedes lo saben, quizás en la figura más patética de quien ve-jugar-pero-no-juega, a lo largo de 110 minutos, aún pese a la sobrecarga de bustiers y lingerie (¡hola machismo y misoginia inducida!), créanme, se siente.
Por supuesto que referencias al planeta videojugabilístico hay. Hasta, incluso, de a montones, funcionando como motor para un largometraje eclipsado por su propio inspirador: los videogames. Considerando ello, ninguna referencia es tan buena ni directa como para darle ponderación ante otras. Visualmente huele a crisol de Shadow of the Colossus, Bioshock, Killzone, Lost Planet o a cualquier FPS o shooter de última generación. Tal vez, ese sea el gancho esencial para que el mico cinéfilo se enganche y pruebe con verla. Tal vez no, siquiera sirva para eso.
De cualquier forma, ¿será –acaso- el excesivo uso del croma –tan apegado a la filmografía del bueno de Zack- o habrá sido, por ahí, el cantadísimo montaje clipero, notablemente sostenido por la falta de un guión sólido, o tendrá que ver esa pretenciosidad morbo-moralista lo que hace que mi reflexión acerca de Sucker Punch no sea tan positiva que digamos? Seguramente sí, pero también soy de esos que piensan que Thelma y Louise nunca deberían haber existido y que el sufragismo es cosa estrictamente de varones.
Bueno, esto último fue un chiste, pero que Sucker Punch no me gustó, no me gustó.

Hernán Panessi
@hernanpanessi
www.videoflims.com.ar

Nota sobre Game of Thrones

MEDIO: Revista La Cosa - Cine Fantástico
FECHA: Mayo 2011
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Buena noticia. Vuelven los realizadores de Roma con otra serie de dimensiones descomunales, aunque, claro, cada vez más y más pecaminosa: sangre, sexo, sudor, lágrimas, incesto, traiciones y sus buenos toques de fantasía. Para desasnar la cuestión, nada fácil teniendo en cuenta lo retorcido del asunto, le pedimos a Hernán Panessi que nos cuente todo acerca de esta nueva producción de la factoría HBO para la televisión.

Bajo una instancia histórica donde el espectador promedio opta tanto o más por una serie que por un puñado de películas, tal vez impulsado por un vínculo sentimental posmoderno de no abandonar rápidamente ni a la trama ni a sus personajes, la HBO perpetúa ese presente particular con Game of Thrones (2011), la nueva gran superproducción para TV basada en la novela Canción de Hielo y Fuego (A Song of Ice and Fire, en su idioma original) del autor George R. R. Martín.
Aquí, en otro de las enrosques contemporáneos, sin desprenderse de su obra, G. R. R. Martin oficia de co-productor ejecutivo, tarea asignada para mantener la fidelidad dramática de sus palabras; en los papeles llevadas adelante, además, por David Benioff, otrora guionista de X-Men Orígenes: Lobezno (X-Men Origins: Wolverine, 2009) pero más conocido por ser quien adaptó la aventura épica de Homero en Troya (Troy, 2004), y por Dan Weiss, versado en esto de llevar guiones a la pantalla grande, siendo su trabajo –hoy- a tiempo completo.
En la era del pensamiento instantáneamente comunicable, esta producción norteamericana filmada en castillos de Irlanda del Norte, Malta y Marruecos se dio a conocer tras una avance de 14 minutos distribuido a través de su sitio web oficial, en donde se mostraba la palestra de personajes con imágenes de una gesta epopéyica, mechadas –asimismo- sobre un pintoresco making off, llegando a aquel ingenio de la “imagen exacta” que tan bien narra la serie Mad Men (2007-presente). Allí, en ese preestreno cebador y en el devenir del programa, cuya estética se asemeja a la de El Señor de los Anillos (The Lord of the Rings), se cuenta la historia de las nobles familias Stark y Lannister, rivales por el control del Trono de Hierro de Westeros (Poniente, lugar donde las estaciones del año no tienen duración fija y pueden extenderse años) y su poder sobre toda la tierra, desde donde se gobiernan los Siete Reinos. En especial, la serie se enfoca en Eddard (Sean Bean), el patriarca de la familia Stark, quien queda atrapado en complicaciones y engaños vinculados al manejo del poder, sujetos siempre –también- a un escenario de implicancias tanto políticas como militares, a consecuencia de ser elegido como la mano derecha del Rey.
A la sazón, Game of Thrones actualiza los seriales de fantasía medieval que tanta tela cortaron de los noventas hacia acá, bajo ese furor particular de los revival medievales, con las disímiles Covington Cross (1992), Robin Hood (2006) –en su versión de la BBC de Londres-, Kaamelott (2005–2009), The Tudors (2007–1010), entre otras, siendo éste otro de los trabajos de la cadena HBO en esa vía tras Roma (Rome, 2005–2007).
El primer ciclo de la ficción contará en un principio con 10 episodios, pero si tiene audiencia, la serie podrá alcanzar las cinco temporadas. De esta manera, la opinión pública del mundo del entretenimiento –muchos heredados del universo literario más otros tantos venidos del cosmos rolero- aguarda ansiosa a Game of Thrones como uno de los estrenos en tevé más deseados del 2011.

Game of Thrones: Las novelas
A Song of Ice and Fire es el título de la serie que corresponde a la primer saga de libros de George R. R. Martin. La primera temporada de la ficción medieval de HBO cubre la entrega de los cuatro primeros libros publicados hasta el momento (A Games of Thrones, 1996; A Clash of Kings, 1998; A Storm of Words, 2000; A Feast of Crows, 2005), que tendrán continuidad en los próximos meses con el quinto, también incluido en la serie, titulado: A Dance with Dragons (2011). Por otra parte, se espera la salida de dos volúmenes más (The Winds of Winter; A Dream of Spring) que, siempre que el espectador acompañe, también se verán adaptados en la pantalla chica.

Desprendimientos lúdicos de la novela:
1. Game of Thrones: Genesis, juego de estrategia para PC.
2. A Game of Throne, RPG (role-playing game) para PC.
3. Guardians of Order, juego de tablero editado por Devir Iberia.
4. A Song of Ice and Fire Roleplaying, juego en tablero editado por Green Ronin.
5. A Game of Throne: Collectible Card Game, cartas coleccionables.

Mención en ensayo universitario sobre Dr. House

MEDIO: BuenasTareas.com
FECHA: Mayo 2011
http://www.buenastareas.com/ensayos/House/2236185.html

Columna de opinión: Nerdencias (Mayo 2011)

MEDIO: VideoFlims.com.ar
FECHA: Mayo 2011
El BAFICI por dentro

El BAFICI por dentro

El BAFICI, en su decimotercer edición, siguió con su polémico legado y, por primera vez, películas de VideoFlims Distribución pudieron estar incluidas en su programación. Una mirada por dentro, desde la intrínseca arteria del mercado industrial.

UNO
“Es difícil entrar a un boliche y que todas las minas sean lindas. Aparte, vos no querés bailar con todas, querés bailar con dos o tres”, así partió el BAFICI, en boca de Gabriel Patrono, benemérito director de La Nave de los Sueños, como parte de una analogía pachanga-BAFICI. Es cierto: demasiado dificultoso es que en un festival con tantas películas programadas gusten en su totalidad, sería imposible, imperfecto, siempre son dos o tres las que sobresalen por el resto en el paradigma personal. Sin embargo, el Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente todavía tiene algo por señalar con el dedo: sigue siendo poco integrativo con los márgenes. También es cierto que el festival posee su identidad, de eso no caben dudas, aunque desatender lo anterior sería ser conformistas con la coyuntura, entonces –quizás- los resquemores aparecen cuando uno se pone a pensar en que el susodicho es particularmente de todos (¡literalmente es de todos!, lo organiza el gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, por lo que debería tender a abrir y no a cerrar). Como espectadores, y desde cierta visión industrial, claro que sí, uno se pregunta: ¿por qué la periferia no es seleccionada? ¿Qué pasa que no hay una federalización real? ¿Por qué no hay cine de género en las competiciones del BAFICI? ¿Hay preferencias notables por determinadas escuelas de cine y su estudiantado? ¿Habría que redefinir la entelequia “independencia”? Muchas son las preguntas. Lógicamente: muchas son las respuestas.

DOS
Uno de los hits de la Competencia Internacional fue El Estudiante, película dirigida por Santiago Mitre (otrora guionista de Carancho), largometraje que actualiza ciertas cuestiones vetustas del pensamiento vernáculo, y que desearíamos editar, quien en una entrevista con el website Escribiendo Cine mencionaba que “luego del festival pensaba en un estreno a corto plazo”. Averiguando sobre la cuestión, saltó a luz que, como muchos, pese a la potencialidad comercial de su filme (léase: proyectar psicológicamente en un estreno con buena cantidad de copias), los productores de la película piensan (ahora) hacer lo suyo en MALBA y Cosmos-UBA. Esto sirve como ejemplo para esbozar un panorama con respecto a la distribución y exhibición post-BAFICI. ¿Cuál es el fenómeno particular que hace que películas como El Estudiante agoten entradas antes de comenzar el festival y luego tengan que ir -sólo- a dos salas, especulando con una posible cantidad límite de espectadores? Resulta paradójico. Los huérfanos de BAFICI encuentran su lugar en el mundo, luego, en circuitos off-Cinemark, Village, Hoyts, etc. ¿Por qué cuando se exhibe una película iraní o finlandesa en BAFICI agotan todo y, por el contrario, cuando los exhibidores locales se arriesgan a mostrarlas comercialmente no va nadie y deben bajarla de cartel en menos de lo que canta un gallo? Por otro lado, desde la cosmovisión de la distribución, que es la que nos compete, subyace la siguiente reflexión: qué pasaría si la cosa no estuviese tan apuntada al negocio golondrina del snobismo, si quedasen seleccionadas en las secciones vidriera (alguna de las dos competencias main o, mismo, en Cine del Futuro) más películas que representen, primero, continuar con una identidad cinematográfica nacional y, segundo, que sean integrativas con todos los márgenes a riesgo menor de no cultivar algo que falleció (nada más muerto que el Nuevo Cine Argentino y las cadencias naturalistas). De movida: descreer de las modas –palo para el ghostwriter que reseñó el largometraje de Mitre en el catálogo- para construir una herencia. Eso ya sería un avance. Hay que pensar que la verdadera independencia también puede ser negocio. Las historias que cuentan Historias. Un negocio ni circunstancial ni destructivo. Por más El Estudiante.

TRES
Parece que es rentable el director Iván Fund en festivales. El pasado año, para esta misma época, estaba ganando la Selección Oficial del BAFICI y Un Certain Regard en el Festival de Cannes con Los Labios. Ahora, en la edición 2011 de BAFICI, se hizo acreedor del premio CPH:DOX-CPH:LAB otorgado por Buenos Aires LAB a su Me perdí hace una semana y obtuvo “Mejor Fotografía” por Hoy no tuve miedo. Además, en el año 2009, participó de la Competencia Internacional con La Risa. Ninguna de ellas tuvo estreno comercial. Imagino, tal como viene la mano, posando visión sobre el “producto cinematográfico” y de donde viene, que misma suerte correrá El Camino del Animal, efectiva ignorada por el público, la crítica y la opinión pública, sospechosa ganadora de la Competencia Nacional, dirigida por Nicolás Grosso. Por ello, ya va siendo hora, entonces, de darles esta clase de oportunidades a otro tipo de realizadores. El negocio para el Cine Argentino no debería ser sólo para unos pocos. Como dijo el mítico proyectorista Julio Barragán en las páginas de la revista Haciendo Cine: “Todos lloran porque hay que apoyar al cine nacional y el 90% es malo, sino las salas tendrían que estar completas y están vacías”. Para pensar.

CUATRO
Pulgares arriba para el Industry Office. Inexpugnable cuestión. El BAFICI ha encontrado ser la vuelta efectiva a, por ejemplo, las ventanas de negocios del tipo Ventana Sur o, mismo, su doppelgänger francés, el Marché du Film, con un simple mecanismo de invitación a programadores de festivales internacionales, compradores, productores, fundaciones e instituciones filantrópicas + una efectiva utilización del correo interno + unos silloncitos para charlar. No hizo falta más, no hace falta más (bueno, siempre sobran tantos cocktails pomposos). Con un “manual de la industria” conteniendo el quién es quién del métier, el festival fomentó un intercambio armonioso de material entre todas las personalidades concurrentes. Así, películas como Yatasto o Amateur o Norberto Apenas Tarde o La peli de Batato podrán, potencialmente, viajar por el mundo representando a nuestro país y, mismo, a Sudamérica. Por nuestra parte, ya tuvimos confirmadas varias pre-selecciones a consecuencia del BAFICI, de hecho. Gol. Pulgares arriba aquí, dije.

CINCO
En 2010, en el texto introductivo a la sección “Cine Bruto” del Festival Cine_B/3 de Santiago, el realizador José Celestino Campusano lanzó al aire una merecida sentencia: “La definición de cine independiente, a mi parecer, brilla por su falta de transparencia. ¿Independiente de qué?, ¿del capital ajeno? ¿Estéticamente independiente y hasta qué punto? ¿Independiente del apoyo estatal?, ¿de los canales de distribución?”. La respuesta demora lo suyo antes de caer pero, por fin, estamos entendiendo algunas cuestiones: BAFICI es, a su modo, sinónimo nato de industria.

Presentación de la "Sección VideoFlims" para el catálogo del MARFICI 2011

MEDIO: Site del MARFICI 2011
FECHA: Mayo 2011
http://www.marfici.com/sm016.php

Un lugar en el mundo

Definir la independencia es, para cada época, una nueva problemática, un inédito desafío. Hoy, por caso, resulta imponderable vincularlo con la persistencia de sus intérpretes. Asimismo, cuando la cultura mainstream agota posibilidades, emergen de la propia coyuntura un conjunto de películas que pasan lustre a determinado cine vetusto y vienen a, por suerte, darle una fuerte actualización a la escena cinematográfica latinoamericana, haciéndolo desde una forma que no deja de llamar la atención: después de tiempos abúlicos, vuelven las Historias (así, con mayúsculas).
Bajo esta forma, VideoFlims Distribución recoge esa bandera y la convierten en un provocador manifiesto, en una rotunda forma de vida. Esto viene a cuento ya que la distribuidora, en esta oportunidad presentando una sección exclusiva para el festival, ha sido creada con el fin de ofrecer algo distinto en la estandarizada palestra del mercado cinematográfico actual, brindando la posibilidad de hacer accesibles las películas independientes que, antes, eran casi imposibles de ver y mucho menos de conseguirlas en buenas ediciones en DVD ni de ser exhibidas en theatricals.
Realizadores como Pablo Parés, Laura Casabé, Adrián y Ramiro García Bogliano, Néstor Frenkel, Andrés Borghi, Tetsuo Lumiére, Sebastián de Caro, entre otros, varios incluidos en la curaduría que ofrecemos para este trascendente espacio vitrina, son los jóvenes estandartes de la renovación cinematográfica argentina que están tomando la posta, actualizando el pensamiento vernáculo, ganando festivales internacionales y siendo legitimados por la prensa mundial. Por ello, cual consecuencia lógica de esta vanguardista movida, y en sintonía con eventos de la misma naturaleza, tal y como es de inspirador y piedra fundamental el MARFICI, aparece VideoFlims Distribución, casi como unos gestores culturales todoterreno, siendo el potente e imponderable símbolo que aúna a todos por igual.
Como distribuidores de filmes independientes, y ya con dos años de experiencia, que son pocos pero parecen miles transitados, somos concientes de esta renovación generacional en el cine nacional y latino; por eso, porque nuestra misión es la de alcanzar la integración de todos los márgenes ideológicos, los públicos federales y los satélites estéticos, queremos invitarlos a ustedes, espectadores marplatenses y aledaños, a que también sean parte de esta nueva era del cine latinoamericano y que, para comenzar con tamaña travesía, disfruten de esta sección transversal. De esta manera, el MARFICI y VideoFlims, VideoFlims y el MARFICI, se funden indisolublemente en uno desde el 07 al 14 de Mayo del 2011 y, lo que es más, esperemos, sea una experiencia ad eternum.
Para la “real independencia latinoamericana”, esa que descree de modas y pregona la autogestión económica, el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata MARFICI se convierte heroicamente en uno de los grandes bastiones en defensa de esta compleja entelequia llamada “cine independiente” y posiblemente sean éstos, el MARFICI y el cine independiente por igual, la “Sección VideoFlims” da fe sobre ello, uno de nuestros lugares en el mundo.

Pablo Marini, Hernán Panessi y Esteban Rojas
VideoFlims Distribución
Buenos Aires, Argentina