Review del guión de Bastardos Sin Gloria

MEDIO: Revista La Cosa - Cine Fantástico
FECHA: Noviembre 2011
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Bastardos sin Gloria
AUTOR Quentin Tarantino
EDITA Editorial Sudamericana
PÁGINAS 176
PRECIO $42
STATUS en venta

Resulta que Este libro posee el guión original de la nueva obra maestra de Quentin Tarantino. Contiene, además, anotaciones personales sobre actitudes y movimientos de cámara dignas de un condenado anormal.

¿Qué onda? El film de los judíos descabelladores de nazis, en formato libro, resulta una experiencia intima y, a la vez, electrizante para cualquier amante del séptimo arte, como así también para cualquier lector acostumbrado al lenguaje cinematográfico. Prologado por el escritor David L. Robbins, amigo personal del realizador, el borrador de Bastardos sin Gloria regala a un Tarantino hablándole directamente a quien se le ponga delante: tu voz interior, chocha. Leer el guión de una película celebrada como ésta es, sin dudas, teatro para la mente.

¿Qué aprendí con este libro? Hay detalles visuales que sólo la imaginación contiene.

- Hernán Panessi

LEELO SI TE GUSTÓ... Ver la película en el cine.

La-Cosa-Matic: Be cool, Rolo. Operación Tragón. Explota explótame expló.

Nota: La Profecía del 11-11-11

MEDIO: Revista La Cosa - Cine Fantástico
FECHA: Noviembre 2011
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Tapa

Ahora que no paran de llegarnos teorías “new age” sobre el fin de los tiempos, aparecen, de forma lógica, sus correspondientes anclajes cinematográficos. Entonces, porque preferimos quedarnos acá a irnos de gira con los Mayas y Nostradamus, le pedimos a Hernán Panessi que nos cuente más acerca de las presunciones conspirativas que tanto nos gustan y relajar, con ello, un poco la cuestión.

El mundo del cine de terror ha sabido transitar sensaciones de pavor, incomodidad, miedo y repugnancia. Es bien sabido que el terror clásico se basaba en grandes personajes para causar horror, cuyo punto alto sucedería en los 50s y 60s. Luego, durante la Guerra Fría, aparecerían los zombies y su andar cansino pero terrorífico. En los 70s, emergerían con fuerza las historias de posesos y en los 80s explotaría el tópico de asesinos seriales. En los 90s, los adolescentes seguirían cobrando de lo lindo y en el 2000 no pararían de aparecer reimaginaciones y remakes. Por eso, en una actualidad regida, en su mayoría, por las franquicias, nunca viene mal una novedad: llega una película de profecías, tierra fecunda del 2010 hacia esta parte.
Así, una casa, en la costa de la ciudad de Barcelona, será el escenario de La Profecía del 11-11-11 (11-11-11, 2011), thriller de terror psicológico que incluye un devenir tanto místico como misterioso. Dirigida y guionada por Darren Lynn Bousman, responsable de la II, III y IV entrega de la saga de El Juego del Miedo, quien ha dicho, a propósito de la película, que: “Me gustan las historias que suceden en lugares cerrados, como una casa”. Asimismo, según cuenta el film, se abrirá allí una “Puerta 11 del Cielo”, un portal que traerá al mundo algo sobrenatural, por lo que los ángeles –o también guías espirituales, ¿por qué no?- se convertirán en guardianes celestiales advirtiendo a la población sobre una pronta calamidad.
Tal película trata sobre una oscura teoría aplicada a la numerología que otorga importancia a la cifra “11” y su relación con las grandes catástrofes de la humanidad (recuerden: el 11-M en España, 11-E en Haití, 11-M en Japón y, claro, el 11-S en los Estados Unidos). La religión y el concepto de la fe serán algunos de los ingredientes que abordará esta producción, que tiene previsto estrenarse -sí, a que seguro adivinan...- el 11 de noviembre del 2011, con el fin de darle una vuelta de tuerca al marketing y, de paso, proponer un mayor sustento en la veracidad que incita su argumento. A ver si la iglesia católica se para de manos esta vez y les termina dando publicidad gratuita, como ya ha hecho en tantas otras oportunidades. Habrá que esperar a ver cuáles son sus reacciones para el caso.
Cerca de El Bebé de Rosemary (Rosemary’s Baby, 1968), o al menos eso ha manifestado el propio director, La Profecía del 11-11-11 fue filmada en locaciones de Nueva York y, sobre todo, de Barcelona, siendo producida por Wayne Rice, conocido por Hey, ¿Dónde está mi auto? (Dude, where’s my car?, 2000), y cuyo reparto –no muy estelar, por cierto- incluye a Timothy Gibbs, Wendy Glenn, Michael Landes, Brendan Price, Salomé Jiménez, entre otros.
En la ficción, después de la trágica muerte de su esposa e hijo, el famoso escritor Joseph Crone (Timothy Gibbs) viaja desde los Estados Unidos hacia Barcelona para reunirse con su hermano y su moribundo padre. Sin embargo, el destino le tiene preparado un plan bastante diferente. Lejos de su país, desconociendo la lengua y con el único apoyo de su compañera Sadie (Wendy Glenn), su vida se convertirá en una caravana de sucesos extraños, a raíz de unos constantes avistamientos del “número 11”. La curiosidad pronto se convertirá en obsesión, y Joseph comprenderá que este número tiene un significado terrible. Así, el 11-11-11, más que una simple fecha, será una temible advertencia sobre el paso de “algo” de otro mundo hacia el nuestro.

Imperceptible: La versión de Asylum
La productora “copy&paste” ya se mandó su exploitaition. Cocodrilo que duerme...

Todos conocemos cuál es la misión de la productora The Asylum: inundar el mercado con películas generadas a propósito de la expectación de un gran estreno. Tales filmes son lanzados con antelación a los blockbusters en pos de captar incautos en busca de grandes superproducciones. Por eso, porque para colgarse de las tetas de otros son mandados a hacer, rodaron su versión del 11-11-11 llamada, ¡ejém!, 11/11/11. El argumento cuenta cómo un matrimonio comienza a preocuparse por el violento comportamiento de su hijo. Sus investigaciones darán con un secreto: ¡su hijo es la clave para desatar el Apocalipsis previsto para el día de su cumpleaños, el 11/11/11! Gracias por la magia, maestros.

Todo tiene una explicación: La teoría del 11:11
Internet es un lugar sensible y propicio para las conspiraciones.

“Muchas de las ideas de la teoría del 11:11 eran de la Edad Moderna o de la Biblia, de los discursos de los ángeles. Déjenlo a Darren (N. de Redacción: Lynn Bousman, director de la película) para ver el lado oscuro de esa fecha. [...] Es el sueño de un vendedor”, ha dicho Wayne Rice sobre la Teoría del 11:11. Tal conjetura versa, llevada adelante por los mismos voceros del 2012, sobre un cálculo aritmético que está siendo difundido con fuerza por Internet donde, se supone, dará con el fin del mundo. Mucho más allá de ser un día capicúa –11-11-11-, esta teoría conspirativa propuesta fundamentalmente por el predicador radial norteamericano Harold Camping –quien ya le pifió la vez pasada con “el primer Día del Juicio Final del 21 de mayo”- trataría de argumentar desde la Numerología sus efectos catastróficos. Ahí, se baraja la idea de un cálculo matemático con resultados fatales a raíz de la descomposición del “número 11”. ¿Fantasía o realidad? ¿Delirio religioso o profecía divina? ¿Ustedes qué opinan al respecto?

Los números y la cultura pop
Aquellos números que vuelven loquitos a más de uno en el ámbar de la cultura pop.

01. El Teorema de Fermat y la 3ra dimensión en el capítulo La Casita del Horror VI (1995) de Los Simpsons.
02. El infinito, la 4ta dimensión y las matemáticas para rescatar un subte extraviado en Moebius (1996).
03: Las predicciones exactas, el ordenador Euclides y el verdadero nombre de Dios en Pi (Pi: Faith in Caos, 1998).
04. La importancia del “7”, su relación con el misticismo y su explotación hasta el hartazgo en la saga de Harry Potter.
05. Los métodos numéricos para resolver problemas en Una mente brillante (A Beautiful Mind, 2001).
06. El número 60659, el universo paralelo y el hipercubo de Cubo 2: Hipercubo (Cube 2: Hypercube, 2002).
07. La “conjetura de Goldbach”, los acertijos y el orden alfabético en La Habitación de Fermat (2007).
08. La alucinación de Sparrow por el “23” y su vínculo con los incidentes en Número 23 (The Number 23, 2007).
09. La Ecuación de Valenzetti, 4 8 15 16 23 42, y la destrucción total de la especie humana en Lost.
10. La obsesión de la banda Ásspera por presentarse en días simétricos: 8-8-2008, 9-9-2009 y 10-10-2010.

Reseña Rampage

MEDIO: Revista 2000 Maníacos (España)
FECHA: Noviembre 2011
Reseña Rampage

Rampage (Korkusuz)
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DIR: Çetin Inanç.
INT: Serdar Kepapçilar, Osman Betin, Sami Hazinses, Yilmaz Kurt.
Color. Turquía. 1986.

A esta altura del partido, es de dominio popular que Turquía, antes del levantamiento masivo de sus políticas prohibitivas y como consecuencia del difícil acceso al material cinematográfico, ha hecho una industria en base a émulos de tanques norteamericanos. Y el del “Rambo turco”, por caso, es un ejemplo rutilante. Dirigida por el mismo de Dunilla Kurtaran Adam (a.k.a. Star Wars Turkish), Çetin Inanç, llega este exploitaition de Stallone –hay otro llamado Vahsi Kan, siendo considerablemente más viejo y canoso que Sylvester- en su época más prolífica: los ochentas, la de Rambo: First Blood sobre todo. En este filme, muy parecido a Commando, por cierto, el héroe no para de disparar jamás y, cual videojuego, encuentra municiones desperdigadas por todos lados –de una pistola vaya y pase, pero... ¿de un rocket launcher?-. A propósito de balas y lanzamisiles, resultan maravillosamente berretas todas sus intromisiones... aunque, nobleza obliga aclarar, los estallidos ocasionados no están del todo mal. Eso sí: siempre las muertes serán tanto exageradas como coreográficas. Momento mítico en el que usan como locación de escape un inmenso matorral de marihuana. Trash cinema otomano que pega, como los héroes de acción, como Stallone o Seagal o Schwarzenegger o Van Damme o Serdar, fuerte, bien fuerte.

Hernán Panessi

Reseña Tebaatusasula

MEDIO: Revista 2000 Maníacos (España)
FECHA: Noviembre 2011
Reseña Tebaatusasula

Tebaatusasula
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DIR: Kizito Africa
Color. Uganda. 2010.

El sistema de producción de cine de acción ugandés tiene quien sacuda bien fuerte sus banderas y estandartes. Sí, otra vez la Ramón Film Production, los mismos de Who Killed Captain Alex?, esa compañía de 30 miembros no profesionales que se dividen los papeles según la ocasión, vuelven a mandarse de las suyas bajo esa tríada tan deseada de: acción serie B, avances estridentes –no dejen de mirarlos en YouTube- y efectos especiales que son la gloria –las patadas suenan “push!” y los bombazos lucen como la mismísima mierda-. Filmada en escenarios naturales de Uganda, nótese la voladura de maderas y lo radiante del febo, Tebaatusasula continúa con su explotación a-lo-gonzo de selvas, tiros, muertos y simpáticas coreografías de lucha –de hecho, muchos de los mano-a-mano lucen mejor que la mayoría de los incluidos en high budget gringos-. Acá, sostenida en su propia y particular estética, se muestran escenas que lucen reales –okay, no los FX pero sí los escenarios y problemáticas- donde el bajo presupuesto termina siendo bondad más que impedimento. Gracias a esta gran película, por ejemplo, los cinéfagos de habla hispana pudimos aprender algo muy valioso: en Uganda, los autos pueden sangrar. Conmovedor.

Hernán Panessi

Reseña Who Killed Captain Alex?

MEDIO: Revista 2000 Maníacos (España)
FECHA: Noviembre 2011
Reseña Who Killed Captain Alex?

Who Killed Captain Alex?
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DIR: Kizito Africa.
INT: Kabule Wilson, Sserunya Ernest, G. Puffs, Kavubu Muhammed.
Color. Uganda. 2010.

Para el renacer del cine de súper acción, en épocas donde se volvió a ponderar las maravillas testiculares –caso The Expendables o, mismo, el de Chuck Norris con el spot de Mike Huckabee- y desde el aleph binario –Internet, claro- llega un trailer cuando menos cautivante. Algo así como un meme que luce de “una película”. Pero claro: no como de cualquier película. Allí, una voz similar a la de Fred Figglehorn –ese youtubber con pinta de puto que hace voces chillonas a fuerza de su PC- presenta a unos morochones de armas tomar, patadas karateka de dudosa coordinación más unos efectos especiales dignos de Germán Magariños –recomiendo su factoría: Gorevision Films-. La película en cuestión, Who Killed Captain Alex, resulta el primer film de acción nativo de Uganda donde para realizarla, dicen, le han pedido armamentos, tanques de guerra y helicópteros a la milicia de su país... recibiendo una rotunda negativa, por supuesto. Y de ahí que no quede más remedio que generar la post-producción por computadora. ¡Gloriosas y benditas explosiones en computadora! Toda intervención del CGI no tiene desperdicio. Who Killed Captain Alex flamea tambaleante, entonces, entre la inmunda porquería del uganda exploitaition –donde luego vendrían Tebaatusasula, What the Women Want 2, Valentine Satanic Day, etc- y la más buena de las negras culonas que, aquí, dirán presente a riesgo de ser cagadas por un cuetazo.

Hernán Panessi

Cita de la reseña de Chappaqua para Revista THC en el blog Cabeza de Humo

MEDIO: Cabeza de Humo
FECHA: Noviembre 2011
Cita de la reseña de Chappaqua

Historia del cine: The Cool and the Crazy

MEDIO: Revista THC
FECHA: Noviembre 2011
The Cool and the Crazy

The Cool and the Crazy
Estados Unidos, 1958 / 78 min.
Dirigida por WILLIAM WITNEY

En los paranoicos años ’50, cuando Marlon Brando era sinónimo de libertad y rebeldía, y los bloques capitalistas/comunistas se debatían el dominio del mundo, el actor Scott Marlowe reencarnaría cual poseso la figura de Brando en gracia de personificar a Bennie Saul, un joven vendedor de marihuana entre los revoltosos malandrines de una áspera Kansas City. En The Cool and the Crazy, un clásico del propagandístico reefer madness donde una manzana podrida –el nuevo chico malo de la ciudad- contamina de virulenta influencia al resto del cajón –los escolares coetáneos-, se destacaría un objetivo central muy común por esos tiempos: asustar al mocerío en pos de evitar que se rodeen de la “gente equivocada”. Así, se desarrollaría con fuerza aquella propuesta iniciática de la década del ‘30, tremendamente constante en este tipo de filmografía: la marihuana es asesina, es la puerta de entrada para otros estupefacientes y con una pitada te deja enganchado de por vida. Pese a ello, si uno puede obviar estas referencias tan cursis como exageradas, entenderá que detrás de la proposición cheese de delincuencia juvenil hay un sólido guión y un buen reparto.
La película sigue siendo, aún hoy, una noble cápsula de la época, ya que allí se reflejan los ideales de los jóvenes en juerga, los peinados, la influencia de ídolos contemporáneos como James Dean y Dick Jones, los hotrods, el consumo de cigarrillos, entre otras referencias de esos tiempos, sirviendo como un preludio para la rebelión juvenil de los tormentosos y posteriores años ’60. / Por Hernán Panessi

Nota: "La historia ante todo"

MEDIO: Revista Games Tribune (España), número de Noviembre 2011
FECHA: Octubre 2011
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La historia ante todo

La tercer videoconsola de mesa de Nintendo y el primer gran juego de fútbol de PlayStation en manos de nuestro escriba sudamericano. El paso del tiempo. Los gustos. Aquello que está anclado en la memoria. La nostalgia. El ayer. El hoy.

EL MEJOR JUEGO DEL MUNDO
Alguien de mi trabajo me preguntaba sorprendido: “¿Cómo puede ser, Hernán, que a esta altura del partido te compres una Nintendo 64?”. Y la verdad es que no lo puedo explicar ni racionalizar. Sí, casi a comienzos del apocalíptico 2012 me compré una consola del año 1996. Y bien que lo disfruto. Un domingo ocioso me levanté temprano con la idea –constante, por cierto- de revisar Mercado Libre –el Amazon latino- en busca de cacharros tecnológicos –oropeles, en mi caso- como VHS, discos de vinilo y consolas históricas. Venía de comprarme un clon norteamericano de la Nintendo 8 bits, ¡a $20 pesos, unos 5 dólares!, y estaba cebado por la adquisición. Ahí la vi: “Nintendo 64, nueva, con caja, manuales, un joystick y dos juegos: $300 pesos”. Ay, no saben cuánto anhelaba una oportunidad así –no sólo porque costaba “pocos morlacos”, sino por la posibilidad de encontrar una consola vintage enterísima-. Inmediatamente la compré. A la tarde ya la tenía en casa. Ninguno de los dos juegos que me tocaron me convencían demasiado: el NBA Courtside 2 featuring Kobe Bryant y el Mischief Makers (un juego de plataformas en la lógica del Yoshi’s Story y, según tengo entendido, uno de los juegos underrated de la N64). No tardé nada en adquirir un joystick más –una consola de videojuegos no es tal sin dos joysticks; mi mujer, agradecida- y otro juego: Wayne Gretzky 3D Hockey (¿quién me manda a comprar un juego de hockey sobre hielo?, cuando lo único de hockey que vi en mi vida, fuera de broma, es Happy Gilmore con Adam Sandler; la escena del clásico de culto Clerks, de Kevin Smith, donde sus personajes juegan un partido en una terraza y el capítulo de Los Simpsons “Lice on Ice”, donde Lisa y Bart se pelean por ser el mejor jugador de tal deporte). Lo cierto es que tengo la Nintendo 64 y soy feliz. Ahora sí, cuando me caiga la pasta, menudo desafío, me propuse conseguir joyas como el Diddy Kong Racing, Star Fox 64, Super Mario 64, Killer Instinct Gold, GoldenEye 007 y el que es, según muchos, el mejor juego de la historia y nunca pude probar: The Legend of Zelda: Ocarina of Time. Ahora, por fin, podré comprobarlo. Para eso me la compré.

TE QUIERO, SOS PERFECTO, NO CAMBIES JAMÁS
Cada año, por estas épocas, emerge una dicotomía, una rivalidad tan religiosa como el fútbol. Es que estamos hablando de su extensión (no) natural: el fútbol en ceros y unos, el fútbol en videojuegos. En materia de liderazgos, bien sabemos que, aquí, hay dos y sólo dos que lo comparten: el Pro Evolution Soccer, por un lado; y el FIFA, por el otro. Jugabilidad vs. Fidelidad. Diversión grupal vs. Onanismo solitario. Esquematismo histórico vs. Dinamismo avasallante. Al escribir esta nota vengo de probar un buen rato el flamante y siempre renovado FIFA, el 2012, para PlayStation 3. Sí, es prolijo, contiene una buena cantidad de teams (que no esté Independiente y sí Racing Club es no sólo una ofensa sino un despropósito a la moral futbolera), impecable perfección en los rostros, con el upgrade de las fotos en las fichas técnicas de cada jugador, varios modos de juego, notable modo online, etc. Pero a mi me va otra cosa, a mi me va el PES. Desde el Winning Eleven de PlayStation que me va el PES. El nivel de perfección que podría tornarse bien rústico en comparación con las mutaciones constantes de FIFA, se vuelve más bondad que impedimento. Por eso, y por muchas cosas más, no veo la hora de conseguir el PES 2012 y jugarme unas buenas partidas de Master League –permiso para la digresión de digresión: en esta edición se retiran Castolo, Minanda, Ximelez, Espimas, Ivarov, Valeny, Iouga, Zamenhof, Ceciu y Huylens, pasando a ser, de ahora en más, entrenadores- y soñar, también, con lo que el FIFA no pudo ni quiso darme: que el equipo de mis amores, el Club Atlético Independiente, esté incluido en el modo Copa Libertadores. Gracias, Konami. Siempre agradecido.

Hernán Panessi
Corresponsal GTM
Sudamérica (BBAA)
@HernanPanessi

Review de Troma is Spanish for Troma

MEDIO: Catálogo del Buenos Aires Rojo Sangre XII
FECHA: Octubre 2011
Troma is Spanish for Troma

Troma is Spanish for Troma

Si hay algo que tiene “la Troma”, es un carácter genuino: colorido, sexual, alucinante y un tanto desprolijo, pero siempre portando la inteligencia social justa como para lograr la empatía con el espectador. Es por eso que sus películas, alma máter de personajes icónicos como Toxie, Sgt. Kabukiman o, mismo, Lloyd Kaufman, el creador, tan querido y parodiable como sus “héroes”, se han expandido por el mundo entero. A costa de esa atribución, se presenta el documental Troma is Spanish for Troma, que explica la influencia de la compañía en el Serie B español, a raíz de su activa filmografía. El devenir del underground global le debe muchísimo a Troma; y España, mediante esta obra y gracias a Marc Gras, además de autor, distribuidor de Troma en la Madre Patria, le otorga su importancia y reflexiona, a través del testimonio de varios protagonistas, el porqué de su pregnancia en el imaginario más gamberro.

Retrospectiva Javier Diment

MEDIO: Catálogo del Buenos Aires Rojo Sangre XII
FECHA: Octubre 2011
Javier Diment

Retrospectiva Javier Diment
Cine, Sangre & Sexo
Por Hernán Panessi

El horror se disfraza de erotismo enfermizo, la sangre se transforma en néctar sensual, los pensamientos perversos se convierten en tiernas canciones de cuna o, de pronto, tal vez, sea que Valetín Javier Diment, director, intérprete, guionista y montajista argentino, haya encontrado el postulado perfecto para volcar todo lo que el espectador avezado necesita para su fruición: sí, fundamentalmente sangre y sexo, combustible y motor de las pasiones. Así lo vimos en Beinase, aquella polémica miniserie proyectada durante el año 2006 en un canal de la ciudad, devenida en largometraje, donde se destaca una síntesis truculenta sobre aquel tipo que dice “venir de otra dimensión” y que mata, secuestra y tortura. Sus sentidos estarán intervenidos y los asesinatos podrían tener un porqué. El tema, aquí, es descubrir realmente cuál es su misión. Beinase juega con la oscuridad de la mente y se regodea en personajes tan excéntricos como excesivos. Porque esa, en realidad, es su mayor verdad.
En El Propietario, telefilm hecho para Canal 7 allá por el 2008, Diment se sumerge, aunque tangencialmente, en el tan poderoso como cuestionado mundillo del snuff, mediante una ficción que combina el thriller psicológico con el terror y el erotismo. Intenso y de fuerte impacto, el filme abre una serie de reflexiones, de lo más crudas, claro, en torno a las violaciones y su perverso vínculo con el amor.
Saltando de géneros, aunque sin perder en personalidad, Diment se abocó con Parapolicial Negro en un documental sobre la prehistoria de la triple A –Alianza Anticomunista Argentina, responsables de cientos de asesinatos contra guerrilleros y políticos de izquierda durante la década del ’70- chocándose de frente y sin concesiones con el policial negro –honor al hard-boiled y dádivas a la suciedad aquí propuestas-, cuya realidad supera a la ficción.
Lo que viene será La Memoria del Muerto, su película más grande hasta la fecha. Pero para ello, lo que falta aún es esperar a que los rituales surjan efecto ya que Jorge, el muerto del título, tardará al menos unos 49 días en volver a la vida. Por eso, mientras tanto, lo esperamos pacientes en las butacas del Rojo Sangre.
Esta retrospectiva a la filmografía de Javier Diment es una suerte de homenaje por sus años de persistencia en defensa del cine de género nacional. La revisión de sus películas servirá para marcar el pulso actual del terror nac & pop & gore. Es un cumplido.

Retrospectiva Plaga Zombie

MEDIO: Catálogo del Buenos Aires Rojo Sangre XII
FECHA: Octubre 2011
Plaga Zombie

Retrospectiva Plaga Zombie
Uno, dos, tres... ¡zombies!
Por Hernán Panessi

Tripas, colorante para tortas y miel de caña; elementos suficientes para restaurar un paradigma, significar el avance o la sustitución de un modelo hacia otro totalmente novedoso. Hijos adoptivos de George Romero, los videoclubes barriales, el fanmade y los spaghetti zombies, los FARSA Producciones han gestado casi sin proponérselo, allá por el año 1997, en sus casas y con amigos, una de las películas que cambiarían la historia del cine de género en nuestro país, resonando con fuertes ecos en el resto del mundo: Plaga Zombie: ¡La venganza alienígena ha comenzado!, el primer largometraje conocido como zombie criollo. Y, a su vez, harían perpetua escuela bajo su metodología del fatto in casa tan emulada por el amateurismo vernáculo –ejemplos mostrados en este festival, sobran y sorprenden año tras años, edición tras edición- y por el mainstream venidero –sus esquemas de producción serían adaptados por buena parte de toda una nueva cultura de realizadores cinematográficos locales-.
A sólo 4 primaveras de aquella experiencia tan germinal como innovadora, ya con un dejo de profesionalización a cuestas, en lo que sería su tercer filme luego del slasher Nunca asistas a este tipo de fiestas y posteriormente a una buena cantidad de cortometrajes, estos visionarios de Haedo crearían Plaga Zombie: Zona Mutante, una secuela de esas mejores que sus antecesoras y con ella, ahora sí, darían el salto definitivo como referentes, siempre humildes, humanos y colaborativos, del fantaterror en toda la región.
Plaga Zombie significaría, así, el resultado de aquel desparpajo cinéfilo de un grupo de entusiastas devenidos en referente de época y sinónimos ineludibles de trasgresión. Como el tiempo pasa y nos vamos poniendo tecnos, los procesos de realización han ido mutando desde aquellas (otrora) primitivas cámaras VHS hasta llegar a esta (actual) espectacularidad visual digna de cualquier Clase A. Es que los FARSA, así como también el Festival Buenos Aires Rojo Sangre, han sabido transitar un camino –siempre progresivo, siempre hacia delante- en el que, ahora, los encuentra a ambos presentando lo que será, según dicen, el final de una saga a todo trapo: Plaga Zombie: Revolución Tóxica. Esta retrospectiva, en efecto y plan tributo, les merece. Gloria y loor a los FARSA Producciones.

Ghostwriter del Premio VideoFlims

MEDIO: Catálogo del Buenos Aires Rojo Sangre XII
FECHA: Octubre 2011
Premio VF

Por primera vez, y esperamos que por muchas veces, VideoFlims Distribución entregará el “Premio VideoFlims” a la mejor película de la competencia Panorama Nacional. Este premio especial consistirá en la entrega de una estatuilla conmemorativa y la inclusión del largometraje que resultase ganador en su catálogo. El jurado que determinará el premio, según conste en su criterio, estará compuesto por: Pablo Marini, Hernán Panessi y Esteban Rojas, los 3 directores de la distribuidora.

Editorial de VideoFlims en el catálogo del BARS XII

MEDIO: Catálogo del Buenos Aires Rojo Sangre XII
FECHA: Octubre 2011
Editorial

Es tanto un honor como una responsabilidad participar y ayudar, una vez más, del que consideramos, por afecto y pertenencia, nuestro festival… el Buenos Aires Rojo Sangre. Evento sagrado desde hace 12 años para todos los amantes de cine de género del país, a través del BARS, muchos de los realizadores ahora consagrados –varios de ellos editados por VideoFlims, por cierto- han tenido su primera oportunidad de pantalla. Como consecuencia, motivados por esto, los nuevos cineastas encuentran, aquí, su lugar en el mundo. Por ello, sabemos que en el Rojo Sangre están siempre las nuevas generaciones. Y las viejas generaciones, claro. Porque eso es el BARS para nosotros: un lugar de unión, donde el cine de entretenimientos no hace distinciones de ningún tipo. Un lugar que, sólo, nos incita a pasarle bien.
Que sea, entonces, con tripas, colorante para tortas y amigos. No hace falta más.

Pablo Marini, Hernán Panessi y Esteban Rojas
VideoFlims Distribución

Ghostwriter de Chimiboga en Los 7 Magníficos

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Octubre 2011
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Salió a la venta Chimiboga, el delirante mundo animado de Ayar B., director de Mercano: El Marciano y El Sol, donde conviven absurdos personajes, entre los que sobresalen Don Luis y sus hijos, el Conejo Bugs Buni y el Ratón Disney. Aquí se recopilan los cortos del site Chimiboga.com, más alguna que otra rareza. Por estos momentos, su autor, además, se encuentra planeando un largo protagonizado por Sofia Gala y el Dr. Tangalanga. Flashero. Chimiboga se consigue acá: http://www.videoflims.com.ar

Nota sobre Netflix Latinoamérica

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Octubre 2011
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Cinefilia liquida

Acaba de llegar Netflix a la Argentina y, a raíz de ello, le pedimos a uno de nuestros escribas que lo pruebe, lo manipule y luego nos cuente su experiencia acerca del servicio que intentará presentarle batalla, entre otras cosas, al video streaming pirata y que cambiará, además, la manera en que concebimos la cinefilia. Por Hernán Panessi

UNO
Vino Netflix a la Argentina y, según parece, la cultura de consumo volverá a mutar. Es que la vida, desde el punto de vista de la biología, implica la capacidad de nacer, crecer, reproducirse y morir, y, a lo largo de sucesivas generaciones, evolucionar. Ese mismo concepto puede ser aplicado a la tecnología y, aún así, también tendría su correlato darwinista. Resulta que prácticamente junto con la noticia de tal advenimiento resuenan los ecos de una baja sensible: en los Estados Unidos, Netflix perdió un millón de abonados –de los 23 millones de suscriptores vigentes- y sus acciones cayeron 26% en dos días. A la sazón, escuché decir al periodista cordobés Miguel Peirotti una frase que sintetiza el estado actual de los video on demand universales: “Por el momento, ningún servicio de películas online ofrece un catálogo igual que el de los videoclubes grandes de los 80s”. Por lo visto, aunque les parezca absurdo a las nuevas generaciones, las nostalgias de formato todavía prestan batalla bajo alguna forma, sensación, concepto o sentimiento. Aquí y allá, acá y más allá.

DOS
Dicen algunos que Netflix fundió a Blockbuster (digital vs. analógico). Otros entusiastas comentan que, en realidad, la cosa resultó más apocalíptica y truculenta: lo asesinó (analógico vs. digital). Lo cierto es que para competir con el VOD de Telefónica y Cablevisión, ahora también, seducidos por el bajo costo de las licencias, llegó Netflix a nuestro país (lo digital copando la parada). No resulta tan curioso que, justamente, lo que acá es bondad, en Europa y Asia sea impedimento: las licencias son caras y prevén que, por ello, les costará desembarcar de dos a cuatro años. Además, a nivel mundial, muchos señalan que éste sería un golpe fuerte para la piratería. ¿Y qué significa eso? Pues que los modelos de consumo y negocios han mutado. Que hace tiempo, además, los pocos videoclubes que quedan son más lugares de culto que templos victoriosos. Y que, en teoría, la avanzada de la piratería puede ser no tan letal si lo ofrecido significa buen servicio. Es que ahora, pagando una membresía –posible, en efecto- se puede acceder a una buena cantidad de material audiovisual, elegir la configuración de video en buena, media y máxima calidad para regular el streaming según el ancho de banda, y, todo, en la comodidad del hogar. Un hogar perezoso que propone tener acceso a un todo indiviso sin moverse nunca jamás de él, salvo para ir a pagar Internet y los servicios. Aunque, claro, también podría hacerse desde esa misma silla en la que se miran Amelie, entran a la CNN, encargan por Amazon un libro de Stieg Larsson, compran tickets para el Village Cinemas, hacen online ordering en la hamburguesería Whitecastle o siguen fervientemente Desperate Housewives, como si fuera lo último que hagan, lo último que hagan...

TRES
Así, la compañía norteamericana debuta en el mercado local ofreciendo ver películas y series desde PC, Macintosh, consolas de videojuegos, dispositivos móviles o televisores con acceso a la Red, bajo un costo mensual de 39 pesos, menos de 10 dólares. La falencia, aquí, es que todavía no puede utilizarse desde iPhone, Xbox 360 ni iPad, pero Wilmot Reed Hashtings Jr., CEO de Netflix con pasado en la todopoderosa Microsoft, mencionó en la presentación local que “estas opciones estarán disponibles antes de fin de año”. Ahora sí, que Netflix se ve bien, nadie puede negarlo. Sin embargo, esa fruición todavía no podrá llevarse a cabo con plenitud ya que cuenta con un catálogo considerablemente corto –unos 500 títulos, nada de estrenos cinematográficos ni televisivos hasta después de un año de sus pasadas en cines- y con un buscador, pareciera, en fase experimental. Es que la tecnología que usa Netflix en Latinoamérica no es la misma que en los Estados Unidos. Entonces, hasta la fecha, en relación precio y calidad, los 39 pesos por mes resultan a considerar, teniendo muy en cuenta, por un lado, la calidad del video, la multiplicidad de formatos de reproducción aceptados y su buena transmisión. Por el otro, emerge la pobre selección de películas disponibles, la falta de disponibilidad del full HD y la inclusión de audios en español del 80% del catálogo, en otro de los sectores a mejorar en los próximos meses, según ha dicho el propio Reed Hashting. Por ello, hasta el momento, uno de sus mejores ganchos para captar clientes argentinos es el mes de suscripción gratuita. Ahí se ofrece, llenando un formulario relativamente sencillo, incluyendo un número de tarjeta de crédito internacional (sólo Visa o Master Card), nombre, mail y poco más, un trial de cómodo uso y baja simple. En consecuencia, si mejoraran el catálogo, cuestión que uno espera sucederá, el vuelco se entiende inevitable. Habrá que ver, eso sí, si la toma de conciencia por parte de los usuarios en cuanto a la problemática ilegalidad-legalidad se hace manifiesta. Por lo pronto, su institucionalización está latente, muy verde.

CUATRO
Como usuario del servicio, Netflix no puede dejar de hacerme recordar aquel maravilloso video de X-Press 2 con David Byrne, “Lazy”, cuyas imágenes anticipaban a la sociedad del futuro que mostrara posterior y tan perfectamente Pixar en su clásico inmediato Wall-E, cuya letra, también brillante, decía así: I'm lazy when I'm lovin', I'm lazy when I play; I'm lazy with my girlfriend a thousand times a day; I'm lazy when I'm speaking, I'm lazy when I walk; I'm lazy when I'm dancin' and I'm lazy when I talk. Lo verde, se hace verde dolar; el confort, binario y el entretenimiento, borgeano. “Fácilmente aceptamos la realidad, acaso porque intuimos que nada es real”, dijo el maestro en El Aleph y ya nada será igual. Como aquel VHS que me mira desde su anaquel cómo escribo esta nota y parece decirme: “pero flaco, acá estoy, meteme en la videocassetera”. Y un día, Internet hizo que todo y todos seamos efímeros.

Nota sobre el Buenos Aires Rojo Sangre

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Octubre 2011
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Rey del terror

Como una cruza perfecta entre un parque de diversiones sanguinolento, un happening posmoderno y un colegio secundario público sórdidamente procaz, el Buenos Aires Rojo Sangre dignifica la figura del adolescente. Aquí, una lectura omnisapiente del festival de cine de género por antonomasia. Por Hernán Panessi

HISTORIAS PARA NO DORMIR
Pocos festivales en el mundo hay tan curiosos, coloridos y personales a la vez como el Buenos Aires Rojo Sangre. Allí, cual Woodstock clase Z, se respira un particular idilio juvenil a raíz de la participación de aquella figura técnica de las ciencias sociales: la del observador participante. En este festival, dada su contextura, se incita a la contribución de jóvenes productoras –otrora espectadores o neófitos en la cuestión- a raíz de las competencias de cortometrajes. Tal formato significa un agente permisivo y democratizador para quienes tienen intenciones de pertenecer, ya que no sólo son de fácil acceso –se filman con casi cualquier cámara- sino, también, de fácil edición –se editan con casi cualquier PC hogareña-. Así, cientos de tortas con cortos desfilan año tras año por el BARS –de esta manera lo conocen sus amigos, así le dicen los que saben-, convirtiendo a quienes sean lanzados en “cineastas por un rato”; funcionando, además, como caldo de cultivo cultural (o contracultural, claro) y granero de profesionales. En consecuencia, la empatía con el espectador se resuelve en un santiamén. Es que cada año, los más teenagers se ceban para “mandar su corto al Rojo Sangre” como ese imponderable gore que se convierte en los 15 minutos warholianos: tu corto hecho con amigos se pasa en un cine –ni más ni menos que en el mítico Monumental Lavalle, el Alamo Drafthouse Cinema criollo-, con cientos de espectadores del palo, aplausos o abucheos mediante, pero siempre con un jurado pertinente que levanta, aún más, el tupé de la cuestión.

CAMPAMENTO DEL TERROR
Tras 11 años ininterrumpidos –ahora, del 27 de octubre al 2 de noviembre va por su 12da edición-, nunca cambió la política del bajo presupuesto y la autogestión casi absoluta desde todos sus frentes de acción –para determinar su estructura, obtiene un pequeño apoyo del INCAA pero el resto sale del propio bolsillo de los responsables de la organización y sus producciones son efectuadas, en su mayoría, con el dinero de los realizadores implicados-. De tal forma, su lugar en el mundo pasa por respetar lo que es un factor diferencial: la prioridad humanística por sobre los nombres propios. Hablar del Buenos Aires Rojo Sangre es meterse, inevitablemente, con una estructura de cinefilia, en general, alejada de la figura taylorista de la industria. No hay ni hubo nunca, allí, una figura del cine despachado en proporciones mecanicistas. De hecho, sus dos figuras más representativas, su director y su programador, los respetables Gabriel Schipani y Pablo Sapere, no se han dedicado jamás al cine industrial, y, sin embargo, fieles a sus principios, han sabido crear un monstruo, sí, de dimensiones inimaginables.

EL DÍA DE LOS MUERTOS VIVOS
Siguiendo con la lógica de curaduría adolescente, hay varias actividades transversales a las secciones competitivas –este año participará la esperadísima Plaga Zombie 3: Revolución Tóxica, entre muchas otras películas- que hacen las delicias barbilampiñas: la Zombie Walk y la Monster Walk. La primera, que responde a un fenómeno realizado a nivel mundial, reúne a cientos de jóvenes lookeados como muertos caminantes haciendo una suerte de marcha, acaparando la atención de los transeúntes del Centro Porteño y, por supuesto, la de los medios masivos de comunicación. La segunda, además, acepta “todo tipo de engendros” –de esta forma se promociona-, otorgando diversos premios afines (desde mejor disfraz hasta mejor scream queen). La recomendación, en ambos casos, es buscar videos en YouTube para el deleite y sorpresa de la vista.

NOCHE DE BRUJAS
Sumando puntos en truculencia, el Buenos Aires Rojo Sangre coincide, por su parte, con la festividad del Halloween, la noche del 31 de Octubre, así que se imaginarán lo que allí pueden encontrar. De esta forma, por prepotencia de trabajo, autenticidad, constancia y tozudez se ha convertido en la referencia ineludible para el cine de género no sólo en la Argentina, sino en todo el Cono Sur. La obviedad del compruébenlo usted mismo se institucionaliza en la prerrogativa del hágalo usted mismo. Salvo tripas vacunas y colorante para tortas, nada tiene desperdicio.

Nota: Extraños en la noche, entrevista a Diego Torres

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Octubre 2011
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Extraños, nunca más

A poco más de un año de su último disco, al que le seguiría el single futbolero “Creo en América”, sin perder el tiempo, Diego Torres prepara el lanzamiento de uno nuevo y, asimismo, retorna al cine, convirtiéndose, de esta manera, en un artista definitivamente polifacético. Así, el querido cantante regresa con Extraños en la Noche, film de Alejandro Montiel, a un lugar privilegiado: el séptimo arte. Por Hernán Panessi

Tal vez muchos no lo recuerden, pero el debut de Diego Torres en cines se da, oficialmente, con la última película del gran Enrique Carreras en la Argentina, allá por el año 1988, con El Profesor Punk, donde Torres era uno de los alumnos comandados por aquel entrañable profesor de música que era Jorge Porcel. Seis años después volvería a la pantalla grande en un film onírico de Héctor Olivera, Una sombra ya pronto serás, de 1994, encarnando a un mudo en búsqueda de Ohio. Después llegaría, ahora sí, la exposición total y absoluta con la música, atravesada, incluso, por la película más vista del año 1997, La Furia, donde 1.300.000 espectadores hicieron largas colas para escucharlo sufrir al son de “¡Guardias, guardias!”, siendo dirigido, allí, por el gran Juan Bautista Stagnaro. Años más tarde vendría La Venganza, de 1999, otra vez, como en La Furia, compartiendo elenco con Laura Novoa, representando el papel de Pablo Nazareno, aunque siendo aquí dirigido por otro especialista en policiales: Juan Carlos Desanzo, en el que debía afrontar una red de corrupción e ilícitos. Por último, en el 2003, aparecería El Juego de Arcibel, junto con Darío Grandinetti bajo dirección de Alberto Lecchi, que según él mismo definió como “una película chiquita, más de autor”. Después de eso, dedicación plena a su faceta musical. Premios de aquí y allá, discos de platino, un MTV unplugged con invitados internacionales –desde Julieta Venegas hasta el the beat box Mr. Miguelius–, una interpretación en el mítico Madison Square Garden e, incluso, se dio el particular lujo de cantar “Color Esperanza” ante el Papa Juan Pablo II, saliendo en vivo para más de 1 millón de personas. Pero, aún así, seguía faltando algo. Hasta que apareció Alejandro Montiel, responsable de Chapadmalal, Ocho Semanas, junto con Diego Schipani, y Las Hermanas L, junto con Santiago Giralt, Diego Schipani y Eva Bar, y el guión de Extraños en la Noche. “Ale me trae un proyecto de guión. Lo leo y le digo: me encanta, me fascina la historia, lo propuesto, aquello dentro de lo que es una comedia romántica con esas cositas poco convencionales, como algunos toques de suspenso”, sentenció Diego Torres con respecto a la cuestión germinal de este nuevo proyecto. Y, a partir de ahí, claro que sí, ocurre lo que será su vuelta por la puerta grande al mundo del cine.
“El regreso a la actuación era algo que estaba esperando con muchísimas ganas”, aseguró en pleno rodaje de Extraños en la Noche. “No quise filmar algunas cosas que no me sentía convencido. Cuando apareció esta propuesta de Ale, quien me llamó diciendo ‘escribí este personaje pensando en vos’, le agradecí profundamente. Ahí me empecé a involucrar en el proyecto que ya tenía vida pero que estaba naciendo, estaba creciendo. Esto no me llega a mí hace dos meses, sino hace un año y medio o dos”, mencionó en un parate de filmación de la primera escena de la película, correspondiente a la quinta semana del rodaje. “No me lo cuestioné demasiado”, agregó. Sobre la mencionada vuelta a la actuación, Torres no dejó lugar para las dudas ya que, según desliza, le sienta muy cómoda: “No me cuestiono jamás mi oficio de actor, sí me cuestiono lo que voy a filmar. Si hay algo que tengo es mi oficio de actor, porque... lo siento tan claro en mí como el músico. De hecho, en mis conciertos, saco a pasear al actor. Uso mis dotes actorales arriba del escenario para conectarme con la gente, y eso ha sido algo importante en mi carrera”.
Extraños en la Noche será una comedia romántica de suspenso y acción, dirigida por Alejandro Montiel, y protagonizada por Julieta Zylberberg y el propio Diego Torres. Además, serán de la partida Fabián Vena, Ludovico Di Santo, Betiana Blum y Daniel Rabinovich. Allí, Martín (Torres) y Sol (Zylberberg) serán una pareja de jóvenes artistas en busca de sus destinos. Él será un músico académico que espera vivir de sus composiciones clásicas, mientras que Sol querrá triunfar como vocalista y líder de una banda indie rock. “El personaje, si bien habla de algo que tiene que ver con la música, lo hace desde otra vereda. Martín es un músico pianista, le gusta la música clásica y todo ese rollo, con todos los prejuicios, miedos e inseguridades que encierra este personaje. Entonces, eso es lo que me resultó atractivo porque conozco ese mundo, del también soy parte. A lo mejor desde la otra vereda, que es la que él reniega. Para colmo, convive con un mundo muy distinto: el de ella”, dice Diego refiriéndose, entre otras cosas, a su pareja en la ficción. Por su parte, Julieta Zylberberg, acerca de su interpretación de Sol y su relación con Martín, señale que: “Ambos hacen eventos para ganar plata, para ganarse la vida. Pese a no ser ni hacer lo que les gusta, todo va relativamente bien, hasta que mi personaje se enrosca con algo que sucede con un vecino de arriba de su departamento y se le da por jugar a la detective”.
“A Julieta le empecé a echar el ojo desde que era una criatura, desde que la veía con Mex Urtizberea en Magazine For Fai. Siempre dije ‘qué divertida’, me encantaba lo que hacía. Después la fui viendo crecer y siendo un poco testigo de sus trabajos, tanto en televisión como en cine. Siempre me encantó. Me parece, de las actrices jóvenes, de las 4 o 5 que más me gustan. El registro que tiene, que puede hacer una película de una manera y pasar naturalmente de una comedia a un drama. Me pareció, incluso, un gran desafío para mí poder trabajar con ella. Es que trabajar con buenas actrices, tocar con buenos músicos, jugar con buenos jugadores de fútbol, siempre te mejora. Ahí uno aprende”, así se refirió el actor, músico y compositor acerca de su compañera de elenco. “Con Diego tengo la mejor”, dice Julieta al respecto. “Lo vi bárbaro en su vuelta a la actuación, nos re entendemos, tenemos como un código necesario, muy propio ya que interpretamos a una pareja de hace mucho tiempo”, complementa.
Para Diego Torres este filme representa no sólo la vuelta a la pantalla grande, sino, también, según deja ver, un regreso al goce cinematográfico: “Estoy disfrutando esta película cada instante como si fuera el último de mi vida. Imaginate que, de verdad, yo estaba esperando una propuesta así, como está, desde hace mucho tiempo”.
Para finalizar, Torres promete que “Extraños en la noche será una historia que entretendrá y gustará mucho. La gente se va a sentir reflejada a través de los personajes, eso te lo aseguro”.

Medianoche en Buenos Aires

“Desde el primer momento, Alejandro planteó una estética woodyallenesca de Buenos Aires. Un Buenos Aires pictórico, del punto de vista de esas cosas lindas que tenemos como los edificios antiguos, esa arquitectura que no se encuentra en otra parte de Latinoamérica sino en París. Por eso, en París, denominan a Buenos Aires la única ciudad Haussmann –N. de redacción: Barón Haussmann era el arquitecto típico de ese estilo, hizo que París se transformé en la ciudad más moderna del mundo- fuera de París. Tiene una paleta de colores específica, una iluminación y una música especial”, señaló Diego Torres acerca del trabajo conjunto de dirección, fotografía y arte. Es que Alejandro Montiel, su director, hizo fuerte hincapié en esos elementos: “La búsqueda de locaciones fue un poco preciosista, lugares con cierta continuidad estética entre uno y otro y, sobre todo, limpios de autos y demás. Plazas como la de Recoleta, el Museo de Arte Moderno, lindas calles, etc. Por otro lado, el centro de la película, para mí, es el decorado. Por eso gastamos tanta plata ahí. Por eso, además, me pareció interesante arrancar el primer plano de la película con un exterior que da un poco ficticio y luego hacer hincapié en el personaje estando en su lugar en el mundo. Asimismo, agregó que: “Esta película es la más grande que hice en cuanto a estructura. No hay mucha diferencia con el cine independiente, aunque por ahí necesitás más apoyatura. Mis otras películas no estaban tan apoyadas en la imagen o en lo técnico como esta. Ahora me sostengo más, por ejemplo, en la directora de foto, Sol Lopatín, y yo trabajo más en la actuación”. Acerca de la película en sí, como producto final, Montiel redondea: “Extraños en la Noche será una comedia con trama policial, cuyo tono es lo que sale de ahí. Tiene un acento bastante propio. Ya pude ver algunas cositas montadas y está muy bueno. Con todas mis películas pensé que había logrado cosas mejores de las que me había imaginado, siempre me superan las películas. Lo que vi está bueno, me conforma y me gusta y, sí, como suele suceder, es diferente a lo que había pensado pero, en algún punto, es igual o parecido”.

Review del libro "Su último saludo en el escenario"

MEDIO: Revista La Cosa
FECHA: Octubre 2011
Review

Su último saludo en el escenario

AUTOR Arthur Conan Doyle
EDITA Punto de Lectura
PÁGINAS 320
PRECIO $35
STATUS en venta

Resulta que Sherlock Holmes, acaso el detective más famoso del mundo, protagoniza ocho historias, de las cuales cinco serán casos del pasado y cuyo último relato, que da título al libro, sigue los pasos de un Sherlock sesentón que vuelve del retiro para convertirse en espía británico y desbaratar con ello los planes de dos espías alemanes en plena Primer Guerra Mundial.

¿Qué onda? El libro, también conocido como “El último saludo de Sherlock Holmes”, es el anteúltimo de la saga protagonizada por el cerebral Holmes. Éste muestra algunas de las mejores historias del detective “razonamiento deductivo” ambientadas en nebulosas situaciones, quizás más que nunca, donde el héroe le hará frente a inquietantes misterios del contra-espionaje con su mejor arma: la intelectualidad (bueno, ¿cuándo no?).

¿Qué aprendí con este libro? Sherlock Holmes nunca dijo: “Elemental, mi querido Watson”.

- Hernán Panessi

LEELO SI TE GUSTÓ... Doyle, Poe, Dickens y... ¡Roberto Bolaño!

La-Cosa-Matic: Be Cool, Rolo.

Nota de Detrás de las paredes (Dream House, 2011)

MEDIO: Revista La Cosa
FECHA: Octubre 2011
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Detrás de las paredes (Dream House, 2011)

Un exitoso editor deja su laburo para trasladarse hacia apacibles tierras lejos del ruido y la vorágine de las grandes ciudades. Sin embargo, la calma será sólo una pequeña ilusión en Detrás de las paredes. Por ello, Hernán Panessi la juega aquí de cazador de fantasmas y recorre los pasillos más oscuros de la cinematografía herética haciendo hincapié en la del último y uno de los mejores James Bond, Daniel Craig.

Detrás de las paredes (Dream House, 2011), de Jim Sheridan, es la historia de Will (Daniel Craig), un ejecutivo que acaba de renunciar a un trabajo en Nueva York para trasladarse junto con su esposa, Libby (Rachel Weisz), e hijas, a un pueblo de Nueva Inglaterra. Así, sin saberlo, se mudarán a una casa donde terribles asesinatos fueron cometidos... sólo para encontrarse con el próximo objetivo del asesino. Ayudados por su vecina, Any (Naomi Watts), intentarán armar esta perturbadora historia llena de sospechas, muertes y vueltas de tuerca.

La Terrorífica Casa de La Cosa
A raíz de la experiencia “Detrás de las paredes”, decidimos ponernos oscuritos y armar un top 20 histórico de entidades, posesiones, espíritus chocarreros, organismos diabólicos y monstruos variopintos en sitios de Belcebú al servicio del cine de horror.

La ensalada de monstruos de La Mansión de Frankestein (House of Frankestein, 1940)

Los espectros de La Casa de la Colina Embrujada (House of Haunted Hill, 1959)

Los 13 fantasmas de 13 Fantasmas (Thriteen Ghosts, 1960)

Las apariciones fantasmales de La Mansión Encantada (The Haunting, 1963)

El demonio Pazuzu de El Exorcista (The Exorcist, 1973)

Los engendros de No le Temas a la Oscuridad (Don’t Be Afraid of the Dark, 1973)

Las fuerzas invisibles de La Leyenda de la Casa del Infierno (The Legend of Hell House, 1973)

El espíritu ancestral de El Manitú (The Manitou, 1978)

El Jack Torrance demente de El Resplandor (The Shining, 1980)

El niño fantasmagórico de El Intermediario del Miedo (The Changeling, 1980)

El ente invisible de El Ente (The Entity, 1982)

Los espíritus indios del cementerio de Poltergeist: Juegos Diabólicos (Poltergeist, 1982)

Las deformidades demoníacas de House (1986)
Los demonios de “El libro de los muertos” de Noche Alucinante (Evil Dead II, 1987)

El desagradable y exorcista de humanos Beetlejuice de Beetlejuice (1988)

Los atrapados de La Gente Detrás de las Paredes (The People Under the Stairs, 1991)

La fantasmagórica Jin Ju en la universidad de Whispering Corridors (1998)

El mayordomo Hanson y las apariciones de Scary Movie 2 (2001)

El espíritu de la mina de La Mansión de Red Rose (Stephen King’s Red Rose, 2002)

La estela fantasmal de la mujer en La Casa de los Sustos (Monster House, 2006)

Historia del cine: Chappaqua

MEDIO: Revista THC
FECHA: Octubre 2011
Chappaqua

Chappaqua
Estados Unidos, 1966 / 82 min.
Dirigida por CONRAD ROOKS

En un punto, esta es una película bajo presupuesto acerca de las diversas formas de adicción a las drogas. En otro, más amoral que moralizante, es la síntesis de la psicodelia lisérgica propuesta por la Generación Beat de los 60s cuya función se imprime en retratar, además, los comienzos de la movida en San Francisco. Chappaqua deviene en la historia semi-autobiográfica, más no verdadera pero sí fascinante, del cineasta Conrad Rooks, una de las figuras germinales del beat, asiduo de los cafés de Greenwich Village, acá bajo el alter ego de Russel Harwick, y su viaje para someterse a un proceso de rehabilitación. Cuenta, por su parte, con un aspecto sumamente llamativo: el trip sobre lugares de la época que ya no existen bajo esas mismas formas, en un gran acierto del director de fotografía Robert Frank, acompañados por una hipnótica banda sonora, como el Times Square o los famosos cines grindhouse neoyorquinos. Por el filme desfilan, entre otros, figuras tanto vanguardistas como emblemáticas de la talla de William S. Burroughs, Allen Ginsberg, Ravi Shankar o Swami Satchidananda, en un quién es quién de la escena pre-Woodstock, razón por la cual obtiene un importantísimo valor agregado. Simbolismos, sutilezas y excesos. Surrealismo, espiritualidad y contracultura. Está claro que Chappaqua no es para cualquiera. Sin embargo, Chappaqua es, entonces, pese a que algunos se empeñen en tildarla de trivial, un manifiesto beatnick devenido gema mítica. / Por Hernán Panessi

Cine, ética y Relaciones Públicas

MEDIO: House organ: "Las hojas Kennedianas de Relaciones Públicas"
FECHA: Octubre 2011
Cine, ética y Relaciones Públicas

Cine y ética en Relaciones Públicas

Lejos de resultar pretencioso, este artículo intenta aproximar al cine hollywoodense con la ética universal en Relaciones Públicas y, a raíz de ello, menuda tarea, hacer un anclaje en nuestro contexto nac & pop.

UNO
Más de una vez -más de dos, tres o cuatro también- en el mundo de los poderosos, cuando surgen trifulcas en donde están implicadas las megacorporaciones o lo que es igual a que esté en medio algún gobierno pujante o del G8, aquel lugar donde siempre el poder se identifica con la posesión de los medios de comunicación, las Relaciones Públicas toman partida para ser su eficaz brazo ejecutor. Recordarán ustedes, por ejemplo, la película Wag the Dog del año 1997, conocida por estos lares como Escándalo en la Casa Blanca, en la que se utilizaba estratégicamente una guerra ficticia para contraponer el boom que supuso la noticia de un escándalo sexual que ligaba al presidente norteamericano con el abuso de una menor. Guionada por David Mamet, posiblemente uno de los mejores en su trabajo a lo largo y ancho del planeta, cuenta cómo a través de los medios de comunicación –sí, a través de las Relaciones Públicas y su manejo sobre el status quo de la opinión pública- se puede influir sobre las decisiones y los pensamientos de la gente. Por ahí anda la cuestión: ética, cine y Relaciones Públicas.

DOS
Cuando la coyuntura requiere que las explicaciones sean siempre contemporáneas, más nunca o pocas veces históricas, lejos del berretismo espiritual à lo Paulo Cohelo: “La vida está para adelante, no para atrás”, y donde, pese a ello, no parece pertinente señalar la aparición-propagación de videos de famosas desnudas para ocultar trasfondos mayores –desde #lafoto de Silvina Escudero hasta el nuevo torneo que propone AFA-, emerge un filme del año 2006 –bastante nuevito, verá usted- que ha sido paradigma del uso de la disciplina PR dentro del cine: Thank You For Smoking, conocida en Latinoamérica como Gracias por Fumar. Analizada en más de una cátedra universitaria, mencionada seguramente dentro de cinefilias pedantes o en alguna charla de tono entusiasta, Gracias por Fumar señala una problemática meta-cine: el cómo las tabacaleras, mediante las Relaciones Públicas y vía Hollywood, intentan recuperar el prestigio de los cigarrillos. Aquí se ponen en juego la ética y el hasta dónde da el profesional en pos de proteger su trabajo. Apocalíptico o no, eso será harina de otro costal.

TRES
Allí, Nick Naylor, encarnado por Aarón Eckhart a quien seguro tienen de Batman: The Dark Knight como Two-Face otrora fiscal Harvey Dent, será el portavoz de una poderosa tabacalera. En el momento en que el senado intenta poner una pegatina en las cajas de cigarrillos –los ejemplos reales de Brasil, Perú y España son tremendos; búsquenlos en Google que todavía es gratis-, Nick propone como solución acudir a Hollywood y recuperar la imagen que tenían de antaño. En consecuencia: ¿es Naylor un héroe identificable o el villano de la historia? En otras palabras, el tipo cumple con su trabajo pero éste, a su vez, implica dejar de lado el valor “vida” (los porqué se sobreentienden). Así, la película se convierte, entonces, en un manual de persuasión y manipulación masiva. Peligroso pero efectivo manual, claro está. De esta manera, si hilamos fino, el debate sobre propaganda, persuasión y manejo de la opinión pública sigue estando metido en nuestra realidad de cada día. O, sino, pregúntenle a ver qué opina Jaime Durán Barba al respecto (a.k.a. el Mister Chasman de un Chirolita de morondanga). Ahí está, no será David Mamet ni tampoco Dennis Wilcox, pero ése resulta un ejemplo tanto coyuntural como contemporáneo. Misión cumplida.

Por Hernán Panessi
Licenciado en Relaciones Públicas y Periodista.

Mención de la review de El Marfíl en Herjorcinema.com.ar

MEDIO: Herjorcinema.com.ar
FECHA: Octubre 2011
Review

Nota: "Escuchar, mirar y jugar"

MEDIO: Revista Games Tribune (España), número de Octubre 2011
FECHA: Septiembre 2011
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Escuchar, mirar y jugar

Este mes, usamos el nuevo servicio de Google a como dé lugar, probamos el sistema de streaming legal que desbarrancó de su podio a Blockbuster y nos divertimos jugando con la versión nac & pop del Guitar Hero.

UNO
Jamás quedaremos afuera de nada, de eso seguro. Llegó Google Music y, todavía, no está disponible en Latinoamérica. Hecha la ley, hecha la trampa. Para quienes quieran utilizarlo, y aquí va un tip maravilloso, más de pícaro que de pirata, pueden registrarse con el zip code de California, el 90210, ¿recuerdan Beverly Hills 90210, no?, bueno, era por eso, 90210 es el código postal de California, una de las zonas que sí acepta Google Music. Lo dicho: queremos pertenecer a todo con simultaneidad, sin desfaces de tiempos. Esta aplicación tiene su correlato en el concepto de “la nube”, donde se dejó de guardar toda la información en las PC y desde ahora, desde hace algún tiempo en realidad, pueden tener sus archivos alojados en Internet. En lugar de tener gigas ocupados, podrán hospedarlos en el ciberespacio, en algún lugar intangible. Así, Google provee de una herramienta que se añade al navegador y scanea tu música, archivos y demás y te lo sube. Fácil y simple. Acepta un número tremendamente avasallador: 20.000 canciones y no pregunta si son legales, ni ilegales, ni nada por el estilo. Suben la música y la escuchan desde cualquier aparato con acceso a Internet e, incluso, esta plataforma también es apta para teléfonos o dispositivos que tengan Android. Este es un paso definitivo hacia los “contenidos absolutos” en “la nube”, como aquellas computadoras con Chrome como sistema operativo –sí, leyeron bien, sin desktop ni nada más que un Chrome-. Navegadores que llevan directamente a “la nube” y de ahí el acceso a Internet y a todos los archivos allí colgados. El postulado de Dropbox, aquellos discos rígidos virtuales en “la nube”, superados por Google y el mundo, ahora sí, cada vez más rendido ante la monarquía del gigante de Internet. ¿Y si un día deciden llevarse todos nuestros archivos y mandarse a mudar? Bueno, nos quedará el recuerdo del al menos lo intentamos y en California estarán, como siempre, felices por ello.

DOS
Vino Netflix a la Argentina y, según parece, la cultura de consumo volverá a mutar. Es que la vida, desde el punto de vista de la biología, implica la capacidad de nacer, crecer, reproducirse y morir, y, a lo largo de sucesivas generaciones, evolucionar. Ese mismo concepto puede ser aplicado a la tecnología y, aún así, también tendría su correlato darwinista. Resulta que prácticamente junto con la noticia de tal advenimiento resuenan los ecos de una baja sensible: en los Estados Unidos, Netflix perdió un millón de abonados –de los 23 millones de suscriptores vigentes- y sus acciones cayeron 26% en dos días. A la sazón, escuché a un amigo una frase que sintetiza el estado actual de los video on demand universales: “Por el momento, ningún servicio de películas online ofrece un catálogo igual que el de los videoclubes grandes de los 80s”. Por lo visto, aunque les parezca absurdo a las nuevas generaciones, las nostalgias de formato todavía prestan batalla bajo alguna forma, sensación, concepto o sentimiento. Es que como usuario del servicio, Netflix no puede dejar de hacerme recordar aquel maravilloso video de X-Press 2 con David Byrne, “Lazy”, cuyas imágenes anticipaban a la sociedad del futuro que mostrara posterior y tan perfectamente Pixar en su clásico inmediato Wall-E, cuya letra, también brillante, decía así: I'm lazy when I'm lovin', I'm lazy when I play; I'm lazy with my girlfriend a thousand times a day; I'm lazy when I'm speaking, I'm lazy when I walk; I'm lazy when I'm dancin' and I'm lazy when I talk. El confort se hace binario y el entretenimiento, borgeano. “Fácilmente aceptamos la realidad, acaso porque intuimos que nada es real”, dijo el maestro Jorge Luis Borges en El Aleph y ya nada será igual. Como aquel VHS que me mira desde su anaquel cómo escribo esta nota y parece decirme: “pero flaco, acá estoy, meteme en la videocassetera”. Y un día, Internet hizo que todo y todos seamos efímeros.

TRES
Hay una buena nueva en el mundo gamer latinoamericano. Ahora, el Guitar Hero y el Rock Band tienen su versión argentina para PC, con producción totalmente doméstica y hits del Rock Nacional Contemporáneo. Éste, El Rock de Tu Vida, nombre que alude en una leve variación de El Rock de Mi Vida, primer disco en vivo de la banda local Guasones, fue desarrollado íntegramente en la Argentina, con técnicos, músicos y jugadores criollos. Contiene, de movida, un repertorio con 18 canciones –con temas de Massacre hasta Los Cafres, y desde Rata Blanca hasta los Auténticos Decadentes-, en guitarra, bajo, voz y/o batería, bajo tres diferentes niveles de dificultad y con la posibilidad de conectarse en red para sumar puntos, ganar nuevas canciones, productos varios e, incluso, entradas para shows. Además, se podrán adquirir nuevas canciones utilizando SMS de la red Movistar, entre otros variados métodos de pago. El Rock de Tu Vida es una especie de franquicia sin necesidad de permisos, ya que los modos de juego, en general, no se patentan como propiedad intelectual. Cabe aclarar que El Rock de Tu Vida no es sólo un mero game: es, sino, una plataforma de entretenimiento social completa que permite formar parte de una comunidad de jugadores, subir puntajes, exhibir destreza e intentar ser la mayor estrella de rock del mundo. Para obtener más información, probarlo o resolver curiosidades, visitar: http://www.elrockdetuvida.com/website/

Hernán Panessi
Corresponsal GTM
Sudamérica (BBAA)
@HernanPanessi

Review del libro Cuentos de Fantasmas: Historias Asombrosas y del Más Allá

MEDIO: Revista La Cosa
FECHA: Septiembre 2011
Review

Cuentos de Fantasmas: Historias Asombrosas del Más Allá

Argentina, 2005
AUTORES Varios
EDITA Ediciones Continente
PÁGINAS 128
PRECIO $29,90
STATUS en venta

Resulta que Este libro reúne a un dream team de autores supremos (desde Mark Twain al Marques de Sade, pasando por Ambrose Bierce y Edgar Allan Poe) que han abordado la “temática fantasma” desde alguna perspectiva.

¿Qué onda? La ciencia todavía no pudo darle explicación a la vida después de la muerte, por lo que esta compilación se asemeja a un ensayo tentativo de la eternidad fantasmal. Las prosas de autores universales de la literatura vinculadas a la figura omnipresente e inmortal del fantasma harán que los lectores sientan en su sangre circular finas escarchas de hielo. Si la pregunta existencial es qué es un fantasma y si en verdad existen, aquí se esbozan posibles y aleccionadoras respuestas. Diversión y cagazos por igual.

¿Qué aprendí con este libro? Los fantasmas son aterradores pero, también, son esperanza de que hay algo más.

- Hernán Panessi

LEELO SI TE GUSTÓ... Cuentos de Terror y Espanto (de la misma colección)

LA-COSA-MATIC: Matar al Nahuelito. Be Cool, Rolo.

Nota Sin Límites (Limitless, 2011)

MEDIO: Revista La Cosa
FECHA: Septiembre 2011
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Hay drogas pero no es Kids. Hay viajes astrales pero no es Trainspotting. Hay sacudones de caballo pero no es Réquiem para un Sueño. Estamos hablando de Sin Límites, la nueva película de Bradley Cooper donde interpreta a un escritor que, con cierta pastillita, tiene todas las de ganar. Claro, como nuestro Hernán Panessi, quien –al igual que el protagonista- sólo logra concentrarse cada vez que invoca a Focusín.

Dice Gabriel García Márquez, en “Cómo se cuenta un cuento”, que “para escribir tienes que creerte mejor que Cervantes, porque si no, acabas siendo peor de lo que en realidad eres”. A propósito de los síndromes de bloqueos crónicos, quienes están -en general- acompañado por deudas, runflas sentimentales y alguna que otra droga, está Eddie Morra (Bradley Cooper), un aspirante a escritor. Pese a haber obtenido un adelanto por publicar un libro no rescata palabra alguna. Pasan los días y nada mágico sucede. Intenta concentrarse, pasar tiempo en su cuarto, jugar al basketball con la pared pero la inspiración jamás le llega. Para colmo de males, su novia, Lindy (Abbie Cornish), lo abandona después de señalarlo por poco más que ser dependiente de sus finanzas. Su vida dará, entonces, un giro inesperado cuando un viejo conocido le ofrezca un medicamento experimental que le permitirá aprovechar todo su potencial: el NZT-48. Se trata de un experimento farmacéutico que optimiza el uso del cerebro pasando del 20% -aunque el mito neurológico diga que sólo usamos el 10%- al límite del 100% en forma tanto instantánea como simultánea.
¿Es nuestro cerebro una isla cuyo tesoro oculto es el poder ilimitado de la mente? ¿Y si una droga pudiera desbloquear todo ese potencial? A partir de ahí, la historia de Sin Límites (Limitless, 2011) le hará honor al nombre poniendo a su protagonista a escribir como una máquina, aprender idiomas con sólo escucharlos, ejecutar artes marciales recordando las películas que en su momento vio, etc. Todo lo que haya tenido contacto con su cerebro lo tiene, cual sistema operativo de avanzada, ordenado y clasificado listo para su apropiada utilización.
De esta manera, Eddie, un tipo por el que nadie daba un peso, no tardará hasta obtener sus primeras recompensas económicas gracias al NZT. Tal es así que de la noche a la mañana cosecha una fortuna en Wall Street llamando la atención del poderosísimo magnate Carl Van Loon (Robert De Niro). Éste lo invitará a formar parte de la fusión corporativa más grande de la historia pero no todo serán buenas noticias. Las dosis de NZT escasean cada vez, lo entrometen en algunas tramas policiales y deberá, además, huir de un mafioso prestamista que lo atormenta. También descubrirá, pequeño detalle, que las pastillas tienen efectos colaterales adversos a su salud, poniendo en riesgo su propia vida.
La película, dirigida por Neil Burger y producida por el mismo Cooper, luce muy bien acompañada por esa cámara movida a toda velocidad por las calles de la siempre cinematográfica Nueva York. En consecuencia, Sin Límites, thriller de ciencia ficción emparentado con algunos conceptos de El Origen (The Inception, 2010) y El Club de la Pelea (Fight Club, 1999) –ambas, casualmente, de David Fincher-, recorta todas las superficialidades y los dramas innecesarios para retratar a la acción como único escenario posible. Si lo que quieren es probar una dosis de faena lisérgica, más unas cucharaditas de tiros, agregándole el sabor del perdedor-ganador en escalada meteórica, sostenido por la presencia del facha de Bradley Cooper, Sin Límites es, definitivamente, su película a considerar.

Bradley Cooper, el chico de oro

A la lista de galanes de Hollywood le ha cabido un merecido F5. El olimpo femenino ya no está sólo ponderado por la Santísima Trinidad de Johnny Depp, Brad Pitt y George Clooney. Ahora, Cooper, nacido en el año 1975 en la ciudad de Filadelfia, a fuerza de talento y pintita, no para de ganar suspiros y de colocarse entre los actores más buscados de toda la industria. Desde sus comienzos, allá por el año 1999, en Sex and the City (1998 - 2004), hasta su Phil de ¿Qué pasó ayer? (The Hangover, 2009) y ¿Qué pasó ayer? Parte II (The Hangover Part II, 2011), ha encandilado a las plateas del mundo. Después de algunos papeles secundarios, como en Los Rompebodas (Wedding Crashers, 2005), la carrera de Cooper empezaría a remontar, sobre todo, con su actuación en ¡Sí Señor! (Yes Man!, 2008). Así, uno de sus primeros protagónicos lo conseguiría en Simplemente No Te Quiere (He’s Just Not That Into You, 2009), junto con Jennifer Aniston –a quien se la vinculó sentimentalmente-. De esta forma, sin parar hasta convertirse en un taquillero con la obra de Todd Phillips y su Faceman de Brigada A (The A-Team, 2010), Cooper se ha transformado en uno de los galanes más codiciados de todo Hollywood. Incluso, lo han barajado en muchísimos proyectos importantes de los últimos tiempos, tal es el caso de Linterna Verde (Green Lantern, 2011) –los rumores apuntan que perdió el rol imitando a Batman en el casting-, papel que tomaría finalmente Ryan Reynolds. O mismo otro héroe de DC como The Flash (2013) y algunos reboot de Marvel como Daredevil (2014). Además, por si fuera poco, se habla que protagonizaría una supuesta remake de El Cuervo (The Crow, 1994). Por lo visto, a Bradley Cooper, el nuevo niño de oro de Hollywood, como pasa con los grandes de verdad, el destino le depara mucho trabajo y rumores de los buenos.

Farmacia La Cosa
Comprimidos varios que han hecho las delicias de la cultura pop.

Chiquitolina en El Chapulín Colorado (1972 - 1979) | El héroe carmesí se suministraba esta pastilleta para hacerse extra small y encarar, con ello, diversos desafíos.

Semillas del ermitaño en Dragon Ball Z (1986 - 1989) | Cultivadas por el maestro Karin, bien naturistas, aliviarán los golpes más que un desinflamatorio en crema.

Hypnocil en Pesadilla en Elm Street 3: Guerreros del Sueño (Nightmare on Elm Street 3: Dream Warriors, 1987) | Los jóvenes usan una píldora que evita sueñen con Fred.

GLeeMONEX en Brain Candy (1997) | Un antidepresivo se convierte en furor de la noche a la mañana por atrapar a las personas en sus recuerdos más felices.

Blue Pill/Red Pill en Matrix (The Matrix, 1999)| El debate de Neo resulta entre optar por una u otra. Dosis de fantasía o realidad proveída en capsulas colorinches.

Tic Tac Naranjas en La Joven Vida Juno (Juno, 2007) | La recomendación pasa por dejar cajitas en el correo de tu amad@. El resultado, más psicológico que médico.

Mención en el staff de Revista Irrompibles

MEDIO: Local Strike, la web del gaming
FECHA: Septiembre 2011
Mención entre las plumas del #4

Mención en la crónica de la 2da Gala VideoFlims, la noche del cine independiente

MEDIO: A Sala Llena Online
FECHA: Septiembre 2011
Crónica de Matías Orta

Spot de Proyecto F para VideoFlims

MEDIO: Blog de Proyecto F
FECHA: Septiembre 2011
Spot

Historia del cine: Sed de Mal (1958)

MEDIO: Revista THC
FECHA: Septiembre 2011
Sed de Mal

Sed de Mal
EEUU, 1958 / 95 min
Dirigida por Orson Welles

Basada en la más famosa novela de Whit Masterson, Badge of Evil, Sed de Mal, dirigida, guionada y co-protagonizada por el mismísimo Orson Welles, es una perversa batalla entre dos policías, Hank Quinlan y Ramón Miguel “Mike” Vargas, quienes representan a la frontera de Estados Unidos y a la de México, respectivamente. Considerada por muchos especialistas como la última de las películas clásicas del cine negro (Godard y Truffaut se han manifestado como sus acérrimos admiradores), Sed de Mal se entromete en una atmósfera densísima donde el oficial de narcóticos mexicano, Vargas, deberá interrumpir su luna de miel en la frontera de México-Estados Unidos, cuando un contratista norteamericano es asesinado después de que alguien le ponga una bomba en su coche. A partir de allí aparecerán familias mafiosas, acusaciones con el dedo bien turgente, rivalidades acérrimas, chivos expiatorios y venganzas retorcidas entre cada uno de los lados implicados. La escena inicial de la película es una de las más antológicas del cine mundial y la situación de acoso-secuestro mediante el abuso de drogas por parte de un clan mafioso, la familia Grandi, a la esposa siempre pura, Susie, la bellísima Janet Leigh, es tanto mítica como imperdible. “¿Conoces la marihuana?”, “¿Conoces la heroína?” se escucha decir por ahí cuando lo naif se vuelve turbio de un tirón y sin tutía. Como no podía ser de otra manera, Welles cargó el relato de subtextos circunscribiendo intensas críticas e irónicos comentarios sobre los sistemas de justicia y, además, acerca de las convenciones populares de los EE.UU. frente a México. Vale decirlo: estamos ante una de las mejores películas de la historia del cine. Se recomienda sola. / Hernán Panessi

Nota: "La Patria Equivocada"

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Septiembre 2011
La Patria Equivocada

La Patria Equivocada

Por Hernán Panessi

Las vueltas de la vida. Ciudad del Sol durante mucho tiempo fue conocida como “la última película de Galettini”. Tuvieron que pasar exactamente 10 años para que vuelva a filmar. Es cierto, por ahí presta a confusión porque Ciudad del Sol se estrenó en el año 2003 pero técnicamente se rodó en 2001. 10 años. Una década. Un decenio. La decena de un siglo. De todos modos, ¿qué son 10 años cuando, en su nueva experiencia cinematográfica, propone reconstruir 90 años de la Historia Argentina?
Lo dicho y supuesto, lejos de las propuestas que inicialmente lo caracterizaban, el desarrollo de la acción de La Patria Equivocada, adaptación del libro de Dalmiro Sáenza, avanza desde otra pulcritud, ¿la del Bicentenario?, indagando sobre la antinomia cultural de quienes fueron responsables de construir la Nación, empujada por las vivencias de Clorindo, la niña Clarita, su hijo Clorindo y su nieta Clara. Personajes, todos, cargados de erotismo –detalle: puede vérsela desnuda a Juanita Viale en más de una oportunidad... sí, es que interpreta un doble papel, el eye-candy embutido para la muchachada- y que lo único que comparten es su lazo de sangre, ya que sus vivencias y elecciones los llevará a recorrer caminos diametralmente opuestos.
Aquí irrumpe una cierta falta de convencionalidad narrativa, un tanto embarrada, apoyada en lo bueno de la espectacularidad norteamericana, y un, si bien por momentos algo arcaico en las puestas, trascendente manejo de las ambientaciones de época. Entonces, a riesgo de terminar siendo algo dispersa en su propia melange de factura abarcativa (se retratan tres generaciones, de 1807 hasta 1898, ¡91 años!), La Patria Equivocada, el regreso a las pantallas grandes de Carlos Galettini, resulta, en su conjunto, una película relativamente interesante.

Nota a favor de Carlos Galettini

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Septiembre 2011
A FAVOR 01
A FAVOR 02
Versión online

A FAVOR de Carlos Galettini

Un nombre propio como sinónimo nato de entretenimiento. Uno de los popes del cine nacional vuelve al ruedo con una película a todo trapo. Después de forjar un notable legado cinematográfico –popular, controversial, polémico o propagandista, pero siempre particular y único- y luego de una década de parate, Galettini es revalorado a rajatabla por una de nuestras plumas.

Por Hernán Panessi

Concibiendo al cine como un arte que entretiene (vieja vacilación: ¿El arte es entretenimiento? ¿El arte también puede entretener? ¿La tercera posición resulta que el cine es arte y entretenimiento?), podemos decir lo siguiente: hay películas buenas, hay películas malas y están las películas de Carlos Galettini. Director de, lean bien, las cuatro de Los Exterminators, tres de Los Superagentes, dos de Los Bañeros –la tercera no es tal, simplemente es basura-, la de Los pilotos más locos del mundo, Los matamonstruos en la mansión del terror, etc… Galettini, o más bien su obra, y no es capricho sino realidad fáctica, pese a que alguna rúbrica se piante, está más allá del bien y el mal, exenta de cualquier juicio crítico e intelectual –y mucho más del cahierismo o el snobismo pecho frío- porque representa, sin ir más lejos, lo que la mayoría del público desea: fruición, goce y efectividad. La discusión acerca de qué comen las moscas es harina de otro costal, claro. A propósito, si el título Se acabó el curro (Compre antes que se acabe) no es uno de los mejores de la historia, ¿cuál lo es?
Ha hecho escuela, sí, en la llamada “argentina bizarra” siendo el mayor –y mejor- referente de esa entelequia (la recomendación es conseguirse “Cine Bizarro: 100 años de películas de terror, sexo y violencia”, del maestro y mentor Diego Curubeto). Cuenta la leyenda, recuperada por Alexis Puig en “Pantalla Freak”, entre muchas que hay en torno a sus películas, que su primer telefilm y decimosexto largometraje, Charly, días de sangre, un slasher criollo protagonizado por –nuevamente, lean bien- Fabián Gianola y Adrián Suar, es una película negada por los propios implicados, resultando incunable por mucho tiempo. Y acá aparece la fantasía o realidad, donde el mismísimo Adrián Suar habría comprado todas sus copias para destruirlas y hacerlas desaparecer. Tranquilos: quien no la vio, podrá encontrarla colgada en YouTube por algún preservador cinematográfico posmoderno. Agradecidos por la magia.
Volviendo al punto, quien reniegue de sus filmes históricos no tiene sangre, ni corazón y mucho menos perdón de Dios. Galettini no sólo merece el respeto per se (oh, San Galettini) sino que también le cabe por ciertas perlitas de su filmografía que han salido del canon preestablecido. Por ejemplo, Convivencia, inspirada en la obra teatral homónima de Oscar Viale donde se florean Luis Brandoni, José Sacristán y una jovencísima Cecilia Dopazo, es un filme tan fantástico como subvalorado. Asimismo, siguiendo con su rol de cineasta abocado a propuestas más serias o convencionales a las que inicialmente acostumbraba están Ciudad del Sol, una ficción donde todavía resuenan los ecos de la dictadura militar, y más acá, ahora sí, La Patria Equivocada.
En consecuencia, todas las películas de Galettini, desde la primera, allá Las Sorpresas, hasta esta última, ganadora del Concurso Argentina Bicentenaria, acá La Patria Equivocada, merecen respeto y admiración –tal vez la que menos lo merezca sea Dibu 2, la venganza de Nasty; tal vez la que más Las locuras del extraterrestre- por significar y dignificar, en su conjunto, al creador como un autor. Es innegable: en todas está su marca, su energía única e irrepetible (no sólo en los bizarrismos de época sino también en las de corte industrial o Serie A, también, así, en La Patria Equivoada). La pacatería, siempre minoría, de seguro dirá que es un director muy comercial (Michael Bay tiene de Galettini lo que este escriba de Christian Metz). De cualquier manera, a nosotros, los cinéfilos de entre 1 y 99 años, eso nos importa muy poco. Sólo hay para con él palabras de reconocimiento y purísima devoción. Bienvenido otra vez al trote después de 10 años, maestro. Pase por acá, la puerta grande. Entreténganos. Lo extrañábamos.

Nota: "Catering en el cine"

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Septiembre 2011
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¡Todos al set, a comer!

Desde los diseños de producción, y en cada caso en singular, cualquiera sea él, siempre emerge una constante a considerar: la del catering. Consultadas por HC, cuatro empresas caterineras nacionales, y de distintas envergaduras, responden acerca de las necesidades del mercado audiovisual y nos dan, con ello, un pantallazo acerca de una industria siempre persistente, la gastronómica. Por Hernán Panessi

En el microcosmos de los rodajes de cine y televisión existen muchísimas y variadas demandas. Equipos eléctricos para abastecer de energía y luces a las filmaciones, contrataciones de cámaras y equipamientos afines, carros de travelling y griperías, permisos o alquileres de locaciones, movilidad, materiales para el diseño de arte, etc. Pero ninguno, esto es completamente cierto, tan inestimable como el catering.
Según la Real Academia Española, cáterin, grafía castellanizada del inglés catering, es “el servicio profesional que se dedica preferentemente al suministro de comida preparada, pero también puede abastecer de todo lo necesario para organizar un banquete o una fiesta”. Entonces, cabe preguntarse quiénes son los responsables de ese servicio. ¿De dónde se sostiene el panza llena corazón contento del mundo audiovisual? Ellos son ni más ni menos que quienes proveen de alimentación a los equipos técnicos, actores, vestuaristas, maquillistas, productores y actores. Exacto, a todas las personas que participan en los rodajes. Ellos son, ahora sí, las caterineras.
Como todo gran poder conlleva una gran responsabilidad, Diego Lombardi de las caterinera Sala C (http://www.cateringsalac.com.ar/), quien ha prestado labor para las flamantes Viudas (de Marcos Carnevale), Cruzadas (de Diego Rafecas) y la próxima a estrenarse Infancia Clandestina (de Benjamín Ávila, con Natalia Oreiro), es realista y advierte: “El trabajo de catering en cine y televisión no es para cualquiera. Es un trabajo de muchas horas, donde se trabaja desde lugares sencillos –como un set- hasta espacios en el medio de la nada sin luz, ni agua, ni nada. Hay que estar preparados para solucionar problemas constantemente”.
Es bien sabido por todos que con estar correctamente alimentados, en lo duro que resultan en general las jornadas de filmación, se resuelve el imponderable del “combustible necesario para el cumplimiento de todos los objetivos”. En consecuencia, el experimentado Diego Cuevas de Masala Catering (http://granmasala-masala.blogspot.com/), con más de 600 producciones audiovisuales a cuestas entre TV, cine, publicidades y fotos, comenta que “en este rubro es clave comprender los tiempos, variables y exigencias de la locación, el clima, el guión y demás contingencias”. Asimismo, Fernando Hilú de Movie Food (http://www.moviefood.com.ar/), abocado más al mundo de los comerciales pero con buena trayectoria en cines, ha trabajado en Un Oso Rojo (de Israel Adrián Caetano) y Los Guantes Mágicos (de Martín Rejtman) además de hacerlo fuertemente en televisión (Polka, Ideas del Sur, Cuatro Cabezas, etc), resalta que “siempre se trata de conocer a full los gustos de cada una de las personas que forman parte de los equipos, porque no sólo hace mucho más lindo y ameno nuestro trabajo sino que también hace que nos valoren muchísimo más”.
Consultada sobre cuál es la comida que más le piden en rodajes, Ana María Oroño de Atracción Fatay (http://es-es.facebook.com/pages/Atracción-Fatay/206610132699229), autoproclamada como “independiente y autogestiva: es como que le digas a tu abuela, pero más joven, que te venga a cocinar para el rodaje con tus amigos”, responde completamente segura: “¡El Fatay! Despierta pasiones, es nuestra especialidad, hecha con mucho amor”, rindiéndole honor a la empanda árabe que le da origen al emprendimiento. A su vez, Diego de Sala C tiene bien identificados los targets culinarios: “Tenés de todo. Los eléctricos prefieren comidas fuertes, guisos, carnes, pastel de papa. Las chicas de vestuario o maquillaje, prefieren ensaladas o pollo al horno...”. Siguiendo con esa línea está Fernando de Movie Food quien apunta a la comida por excelencia del argentino como referencia insoslayable: la carne. “Siempre está en primer lugar, es sabido que a los argentinos nos gusta la carne en todas sus formas y es de los platos que más pedidos tienen”, dice. Sin embargo, también identifica una nueva tendencia: “en estos últimos tiempos, lo que se viene notando muchísimo es el constante aumento de personas vegetarianas. Por ende, siempre tenemos que tener al menos tres opciones de menúes distintos, para cumplir con las necesidades de nuestros clientes”. Otros, como Diego de Amasala, hacen hincapié en atributos vinculados con esta labor: “la comida sana y la buena atención”.
En todos los casos, la palestra de precios es bien particular. Por ejemplo, Atracción Fatay, más abocada a producciones independientes como Lucho’s Big Adventure (de Esteban Rojas) y el proyecto documental sin fines de lucro La Educación Prohibida (de Germán Doin Campos), promete “precios que, según del menú que elijan de los 10 que ofrecemos, van desde los $20 por persona en adelante”. En Masala Catering, expresan: “basamos los valores reales en un servicio que priorice la buena nutrición de aquellos que están trabajando y los precios van desde los $70 para televisión, $80 en cine y $90 para publicidad. Luego hay opciones que varían según el costo que genera el proyecto en sí, la comodidad o la repetición de locaciones, las distancias, etc”. A ello, los de Sala C creen que “el tema precio es muy difícil porque está relacionado con la calidad de servicios que das. En catering tenés desde superproducciones hasta cortometrajes, de 100 a 20 personas, de pedir sushi hasta choripán... hay que ver cada proyecto y su necesidad”. También en Movie Food coinciden con esa perspectiva de trabajo: “en cuanto a los precios de mercado, hoy por hoy, varían entre los $70 y los $100 siempre dependiendo de los menús y los requisitos de los productores”. Quien remata la cuestión es, nuevamente, Diego, de Sala C, con la siguiente sentencia: “¡Lo complicado es que siempre quieren pagar menos y obtener el mejor servicio!”.
En cuanto a la demanda de catering para cine y televisión, la cuestión resulta un tanto aleatoria y cada vez más complicada. “Hay demanda pero es poca. Es de tener en cuenta que por bajar costos y por agotamiento han ido surgiendo muchas empresas o formatos nuevos de catering o viandas”, manifiestan desde Masala Catering. “Está más tranquilo que antes, pero la vamos llevando”, comentan en Sala C. “Entendemos que, en la actualidad, ha mermado la cantidad de requerimientos para producciones nacionales y han aumentado las internacionales”, sentencian los de Movie Food. Está claro, acá todos coinciden en que estamos ante una industria harto complicada pero que, si las condiciones están dadas, puede ser realmente fructífera. Es que... la vía es una sola, comer se come siempre, lo que cambian son las formas.

¿Quién es esa chica? Jessica Chastain

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Septiembre 2011
Versión gráfica
Versión online

¿Quién es esa chica? | Jessica Chastain

Sostenida en la herencia Hollywood de cabelleras rojizas y pieles rosas, Jessica Chastain alcanza notoriedad a raíz de dos estrenos en simultáneo: El Árbol de la Vida e Historias Cruzadas. Después de años de remos en territorios hostiles –no es broma, en algún momento su madre le preguntó: ¿qué hacés verdaderamente en Hollywood?- llega a las pantallas del mundo tomándolas por asalto. Entendemos que es la forma.
Por Hernán Panessi

En el sitio redheadandproud.com, algo así como “colorados y orgullosos punto com”, se reúnen exhaustivamente todas las celebridades afines del mundo del cine, el deporte, la política, la música, etc. Allí, hasta tienen una sección imperdible de colorados wannabe y una tienda de regalos complementaria con remeras de leyendas tipo: “Natural born redhead” o “Gingerchick”. La cuestión es que, ahí, entre tantas celebrities random, falta alguien. En la línea de coloradas con sofisticación están las históricas Marilyn Monroe, Hazel Court y Rita Hayworth; por el lado de las contemporáneas, Nicole Kidman, Alyson Hannigan y Julianne Moore; y, más acá, las jovencísimas Lindsay Lohan, Kirsten Dunst y Bonnie Wright. Bien, ya son unas cuantas. También figuran, claro, Christina Hendricks, Gillian Anderson, Rose Mc Gowan, Diane Lane... pero sigue faltando alguien. La ausente, por ahora, sólo por ahora, es Jessica Chastain, actriz de larga data en televisión (sí, nació en el ’81 pero participó en forma activa en unas cuantas series, aunque tuvo que esperar bastante para ser una carita conocida) que por estos momentos, con El Arbol de la Vida –la esperada cinta de Terrence Malick con Brad Pitt, ganadora del Festival de Cannes- e Historias Cruzadas –donde comparte cartel con Emma Stone y Bryce Dallas Howard, otras coloradas de la elite redhead-, tendrá dos películas en carteleras a la vez y, de seguro, dará el salto definitivo a la elite del star-system hollywoodense. “Jessica es una debutante a tener en cuenta”, dicen y repiten desde hace bastante tiempo las publicaciones especializadas de Norteamérica. Y es que bien merecido tiene el elogio, después de padecerla tanto con esos carteles, tan habituales en IMDb.com, de “en posproducción”, “completada” y “por estrenar”, al fin se la da.
Posándonos en la figura física de Chastain, si observamos su rostro con detenimiento, notaremos no sólo que es una mujer bellísima sino que es, además, muy particular. De cara angulosa y ojos grisáceos, posee una cualidad de exotismo en su mentón, que otrora era considerado como atributo sexy: el hoyuelo de la belleza, también conocido como el hoyuelo de la simpatía. De metro sesenta y tres, piernas estilizadas y belleza bien sureña, esta nacida en California bajo el nombre de Jessica N. Howard, con formación en baile y teatro shakesperiano, debutó profesionalmente en el año 2004 en una película para televisión de la mítica serie Dark Shadows. Luego apareció en varias tiras famosísimas como ER Emergencias, Verónica Mars y el spin-off de Law & Order, Trial by Jury. Además, en cines, participó de The Debt junto con Ellen Miren y Sam Worthington y, por su parte, se dio el lujo de actuar junto a uno de los más grande, Al Pacino, en la adaptación de la novela homónima de Oscar Wilde, Salome, en la que tuvo nuevamente la oportunidad de contar con un rol protagónico.
Hasta el día de la fecha, el único galardón a nivel personal que obtuvo fue por su interpretación del filme Jolene, en el Seattle International Film Festival del 2008, pero la distinción que esperamos todos no es, de momento, un Oscar, ni un Golden Globe, ni una Palma de Oro, ni nada por el estilo, sino que la agreguen urgentemente al lugar que merece: redheadandproud.com. Desde aquí, pedimos que se haga justicia.

Entrevista a propósito de la Gala VideoFlims, la noche del cine independiente

MEDIO: Revista La Cosa
FECHA: Septiembre 2011
Entrevista por la Gala VideoFlims, la noche del cine independiente

Historia del cine: Magical Mistery Tour

MEDIO: Revista THC
FECHA: Septiembre 2011
Magical Mistery Tour

Magical Mystery Tour
Inglaterra, 1976 / 55 min
Dirigida por THE BEATLES & BERNARD KNOWLES

A pesar de no haber tenido una buena repercusión inicial de público y prensa, la película más hilarante entre toda la filmografía de The Beatles, Magical Mystery Tour, está hecha a la altura de la beatlemanía, donde la autoconciencia del delirio se fue perdiendo cada vez, y cuya explotación cósmica se da un año más tarde con la increíblemente psicodélica Yellow Submarine. Se trata de un filme para televisión, emitido por la cadena BBC de Londres y dirigido por los mismísimos Fab Four –dicen que la mayor parte la habría comandado Paul Mc Cartney inspirado en uno de los más relevantes grupos promotores de los trips alucinógenos, The Merry Prankster-, donde la confusión de ese período muy próximo a la muerte de su manager, Brain Epstein, se hace tanto carne como evidente. Sin embargo, aún a merced de la falta de rigor narrativo o a su consecuencia, se la eleva como una de las películas de culto por antonomasia. El argumento de Magical Mystery Tour suena bastante simplón: los Beatles viajan en un autobús por una misteriosa gira surrealista donde se la pasan subiendo y bajando del vehículo sin solución de continuidad. No obstante, el hecho de ver a los muchachos de Liverpool haciendo gracias en uno de los momentos más extraños de su carrera, y cada vez más compenetrados con el uso de ácidos, resulta fabuloso. No pierdan de vista la actuación de “I Am the Walrus”, definitivamente uno de sus temas más lisérgicos y gema ilustre del doble EP homónimo. / Por Hernán Panessi

Ghostwriter de la sinopsis de Chimiboga, de Ayar B.

MEDIO: VideoFlims.com.ar
FECHA: Septiembre 2011
Cover

Chimiboga es ni más ni menos que el delirante mundo animado propuesto por Ayar B., director de Mercano: El Marciano y El Sol, donde conviven grandes y absurdos personajes, entre los que sobresalen Don Luis y sus hijos, el Conejo Bugs Buni y el Ratón Disney. Aquí, en este ChimiDVD, se recopilan todos los cortos de animación del website Chimiboga.com, más alguna que otra rareza, y con ello se propone, a su vez, divertir a todo el mundo con sus trastornadas historias. Chimiboga es, entonces, puro bizarrísmo y chistes lisérgicos. Sí, el compilado humorístico definitivo.