Editorial de VideoFlims en catálogo del BARS 2012

MEDIO: Catálogo del Buenos Aires Rojo Sangre 2012
FECHA: Noviembre 2012
Editorial de VideoFlims en catálogo del BARS 2012

Juntos y a la par

Todos los festivales de cine tienen una identidad cultural definida, pero solo algunos son capaces de transformar esa realidad en algo verdaderamente trascendental y único como lo hace el Buenos Aires Rojo Sangre. Se trata del enorme impulso de una movida que no para de ir hacia adelante, todos juntos y a la par. Por eso, para nosotros, los que hacemos VideoFlims Distribución, ser parte de semejante evento social, desde nuestro humilde espacio, es lo más importante del mundo. Ahí, como cada edición, y no es un lugar común más sí una realidad comprobable, vemos crecer, nutrir y regar al semillero del cine de género nacional y popular. Allí, en ese espacio que anhelamos el resto de los meses donde no sucede, se produce aquel mítico encuentro entre los viejos y los nuevos. Entre los de siempre, los que estuvieron y los que mañana estarán. Aquí, entonces, apoyados en ese lugar donde surgen proyectos novedosos cada vez, en un ámbito alejado de egoísmos, con pluralidad comprobada, y donde, primero en orden de importancias, a través de la amistad y el amor por las películas, disfrutamos y compartimos nuestro arte con los demás. Y si hay algo que nos relaciona directamente con el festival y su corazón, es justamente el amor con que se llevan adelante las cosas. Ese que se siente día a día. Desde ahora hasta que termine. Y desde que se termine, en forma sucesiva, hasta la eternidad. Por todo aquello, sí, celebramos un año más unidos: VideoFlims y el Buenos Aires Rojo Sangre, un solo corazón.

Pablo Marini, Hernán Panessi y Esteban Rojas VideoFlims Distribución

Nota The Watch

MEDIO: Revista Haciendo Cine
FECHA: Octubre 2012
Nota The Watch

La guerra de los mundos

Nativos de ese momento exacto donde la comedia estadounidense moderna reveló más que buenas hilachas, los míticos Ben Stiller y Vince Vaughn se juntaron otra vez para traernos una de ciencia ficción o algo por el estilo. | Por Hernán Panessi

En el episodio “Homero Detective” de la temporada 5 de esa caja de resonancias llamada Los Simpsons, Homero se pone al frente de una patrulla civil. Una suerte de improbable grupo policial cuyo propósito es hacerle frente al Gato, un sofisticado ladrón que burló a todo Springfield. Asimismo, en la lógica de convoy desordenado, de cocoliche alterado pero siempre intrépido, se le suma otro clásico contemporáneo: Los Cazafantasmas, donde un equipo de parapsicólogos, también dispar, investiga fenómenos paranormales utilizando tecnología sofisticada. Sobre esos dos ejemplos que, en rigor, nada parecen tener que ver entre sí, se construye el devenir de The Watch, nueva fábula de los héroes actuales de la comedia norteamericana. En The Watch, una patrulla de vigilancia vecinal, compuesta por cuatro hombres suburbanos que quieren pasar el tiempo lejos del agobio de sus familias y sus obligaciones, descubrirá algo que se le irá de las manos. Develarán, de forma accidental, una increíble conspiración relacionada con la posible destrucción del mundo a causa de una invasión alienígena que tratarán de frustar. Sostenida en los cánones de la masculinidad actual, ahí donde se funden y confunden cuestiones tales como los adultescentes, los diálogos hilarantes y la inmadurez social, el equipo que conforma la patrulla responde a la siguiente alineación: Evan (Ben Stiller), un gerente sexualmente frustrado en el rol de líder; Bob (Vince Vaughn), un padre sobreprotector con ganas de joder (en el reencuentro con Stiller desde Cuestión de Pelotas); Franklin (Jonah Hill), un policía wannabe un tanto endeble mentalmente (inevitable recordar su reciente rol en Comando Especial) y Jamarcus (Richard Ayoade), un británico agradable cuya fantasía es la de rescatar amas de casa solitarias.
Con un concepto que ya ha funcionado sobremanera –caso: Hombres de Negro, Marte Ataca! y, más acá, Attack the Block-, aquel que pone a personajes normales en situaciones extraordinarias, ese que terminará finalmente con la defensa del mundo contra una invasión extraterrestre, The Watch supura situaciones de auténtica vulgaridad –de la buena- producto de la caligrafía de Jared Stern, Evan Goldberg y, sobre todo, de la de Seth Rogen. Aquí, se pone a unos amigos inadaptados al servicio de la protección de su pueblo pero que, pese a los nombres y a lo promisorio de su sinopsis argumental, aún con ello, todo se desenvuelve tibiamente. Incluso, desde acá, emegerán algunos subtramas que apenas aportan, como una hija rapidona, unas aventuras sexuales, un policía incrédulo (que no es otro que Will Forte, el de MacGruber) y un recuento de esperma, sin que ninguno se desarrolle demasiado ni termine por ser fundamental en la historia.
The Watch, entonces, es un caos confuso de géneros, profundizando fundamentalmente en la comedia, pero que no se achica en sugerir algunos tintes de horror, monstruos viscosos, hasta incluso alguna cosita de romance y, sí, como era de esperarse, mucho de acción. En rigor, esa situación poco categórica hace que el film navegue en su desconcierto, en qué mundo quiere identificarse en realidad. No obstante, el olor a la verborrea de Super Cool deviene a que estas películas sigan gustando sin cuestionamientos del tipo intelectual más que el de relajarse y entregarse a lo que venga. Así, bajo esa premisa un tanto conformista pero, a la sazón, acertada para seguir a tales producciones, se miran sin importar si acuden a problemáticas como el aislamiento, la desconfianza, la recuperación de valores familiares, los asesinatos, los alienígenas o la gran pavada.

Nota Errantes (entrevista a Lisandro González Ursi y Diego Carabelli

MEDIO: Revista Haciendo Cine
FECHA: Octubre 2012
Nota Errantes (entrevista a Lisandro González Ursi y Diego Carabelli

El ser gaucho es un delito

Los habitantes del asentamiento La Lechería, situado ahí entre los barrios de La Paternal y Villa del Parque, son los principales protagonistas de Errantes, importante documental que registra los pormenores de un intento de autogestión en pos de una vida mejor. | Por Hernán Panessi

“Para él son los calabozos; para él, las duras prisiones; en su boca no hay razones aunque la razón le sobre: que son campanas de palo las razones de los pobres”. José Hernández, en El Martín Fierro (1872)

Cuando el pene de los acontecimientos, ese que deja erguido casi siempre la visión fatalista de la clase media más recalcitrante, quede flácido, cambiará el posicionamiento por sobre tal constante, tendenciosa y parcial identificación. Ya no se verán los hechos desde aquel prisma que fomentó el noticiero y su sistemática construcción de la otredad. Es que al referirnos a la entelequia desalojo, la cuestión perceptual queda regularmente posada en la edificación mediática proclamada como vecino indignado. Por caso, Errantes, documental dirigido por Lisandro González Ursi y Diego Carabelli, ganador del premio a “Mejor Película” en el Festival Tandil Cine XI, da vuelta el espejo, se corre de este vetusto postulado y devela el reconocimiento de su propia silueta en los ojos, garra y corazón de un grupo de vecinos autoconvocados con el fin de conseguir una vivienda digna.
Tanto en televisión (donde esta vicisitud es harto explotada –siempre pintada de amarillo-) como en el cine (que, en la Historia, poco se le animó –salvo excepciones que han tratado el “habitar” como Construcción de una Ciudad, de Néstor Frenkel y En Construcción, de José Luis Guerín-), los tópicos promovidos –el vecino nervioso por la inseguridad, el comerciante apuntando con el dedo, la señora quejándose en forma irracional del villero- tuvieron que ver con una moral instaurada. Y en Errantes, tal moral se reinventa devolviéndole al mundo un estado de situación del que, a la sazón, la mayoría de los medios han negado: la versión del que menos tiene. “Tal vez lo interesante de Errantes resida en dónde se construye el punto de vista. Estamos acostumbrados a que el relato de los hechos esté construido para acomodarse al discurso de algunos sectores sociales medios y medios-altos. Por lo tanto, está profundamente arraigada la idea de un ‘sentido común’ que termina estereotipando, cosificando y reduciendo al mínimo la complejidad de cualquier conflicto social”, dice González Ursi.
Así, el pobre nunca tiene razón porque es pobre. Porque no tiene quién lo defienda. Porque sólo él puede defenderse. Pero él, aunque hable y diga sus razones, éstas no son campanadas de bronce, sino, como en El Martín Fierro, serán campanadas de palo. Y aquella es la desdicha de todos los desclasados, de aquellos marginados de la civilización del progreso. “El discurso mediático habitual respecto a los grandes temas en general y los sociales en particular repite su lógica hasta el cansancio. Siempre se intenta advertir que se habla para ‘la gente’, cuando en realidad nunca terminan de sincerar que para ellos, los grandes medios, no toda la población entra en esa categoría. En general, las coberturas de los conflictos sociales siempre tienden a contarlos para ‘la gente’ que nunca es protagonista de ese conflicto, sino que es un actor secundario y muchas veces hasta circunstancial”, agrega Carabelli. El imponderable social es ingresar en un mundo donde se come, se vive, se pertenece a una sociedad, se tiene un hogar digno en el que vivir. Esa sensible problemática de los habitantes de La Lechería, lugar donde transcurre la investigación, que es su infatigable lucha. “Es fácil enterarse qué arterias de tránsito están cerradas por una protesta, cuántos manifestantes hay, cuánta demora de tránsito existe, pero rara vez se presenta el conflicto que atraviesan esos manifestantes”, sentencia González Ursi. Y, acá, Errantes subraya, queda demostrado que el eje comunicacional de los mass media no funciona bien desde donde se posa, y acaso que deberían de abrirse a otras miradas, encontrar una dialéctica, proponer un diálogo. Adaptarse. Sumar. Crecer.

Nota Esperando la Carroza (entrevista a Diana Frey)

MEDIO: Revista Haciendo Cine
FECHA: Noviembre 2012
Nota Esperando la Carroza (entrevista a Diana Frey) (01)
Nota Esperando la Carroza (entrevista a Diana Frey) (02)

De pucheros y ravioles

Sin anestesia: llega a los cines el primer reestreno de una película nacional y, para ello, qué mejor que Esperando la Carroza. Por tal motivo, dialogamos con su productora Diana Frey sobre el público, su imaginario, la vuelta, el legado y las secuelas. | Por Hernán Panessi

Cuando se habla de cine, escasas son las verdades categóricas. Pocas son esas sentencias que, de tan contundentes, no necesitan comprobación porque, en sí mismas, tienen el suficiente peso de su validez. Por eso, ni bien asomó la cabeza en el año 1985, Esperando la Carroza se convirtió, de forma tan plena y abrumadora como inconsciente e instintiva, en la síntesis de la argentinidad, en el fiel reflejo de la familia tipo argentina. Con el tiempo, las pasadas infinitas en televisión abierta (suscitando, en cada una, elevados índices de audiencia como si se tratara de un estreno), la identificación por el costumbrismo, sus ediciones en DVD, el sólido elenco de actores, la recomendación casi hereditaria a las nuevas generaciones y demás, hicieron de la película del maestro Alejandro Doria un film definitivamente de culto.
Inspirada en una obra teatral homónima del uruguayo Jacobo Langsner, y cuya versión cinematográfica local está protagonizada por Antonio Gasalla, China Zorrilla, Luis Brandoni, Betiana Blum, Julio de Grazia y muchos más, Esperando la Carroza encuentra ahora, 27 años después de aquel estreno, su remasterización y vuelta a los cines en formato digital. La noticia, asimismo, es que sienta un precedente: será la primer película argentina en ser remasterizada y reestrenada.
“Es un caso único, en este panorama de la cinematografía nacional, donde una parte del público la aclama. Es muy querida. Se estableció con ella una relación casi familiar. Hay películas mucho más importantes que ésta en la historia del cine mundial, uno las guarda en el corazón, pero lo que ocurrió con el público es como una oración”, apunta Diana Frey, productora y una de las responsables en llevar adelante el proceso de su vuelta a las grandes pantallas. En épocas donde el reestreno de clásicos dejó de ser una novedad y se volvió, más bien, una parte posible en el escenario de la industria –ya regresaron desde Volver al Futuro hasta El Rey León, pasando por Top Gun, El Padrino, Scarface y algunas otras-, el mayor de los motivos de sus regresos está, fundamentalmente, en el advenimiento de las técnicas de remasterización y las proyecciones en DCP (en criollo: cine digital que soporta varias resoluciones, múltiples audios, formatos de imagen y diferentes capas de subtítulos). “Creo que la gente la va a poder ver mejor en DCP. Porque haciendo un negativo y luego un positivo, hay una perdida de una generación. El gran desarrollo tecnológico permitió que la película pueda ser restaurada”, agrega, a la sazón, Frey.
Esperando la Carroza llegará a los cines argentinos en un estreno bien federal: contando con unas 40 o 50 copias de exhibición. Para que esto sea posible, para que la película de Doria se vea mejor que nunca, un gran conjunto de personas puso su labor en el proyecto de restauración. “Primero, se hizo una pasada automática donde se borró lo más evidente. Después, se escaneó fotograma por fotograma y se retocó uno por uno. Luego se hizo un conformado, donde se editaron de nuevo todas las partes que trabajaron por separado. Desde mayo de este año que Cinecolor está en ello”, comenta la productora a propósito de la mejora en su calidad visual. “Si todo funciona bien, vamos a ver Esperando la Carroza mejor que la original”, añade.

El público posible No importa cuál sea su forma, pero cada vez que Esperando la Carroza dice presente, hay un emergente natural que completa su existencia: el público. Pocas son las películas que generan tantas emociones conjuntas en esa baulera amorfa llamada nostalgia. Y el largometraje de Doria, cuya historia es llevada adelante en forma notable por Antonio Gasalla en el rol de Mamá Cora, que tiene tanto de comedia como de drama (aunque, se sabe: la comedia es el drama más el tiempo), toca algunas fibras sensibles de un público que, en general, ya la vio pero que no titubea un segundo en repetir experiencia. “Es un misterio lo que pasará”, expone Diana Frey sobre su vuelta. “Va a ocurrir lo que tenga que ocurrir. Mi especulación es la siguiente: mucha gente no la vio en la sala. Y el fenómeno de verla allí es completamente distinto porque se genera una energía... es una fiesta popular. También, aunque parezca raro, hay gente que no la vio. El reestreno está dirigido a todos los que la vieron pero no en salas, a todos los que no la vieron y a todos los que quieran volver a verla”, completa la también productora de Cien veces no debo, otro de los hits criollos cargados en argentinidad, en un recorte que define un posible estado de situación ante el reestreno de este clásico del cine nac & pop.

La secuela que no fue Tal vez en el súmmum de aquel motor endeble que son las secuelas innecesarias, en el año 2009 se estrenó comercialmente una película llamada Esperando la Carroza 2 (sobre ella, Frey señala: “no quiero opinar de esa película porque no es nuestra”). Una continuación innecesaria que terminó más por fastidiar al público que por darle una nueva cuota de diversión. Sin embargo, esta película, que es más un indeseado spin-off que cualquier otra cosa, y que no guarda tanta relación con la original más que la aparición de algunos personajes y leves referencias narrativas, no fue la única intención de legar esa germinal historia de 1985. “Cuando terminamos Esperando la Carroza, se hizo una adaptación de Barbacoa (N. de redacción: obra de teatro de Jacobo Langsner, suerte de legado de la original). El problema era que no estaba viva Mamá Cora. En la obra de teatro original de Esperando la Carroza, Mamá Cora aparece sólo al principio y al final. Al haber hecho la adaptación cinematográfica, se generó una complicidad con el público. Siempre se sabe que está viva. En la versión para cine de Barbacoa, Mamá Cora por supuesto que no estaba pero Gasalla interpretaría a todos los invitados de una fiesta que tenía la familia. Fue Alejandro (Doria) quien dijo, hoy con la prueba de que estaba acertado, que no podíamos competir contra nosotros mismos, que dejáramos la primera para el recuerdo. Todo esto a sólo cinco meses de haberla estrenado”, rememora Frey sobre una secuela que no fue.

Reseña: Salvajes (2012)

MEDIO: Revista THC
FECHA: Octubre 2012
Reseña: Salvajes (2012)

Salvajes
Estados Unidos, 2012 / 131min.
Dirigida por OLIVER STONE
Pocas son las virtudes de aquel Oliver Stone notable de Pelotón, Nacido el 4 de Julio o JFK en Salvajes. Acá, una dupla de productores de marihuana (uno, biólogo; el otro, surfista –oh, ¡los clichés!-) se enfrentan contra un cartel que secuestra, sí, a su “novia compartida”. Salvajes, a la sazón, es una película sostenida en un trío amoroso (Taylor Kitsch, Aaron Johnson y Blake Lively). “Lo único que tienen en común, soy yo”, dice ella, vértice femenino de este amor. Uno donde, en rigor, nunca se da argumentación fehaciente como para creerles. Sin embargo, en Salvajes, adaptación del libro de Don Winslow, Stone se entromete en una historia del tipo Traffic -esa donde un presidente le planta guerra a las drogas, sólo para descubrir que su hija era adicta- pero en clave juvenil, en la que dos muchachos arriesgan sus vidas embistiendo contra todo en plan de rescatar a su chica. Del elenco de Salvajes, los “veteranos” se cortan solos: Benicio del Toro como subjefe del cartel, John Travolta como policía corrupto y Salma Hayek como madrina de la mafia. Los tres, a su modo, llenan los pasajes desperdiciados por vaivenes del guión y por el resto de la estructura del filme dignificando, apenas, un cuento violento. Y aún así, pese a contener aristas de fricción y ese otro trío de buenas actuaciones, el final, como el tridente protagónico, termina siendo más barato que polémico. / Hernán Panessi

Reseña: Evil Bong (2006)

MEDIO: Revista THC
FECHA: Octubre 2012
Reseña: Evil Bong (2006)

Evil Bong
Estados Unidos, 2006, 86min.
Dirigida por CHARLES BAND

Películas de fumones. Ese sub-género tan transitado por el cine norteamericano, cuyos destacados exponentes son las sagas de Cheech & Chong (antes) y las de Harold & Kumar (ahora), encuentra un nuevo caso para su filmografía de la mano de, precisamente, el mítico Tommy Chong. En Evil Bong, comedia liviana con algunos tintes terroríficos, un grupo de amigos compra una pipa de proporciones animales que, según advierte su publicación, utilizarla acarrea efectos secundarios severos. Al fumar de este evil bong, una nube psicodélica se apodera de las conciencias transportándolas a un harén de chicas sin sostén quienes, manejadas por una entidad paranormal, terminan por quedarse con la vida de los cautos cannábicos. Por eso, Alistar, el más despierto del convoy, descubre el chanchullo de la entidad maléfica y se entromete en ese mundo de alucinaciones para rescatar a sus amigos. El mencionado Chong hará las veces de habituado fumón que viene, también, a su modo, a salvar al mundo de las garras del mal. Aquí, Charles Band, veterano realizador y productor de filmes serie b (en una lista que contiene casi 40 largos como director y más de 250 en roles de producción -¡figuran desde Re-Animator a Tourist Trap!-), se despacha con una historia sencillita confeccionada para ser vista al calor de volutas de humo. / Hernán Panessi

Nota: Argo

MEDIO: Revista La Cosa
FECHA: Octubre 2012
Nota: Argo (01)
Nota: Argo (02)

Hace más de 20 años ocurrió un hecho que pedía pista: un agente liberó a unos rehenes haciéndose pasar por guionista. ¿Eh!? Ben Affleck encaró el proyecto y de eso salió Argo, su nueva película. Como la historia está atravesada por cuestiones nerdas, le pedimos al afín Hernán Panessi que nos desasne un poquito sobre qué va la cosa.

Desde una línea imaginaria que une a Steven Spielberg, Jack Kirby y Roger Zelazny con la CIA, unos rehenes en Irán y el flamante largometraje de Ben Affleck, la teoría del caos cobra más sentido cuando el (des)orden se impone desde vías improbables. Así, vale aclarar que Affleck estrena film. Que Affleck, asimismo, aquel actor cinco puntos que como director es casi un diez, toma la historia de una liberación, esa de seis estadounidense atrapados en la embajada canadiense durante la revolución de 1979 en Irán, y la convierte en ficción. Y es, también, sobre esta narración donde se posa la tríada de artistas mencionada al comienzo. Ahí, la CIA le encarga al agente Tony Méndez liberar a los rehenes. John Chambers, artista de maquillaje de la película basada en Lord of Light, cuya novela fue escrita por Roger Zelazny, que estaba a punto de rodarse, sugiere a Teherán –capital de Irán- como posible locación. Lo que no sabía el mundo es que Chambers y Méndez eran grandes colaboradores y, bajo esta excusa, el agente especial podría infiltrarse sin llamar la atención y rescatar a los capturados. El 25 de Enero de 1980, Mendez ingresó a Teherán como “consultor de guión”, utilizando el nombre de una falsa compañía –que durante su existencia fantasma recibió 26 proyectos ¡entre ellos uno de Spielberg!-. De esta forma, con el debido resguardo, los rehenes fueron liberados llevando consigo pósters dibujados por Jack Kirby. Aquí, este enredo que tenía consigo alma de película, finalmente, se convertiría en tal con dirección y protagónico de Affleck. Ese que, cada vez que puede, como en Desapareció una Noche (Gone Baby Gone, 2007) y Atracción Peligrosa (The Town, 2010), se lleva las palmadas de esa otra tríada difícil de conciliar: la industria, el público y la crítica. Factor hercúleo que lleva a mencionar, apenas estrenada, esa dulce palabrita llamada “Oscar”.

A favor de Ben Affleck y La Liga de la Justicia
Este año, la cosmogonía pop ya supo de “equipos de los sueños superheroicos” con Los Indestructibles (The Expendables 2, 2012) –por fuera de las historietas- y Los Vengadores (The Avengers, 2012) –de las entrañas comiqueriles-. Por eso, ahora, el gran anhelo fílmico de la compañía DC Comics es hacer la película de la Liga de la Justicia. Esa noticia, a la sazón, trajo apuntalado un fuerte rumor: la dirigiría Ben Affleck. Ciertos sectores de la prensa no especializada ven a esta supuesta asignación como un contraste imposible. Sin embargo, Affleck, para quienes conocen de su devenir y su probada espalda comiquera, se eleva como un candidato más que firme para suplir cualquier expectativa. Después de haber protagonizado Daredevil (2003), de rechazar una oferta para dirigir la nueva de Superman (Man of Steel, 2013), de su probada amistad con el oráculo nerd Kevin Smith (por caso, guionista habitual de Daredevil; uno de los tipos que más puso a Ben –por H o por B- en las primeras planas), de pronunciarse en más de una oportunidad como un gran fanático de los superhéroes y de aquel extraño carácter transitivo que llevó a involucrar a Jack Kirby con Argo (2012), Ben Affleck puede resultar un candidato más que interesante para llevar adelante tamaño proyecto. Entonces, desde estas páginas, nos ponemos firmes y lanzamos una campaña en apoyo ciego a Ben Affleck para que dirija (o bien protagonice) la película de La Liga de la Justicia.

Archivos no tan secretos: algunos casos de la CIA que terminaron siendo películas

La muerte del Che en Guerrilla (2008). Steven Soderbergh arremete sobre la figura del Che Guevara y señala con el dedo al Ejército Boliviano comandado por la CIA.

El asesinato de Kennedy en JFK (1991). En ella se examinan los eventos que llevaron al asesinato del presidente John F. Kennedy y su supuesto vínculo con la CIA.

La identidad revelada de Plame en Poder que Mata (Fair Game, 2010). La agente de la CIA Valerie Plame y la soltada de mano del gobierno de George W. Bush.

Seis Grados de Separación: De J-LO a Juego de Tronos

Jennifer López > Kevin Smith > Ben Affleck > Argo > Lord of Light > G.R.R. Martin

La teoría propuesta por Frigyes Karinthy, la de los Seis Grados de Separación, donde se intenta probar que cualquier persona en la Tierra puede estar conectada a otra a través de conocidos y tal, efectivamente funciona. De esta manera, el culo más grande de América Latina –no decimos cuál, ¿no?- sería contratado por Kevin Smith para protagonizar Padre Soltero (Jersey Girl, 2004). De ese rodaje, nacería el amor junto a Ben Affleck. Un romance mediático que llevó al ingenio popular a bautizarlos “Bennifer”, conjunción entre Ben y Jennifer, tema ampliamente explorado por el mencionado Smith en sus monólogos de An Evening with Kevin Smith (2002). Con el tiempo, Affleck iría dedicándose con solvencia a la dirección cinematográfica. Su último proyecto, Argo (2012), tiene inevitables referencias a la obra Lord of Light que, a su vez, cuenta con un epílogo de G.R.R. Martín, el mentor de la serie Juego de Tronos (Game of Thrones). ¡Ajám! ¿Vieron?

Reseña de Critters 2: El Plato Principal

MEDIO: 13º Festival Buenos Aires Rojo Sangre
FECHA: Octubre 2012
Reseña de Critters 2: El Plato Principal

Catálogo impreso

Critters 2: El plato principal

(Critters 2: The Main Course / Mick Garris, EUA-1988 / 93’)

Viernes 26, 20hs, Sala 6
Sábado 27, 14hs, Sala 6

Tras el éxito arrollador que significó Gremlins en 1986, no podía faltar su exploitaition primo hermano: Critters. En este caso, producto de la línea de sucedáneos y aventuras aparecidas a raíz de tal boom, la historia de Critters 2: El plato principal se posa pocos años después de la primer entrega. Al descubrimiento de nuevos monstruos se le suma el regreso de Brad Brown y sus cazarrecompensas, quienes brindarán batalla al ritmo de trepidante acción y mucho de comedia. Dirige Mick Garris que es, en rigor, uno de los grandes del cine de terror mundial y célebre, a su vez, por adaptar a Stephen King y crear la serie de TV Masters of Horror. (Hernán Panessi)

Reseña de The Human Race

MEDIO: 13º Festival Buenos Aires Rojo Sangre
FECHA: Octubre 2012
Reseña de The Human Race

Catálogo impreso

The Human Race
Paul Hough / EEUU – 2012 / 90´

Martes 30, 22hs, Sala 7
Miércoles 31, 16hs, Sala 7

Es sabido: el concepto de “lucha a muerte” es una constante en el mundo del cine. Y acá, en The Human Race, aquella entelequia se estira como un elástico –mortal, polémico, sangriento- trayéndonos una maratón (así, literal, pero tal vez no del modo en que se la imaginan) en donde setenta y nueve personas elegidas al azar se juegan la vida al ser obligados a competir entre sí. De esta manera, la película de Paul Hough, que ya la rompió en festivales con su corto The Angel, deviene en un grindhouse moderno, uno de bajo presupuesto pero muy ambicioso, donde la configuración del misterio se torna trepidante y el devenir de los personajes principales –los dos veteranos de la Guerra de Irak y los dos amigos con discapacidad auditiva- tiene momentos de alto riesgo, sujetos siempre a algunos vaivenes de moralidad y ética humana. Con giros a la ciencia ficción, The Human Race se presenta como el aporte de la independencia norteamericana a esa síntesis llamada, incluso por el tagline del film, como “Race or Die…” (corre o muere).

Hernán Panessi

Reseña de Little Monsters

MEDIO: 13º Festival Buenos Aires Rojo Sangre
FECHA: Octubre 2012
Reseña de Little Monsters

Little Monsters
David Schmoeller / EEUU – 2012 / 107´

Martes 30, 16hs, Sala 6
Miércoles 31, 22hs, Sala 6

Alguna vez, el mismísimo Alfred Hitchcock se arrepintió de hacer volar a aquel niño en la secuencia de la bomba en Sabotaje. En esa lógica de golpe bajo, John Carpenter asesinó a balazos a otra purreta en Asalto en el Precinto 13. Sin embargo, como es de suponerse, hay en esas muertes un factor shockeante, un mensaje de crudeza incomparable. Entonces, a la manera de El Petiso Orejudo y su historia mitificada en El Niño de Barro, David Schmoeller, recordadísimo por ser el responsable de gemas como Puppetmaster o Trampa para Turistas, se despacha con Little Monsters, una película repleta de oscuridades en donde dos niños de 10 años secuestran y matan a una nena de apenas 3. Condenados a vivir como delincuentes, a sus 18 primaveras vuelven a ser reinsertados en la sociedad con identidades falsas. Así, Schmoeller, después de una buena parva de cortometrajes entre los que se destacan Ha, Ha Horror y Thor at the Bus Stop, regresa con todo y se separa del terror clásico yendo por la senda del cine de asesinos juveniles. Una vuelta que hacía falta a través de un sub-género explotado más no tan glorificado.

Hernán Panessi

Anfitrión en la presentación de la novela "Letra Muerta", de Guillermo Bawden & Cezary Novek

MEDIO: Blog de Letra Muerta
FECHA: Octubre 2012
Anfitrión en la presentación de la novela "Letra Muerta", de Guillermo Bawden & Cezary Novek

Domingo 28, 19:30hs

Presentación de “Letra muerta”, de Guillermo Bawden & Cezary Novek, co-editado por Fan Ediciones y Llanto de Mudo Ediciones.

“Letra muerta” es una novela que nos presenta un apocalipsis zombie con una condición aterradora: no pasa en otro país, sino que transcurre en la provincia de Córdoba. Bawden y Novek son dos escritores cordobeses que iniciaron la aventura de muertos vivos en forma de blog, con entradas que reproducían los mensajes desesperados de dos grupos de sobrevivientes en localidades diferentes, que se comunican a través de una paloma mensajera con la esperanza de encontrar una mano salvadora, una explicación al desastre, o un disparo piadoso. A partir de esa premisa, desarrollaron la novela que presentamos. Se contará con la presencia de los autores. Invitado: Hernán Sáez. Anfitrión: Hernán Panessi.

Para ver más información sobre el Festival Buenos Aires Rojo Sangre, hacé click acá.

Mención en el elenco de Trash 2: Las Tetas de Ana L.

MEDIO: Sarna Cine
FECHA: Octubre 2012
Mención en el elenco de Trash 2: Las Tetas de Ana L.

Mención en entrevista a Alejandro Soifer

MEDIO: See Ya Brotha!
FECHA: Octubre 2012
Mención en entrevista a Alejandro Soifer

Entre otros aparecen: Durgan Nallar (ex jefe de redacción de XtremePC), Moki y Rolo (redactores estrella de la Xtreme…), Juan Del Compare (uno de los primeros roleros en la argentina), Federico Velasco (actualmente a cargo de Comiqueando), Andrés Accorsi (no necesita presentación), Sergio Marchi (editor de la vieja PC Juegos), el fundador de la Asociación Tolkien Argentina (ATA), Lucas Ferrero (comiquero extremo), Diego Doe (vendedor de action figures and stuff), José Luis Parada Sabio (coleccionista), la gente de la Rebel Legion y la 501 (las dos asociaciones oficiales de fans de Star Wars, por los Jedis y por los Sith), Hernán Panessi (una de las cabezas atrás de Videoflims, la distribuidora de cine bizarro), Axel Kuschevatzky y varios, varios más entre los que se incluyen nerds que viven de ser nerds, zombies de la Zombie Walk, etc.

Entrevista por VideoFlims, junto al actor Pablo Picotto

MEDIO: Hagamos un trato (Radio y Punto)
FECHA: Octubre 2012
Entrevista por VideoFlims, junto al actor Pablo Picotto

Entrevista a Germán Magariños por Goretech: Bienvenidos la Planeta Hijo de Puta

MEDIO: Radio UBA FM 87.9
FECHA: Septiembre 2012
Entrevista a Germán Magariños por Goretech: Bienvenidos la Planeta Hijo de Puta

Muhammad Ali y el cine

MEDIO: Cómo Robar el Mundo (Metro 95.1)
FECHA: Septiembre 2012
Muhammad Ali y el cine

Nos visitó en el piso Hernan Panessi, para contarnos de Alí en el cine, y de paso conquistó varias oyentes.

Rap y cine

MEDIO: Cómo Robar el Mundo (Metro 95.1)
FECHA: Septiembre 2012
Rap y cine

Charla del FEESALP 2012

MEDIO: Una puerta hacia el terror / Cine Fantástico y Bizarro
FECHA: Septiembre 2012
Charla del FEESALP 2012
Charla del FEESALP 2012 (link 2)

Para el sexto día asistí a una nueva charla de Contar(nos) en imágenes, esta ves con la presencia de Hernan Panessi, Luciano Aon y Marcos Vieytes, en donde mas se hablo fue sobre que rol cumple la critica dentro del cine y como influye eso en las películas. Un grande Hernan defendiendo el cine de genero fantástico.

Jurado del FEESALP 2012

MEDIO: Cinefreaks
FECHA: Septiembre 2012
Jurado del FEESALP 2012

El jurado integrado por Cynthia Sabat, Gabriel Fresta, Hernán Panessi, Matías Orta, Juan Pablo Russo, María Victoria Basile, Ulises Rodríguez, Flavio Mogetta, Esteban Gil García, Cesar Martín Díaz y Lisandro Gambarotta [...]

Entrevista a Sofía Mora, directora de La Hora de la Siesta

MEDIO: Centro de Arte Moderno
FECHA: Septiembre 2012
Entrevista a Sofía Mora, directora de La Hora de la Siesta (publicada originalmente en la web de Haciendo Cine)

Catálogo del FESAALP

MEDIO: Catálogo del FESAALP
FECHA: Septiembre 2012
Catálogo del FESAALP

Nota: La Araña Vampiro, con entrevista a Gabriel Medina y Martín Piroyansky

MEDIO: Revista La Cosa - Cine Fantástico
FECHA: Septiembre 2012
Nota: La Araña Vampiro, con entrevista a Gabriel Medina y Martín Piroyansky (01)
Nota: La Araña Vampiro, con entrevista a Gabriel Medina y Martín Piroyansky (02)

Terror. Buddy movie. Aventura. Ciencia ficción. Todas esas aristas, y muchas más, son las que conforman la síntesis descarada que hace a La Araña Vampiro, la nueva del director de Los Paranoicos. En vísperas de su estreno, para ilustrar de qué va el cuento, nuestro Hernán Panessi habló con su realizador, Gabriel Medina, y con su protagonista, Martín Piroyansky.

El advenimiento natural de directores que llegan para avivar el fuego sagrado y renovar el panorama local es una constante en nuestra cinematografía. Y hace cuatro años, con Los Paranoicos (2008), quedó claro que Gabriel Medina formaba parte de esa transformación generacional. Responsable, asimismo, de varios episodios de Algo Habrán Hecho (por la Historia Argentina), serie de documentales que narran de manera entretenida acontecimientos del país, y asistente en dirección de Pablo Trapero en El Bonaerense (2002), Medina suele celebrar y revisitar al cine de género.
Conjuntamente, en sus formas, se inscribe en una serie de homenajes a la literatura argentina; por ejemplo, a través del nombre del protagonista de Los Paranoicos, Luciano Gauna, que remite a Emilio Gauna de El Sueño de los Héroes, escrito por Adolfo Bioy Casares. Del mismo modo, reconoce en la literatura de Jack Kerouac la influencia sustancial para La Araña Vampiro, su última película. En particular, será Ángeles de la Desolación el que inspirara a enarbolar tal nueva historia. “Kerouac significó mucho en mi vida. Es como un gurú. Durante el rodaje, después de meditar, hablaba con Kerouac y le pedía que me mande ayuda desde el cosmos”, dijo el propio Medina a La Cosa. “Estas fantasías me ayudan. Cosas como creer que uno habla con gente muerta. Está bueno pensar que puede ser cierto, ¿no?”, agregó.
En la lógica cercana al terror psicológico, con La Araña Vampiro, Medina pone a un padre (Alejandro Awada) y a su hijo adolescente (Martín Piroyansky) en un viaje. Allí, se instalarán a una casa ubicada en un ámbito boscoso para pasar un tiempo juntos sin su madre. El muchacho, a su vez, sufrirá de constantes ataques de pánicos y, al parecer, ese sería el entorno ideal para su recuperación y para el reencuentro de aquella relación que se supone perdida. Durante la primera noche, el protagonista será picado por una araña y, a partir de ese momento, la historia tomará –en forma definitiva- otro rumbo. En el hospital local, le dirán que no es nada. No obstante, el brazo comenzará a infectársele. Así, unos baqueanos le sugerirán ser picado otra vez por una araña similar o morirá. Se iniciará, entonces, una larga travesía en la que el joven será acompañado por un alcohólico (Jorge Sesán) en una carrera contra el tiempo, donde el único remedio estará en confiar en su palabra o dejarse perecer. “Necesitaba alejarme de Los Paranoicos. Había dejado tanto en esa película, tanto de mi vida personal, de mi mundo, de mis conflictos, que me sentía vacío. Quería buscar dentro mío algo que me movilizara. Apareció esta historia, que tenía relación con mi adolescencia y mis miedos. A lo desconocido, al sexo, a la naturaleza, a las personas, el miedo como eje fundamental”, indicó Medina a propósito de la génesis de este filme, tomando como punto previo a su ópera prima.
Por su parte, el joven Martín Piroyansky (“tiene una cara cinematográfica”, diría su director sobre él) expresó a La Cosa que “la referencia que manejaba a la hora de construir el personaje era la película Winter’s Bone”, refiriéndose a Lazos de Sangre (Winter’s Bone, 2010), Gran Premio del Jurado en Sundance y cuatro nominaciones a los Óscar. “Fue un trabajo más bien en solitario. Gabriel sabe lo que quiere y es un buen líder”, señaló en relación a la composición de su personaje, aquella que lo llevó a ganar el premio como Mejor Actor en el BAFICI 2012. A su vez, Piroyansky siente que La Araña Vampiro no es, en rigor, una película de terror: “Es algo más en el medio. No creo que sea de género. Igual, fue bueno transitar ese estilo”.
Consultado sobre el aporte de este largometraje al cine fantaterrorífico argentino, Medina supo dar su particular sentencia: “Mis películas son una visión del mundo, pero no tienen una verdad. La verdad no existe y el que diga que la tiene, miente. La verdad es una búsqueda y eso es mi película, una búsqueda hacia el amor, una visión optimista que cree que la voluntad puede vencer al miedo y que la aventura exige una entrega que pueda cambiarte para siempre”. También, de este modo, su actor reconoció la experiencia de La Araña Vampiro como “muy buena” y, a la sazón, expuso lo siguiente: “creo que suma al cine argentino en su particularidad”.
La Araña Vampiro, por este entonces, encontrará su estreno comercial en las carteleras argentinas y, además, será proyectada en el 45º Sitges Film Festival y de ahí, claro, se desprenderá el gran deseo del director: “Espero dé la vuelta al mundo”. Después de Los Paranoicos y compartiendo contexto con películas como Topos (2012), Plaga Zombie: Revolución Tóxica (2012), Diablo (2011), La Memoria del Muerto (2012), entre otras, está probado que la renovación de nombres propios llegó y que el cine de género argentino, de aquí en adelante, y como esas notables obras literarias en las que muchos buscan inspiración, tiene quién lo escriba.

Reseña de Topos, de Emiliano Romero

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Septiembre 2012
Reseña de Topos, de Emiliano Romero (01)
Reseña de Topos, de Emiliano Romero (02) Versión online

Sangre, sudor y danzas

Se estrena una película sobre el encarnizado ascenso social de un hombre en un lugar donde, por natura, no pertenece. Emiliano Romero, con Topos, planteó una historia de ambiciones, traiciones y libertades apostadas en el concepto de “otredad”. | Por Hernán Panessi

Como una tromba, el cine fantástico argentino sigue, en forma paulatina, sin ningún tipo de pausa y con mucho de prisa, allanando su camino. Después de triunfantes experiencias tanto nacionales como internacionales, de Porto Alegre a Nueva York, de Río de Janeiro a Mar del Plata, llega a las carteleras nacionales el filme Topos -una suerte de distopía á la Underground o Delicatessen o Brazil- dirigido por Emiliano Romero. Aquí, como Los Morlocks del Universo Marvel o sus homónimos originales de La Máquina del Tiempo de H.G. Wells, un grupo de infrahumanos viven en una ciudad denigrada y subterránea. Uno de ellos, El Topo (Lautaro Delgado), un joven cuyo sueño es bailar alguna vez en la ciudad de la superficie se infiltra clandestinamente en un instituto de danza. Su padre intenta sumarlo a la guerrilla que busca luchar contra los poderosos que habitan arriba. Pese a sus deformidades y limitaciones, es aceptado en el instituto donde se hará de amigos y enemigos. Frente a las adversidades que irá encontrándose, El Topo aprenderá a pelear sin límites por sus sueños y lo hará, pase lo que pase, caiga quien caiga, sin mediar consecuencias. “Topos es una película muy teatral. Trabaja con la alegoría para tocar temas humanos súper profundos. Creo que el tono absurdo, el actor como línea principal, la clave casi grotesca de la película, todo está cargadísimo de teatro”, dijo Romero en entrevista exclusiva con HC. El largometraje, que cuenta con un sensible tratamiento de la otredad mediante la institucionalización constante de ese otro, por caso, está sostenido, fundamentalmente, mediante dos cuestiones elementales: las actuaciones y los escenarios, en un diálogo constante donde se funden y confunden. Pese a superponerse, se hacen uno. A propósito de esa fuerza premeditada, su director comentó: “Intentamos dar con una búsqueda estética barroca y darle un peso inmenso al trabajo actoral. Las escenas del guión están escritas con una descripción aproximada del espacio. Lo que nos limitaba era el bajo presupuesto, por eso tuvimos que reutilizar mucho material de algunas escenografías para armar nuevas”. Contando con un elenco de notables artistas como Leonor Manso, Gabriel Goity, Mauricio Dayub, Lautaro Delgado, Osqui Guzmán, entre otros, Romero tuvo que arreglárselas para lidiar con agendas diversas: “Lograr filmar con tantos actores de renombre fue muy difícil. Cada uno tenía sus horarios de filmación de televisión, o sus obras de teatro. Por eso el diseño de un buen plan de rodaje fue esencial”. Y en torno a dificultades varias, agregó: “Otra cosa muy incómoda fue que, por falta de dinero, tuvimos que armar las escenografías sin aberturas y variantes para poder meter la cámara. Entonces, el camarógrafo tenía que entrar arrastrándose como los actores, comerse el polvo del mundo de abajo y filmar muy incómodo”.
En cuanto a la realización y su devenir, Lautaro Delgado, con un impecable papel protagónico, con una transformación digna de Lon Chaney, fue el primer señalado para el casting de Topos. “Estuvo desde el principio, escribí el personaje para él”, expuso, pues, el responsable de unos 16 cortometrajes entre los que se destaca El Topo, de 2004, justamente, primer proyecto compartido junto con Lautaro Delgado. La película de Romero, que -mientras tanto- sigue girando por diversos certámenes, además de proyectarse en espacios de exhibición “habituales” como el Cine Gaumont, Artecinema, Cosmos o la nueva sala digital del Centro Cultural San Martín, abordará una red de exhibición alternativa haciendo base en el circuito contracultural del país. Así, espacios habitualmente cotidianos para el mundo de la poesía, la música o, mismo, del teatro serán pantalla para Topos. “En todos los lugares se va a pasar en HD porque la película lleva la pantalla y proyector adecuado para que siempre se vea increíble. Es un esfuerzo tremendo que estamos haciendo. Le queremos encontrar la vuelta a los inconvenientes del cine argentino”, sentencia el realizador quien, con hidalguía, se cargará al hombro una de las mayores problemáticas actuales de las películas medianas, pequeñas e independientes: el de la exhibición comercial. Luego de intentar aplicar a varios fondos sin mayor suerte y con un costo total de 2 millones de pesos, que contó con el aporte del INCAA –el filme clasificó por 2da vía, ya que Romero pudo presentarse él mismo como productor al tener estrenado un corto en 35mm llamado Cantautor, de 2005-, familiares, amigos e inversores varios, más el apoyo inestimable de una cámara Red One en calidad 4K cedida por la Universidad del Cine, Topos se destaca por su composición total, por el resultado final. Unos cinco años de trabajo más un buen puñado de colaboradores hicieron de la película un notable paso en alto para el cine fantástico nacional. “Es muy complicado categorizarla en un estilo de cine. Creo que no tiene un género definido. Cuando la concebimos siempre intenté seguir todas las corazonadas y no guardarme nada, nunca me censuré pensando que a algún espectador o crítico no le gustara”, señaló. Y, acá, con George Bataille & Federico Fellini & Jacques Aumont & Steven Spielberg, con teóricos y autores que lo sostienen en sus diversas franjas, la otredad se hace presente nuevamente. Para el caso, su categorización es muy clara de visionar: se hace ostensible cuando se entromete lo apocalíptico, cuando está en riesgo la cuestión humana y, sí, cuando hay uno que es ajeno a un otro, factor constante –como en Topos y su “ciencia ficción”- en las convenciones manifiestas del cine de género.
A la sazón, dadas las circunstancias coyunturales, con filmes afines ganando festivales, proyectándose en todo el universo, encontrando –por fin- consenso del periodismo especializado y el público, se entiende que el cine fantástico nacional está gozando de un buen presente. En consecuencia, a favor de su probada calidad y aún pese a la saludable diversidad que hay en la palestra, Topos se despliega como una de las grandes sorpresas del cine criollo en general. Más allá de los géneros cinematográficos. Más allá de las tribulaciones de lo imprevisto. Más allá de todo.

En contra de las películas de Resident Evil

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Septiembre 2012
En contra de las películas de Resident Evil

En contra de las películas videojugabilísticas
Tenía que pasar. En ese cosmos amorfo y sin dueño que es la cultura pop, las adaptaciones, mutaciones, transformaciones, reinvenciones y tal están a la orden del día. Así sucedió desde Super Mario Bros. hasta Silent Hill. Sí, las versiones cinematográficas del mundo de los videojuegos, es sabido, son moneda corriente. Y en una coyuntura consumista tendiente a la adoración por la figura del zombie, las películas de Resident Evil son un paso en falso. Es que estamos hablando, probablemente, de una de las mejores sagas gamers de toda la Historia. Y, claro, para estar a la altura, le hacen falta mucho más que cinco adaptaciones que no le forjan honor. Ni al zombie ni a la obra maestra de la compañía Capcom. Por caso, tres de ellas son dirigidas por el “Anderson malo” –en efecto: Paul W. S.; el bueno, Paul Thomas- con resultados, en sí mismo, inestables. Resident Evil –videojuego- se esgrime como referente máximo de un sub-género, hoy, harto explotado: el de muertos vivientes. Resident Evil –cine- no es más que la intervención de la máquina de picar carne que se pone en marcha, en rigor, para ganar dinero y dar alguna que otra vuelta de tuerca pero pierde, en consecuencia, identidad. A las claras: para que no vuelva a suceder, a riesgo que aparezca la película de Tetris, digamos “stop!” ahora que somos unos cuántos. O, como ya sucedió con Sucker Punch, vomitemos que “sentirse adentro de un fichín no es jugarlo”. Sino que, con la entrada, nos pasen unos joysticks. | Por Hernán Panessi

Los 7 Magníficos: Martín Mosca

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Septiembre 2012
Los 7 Magníficos: Martín Mosca

Volver al Futuro made in Argentina

Este es un momento saludable para las webseries independientes. A las ya conocidas Un Año Sin Televisión, Daemonium, Plaga Zombie: La Serie Animada y demás, se le suma Martín Mosca, dirigida por Mariano Cattaneo, responsable del filme de terror Incidente. Ahora, Cattaneo muestra su faceta más sci-fi contando las desventuras temporales del curioso antihéroe que le da nombre a la tira. Seguí sus episodios entrando a: www.martinmosca.com.ar

Los 7 Magníficos: Que la fuerza te acompañe

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Septiembre 2012
Los 7 Magníficos: Que la fuerza te acompañe

Que la Fuerza te Acompañe
Hacía falta un libro que acomode toda la historia evanescente de la nerdencia en Argentina. Por eso, el periodista Alejandro Soifer, él mismo un nerd autorizado, se encargó de documentar el devenir de un universo que, durante mucho tiempo, se mantuvo vedado pero que ahora, sin más, toma la posta de lo cool en la cultura de consumo. De la extinta Camelot Comics Store a las ídem convenciones Fantabaires, de la revista Irrompibles al cine de Emilio Disi, todo encuentra su cuota teórica en este primer gran documento nacional sobre las invasiones nerd, geek y friki.

Aparición en "Que la fuerza te acompañe", libro de Alejandro Soifer

MEDIO: Que la fuerza te acompañe, libro de Alejandro Soifer
FECHA: Agosto 2012
Aparición en "Que la fuerza te acompañe", libro de Alejandro Soifer (01)
Aparición en "Que la fuerza te acompañe", libro de Alejandro Soifer (02)
Aparición en "Que la fuerza te acompañe", libro de Alejandro Soifer (03)

Nota: Indie Game: The Movie

MEDIO: Revista Irrompibles
FECHA: Agosto 2012
Nota: Indie Game: The Movie (01)
Nota: Indie Game: The Movie (02)

Indie Game: The Movie (2012)
Por Hernán Panessi | @hernanpanessi

En búsqueda de la felicidad

Un documental que sigue las andanzas de algunos desarroladores de juegos independientes. Y que, al liberar esas obras, ellos mismos se entregan al mundo.

El mundo de los videojuegos tal vez empuje consigo, en su condición lúdica, uno de los mayores pre-conceptos favorables de todas las profesiones: lo que ahí acontece siempre es maravilloso. Para derribar esa teoría, para meternos en carne que los videojuegos tienen sus pormenores, emerge Indie Game: The Movie, donde -desde los márgenes- se construyen epopéyicas aventuras al ritmo de dos o tres pares de manos. Sí, porque no sólo Microsoft o Nintendo o EA son los que juegan en la industria. Ahora, de un tiempo a esta parte, cansados de trabajar para las grandes compañías o bien siguiendo sus propias voluntades artísticas y de cambio, han aparecido nuevos desarrolladores para patear el tablero de lo establecido. En Indie Game: The Movie, investigación dirigida por Lisanne Pajot y James Swirsky, se sigue la pista de algunos programadores de videojuegos independientes –correspondientes al Super Meat Boy, Bread y FEZ, aunque la entelequia refiere, acá, en rigor, a “proyectos autogestionados, fuera del espectro económico del mainstream: pocos actores, mucho el trabajo”, mucho más que a estos casos particulares-, en su lucha por realizarlos, lanzarlos, empatizar con la prensa especializada y gustarle a su público. Esta película le da rostro humano aquellos héroes –que paulatinamente son legión- de los que, a ciencia cierta, poco se sabe y mucho se habla. Ofrece una mirada única por sobre todos los sacrificios que deben pasar estos hombres orquesta, que al estar solos se tornan vulnerables a pequeños y funestos actos cotidianos –enfermedades, problemas edilicios, divorcios, dificultades económicas, discusiones a muerte y más dificultades económicas-, pero que, pese a ellos, encuentran su lugar en el mundo en aquel refugio que otorgan los videogames.
De forma fascinante, en su pasión por la perfección, los desarrolladores de los que se pone el foco, Jonathan Blow, Phil Fish, Edmund McMillen y Tommy Refenes, apuestan toda su energía en que el resultado sea agradable para los usuarios. La pulsión de vida volcada en unos bytes. Que más que bytes, son pura vida. (La analogía de Refenes y el estreno de su juego comparándolo con llevar a un hijo al primer día de colegio es maravillosa.) Así, se lo verá sudar la gota gorda a, entre otros, Phil Fish, creador del FEZ, una de las historias más cautivantes del documental, en una convención que reúne a millones de gamers en busca de probar novedades. El espectador descubrirá cómo es la vida dentro de la industria independiente, donde contemplar la posibilidad del fracaso es, cuanto menos, para esos niveles de autoexigencia, una tragedia griega.
Pese a su crudeza, se develará el porqué han elegido esas vías de expresión, tales formas de existencia, el cómo los ha afectado en su desarrollo social, emocional, físico y financiero. Plantea dilemas existenciales (-“¿Qué pasaría si fracasaras?”, -“Me suicidaría”, responde el intenso Fish), incluso barajando la posibilidad de estar insatisfechos con la vida que han elegido (“Voy a trabajar en el negocio de los autos. No, no quiero trabajar con autos. No quiero hacer nada”, dice Tommy Refenes, uno de los creadores del Super Meat Boy).
Estamos ante uno de los mejores documentales de videojuegos de los últimos años. Si el interés pasa por inmiscuirse sobre cuál es el detrás de escena de la industria independiente de los fichines, extrapolable a casi cualquier “industria independiente”, no pueden dejar de verlo. Lo interesante, aquí, también, es que se puede comprobar la evolución de los tres juegos presentados en el filme a través de sus páginas webs y redes sociales. Por caso, los tres –a su manera- se han convertido en históricos éxitos (de ventas, críticas, adeptos y tal). Y ese, a la sazón, no sin sonrisas, es su final feliz.

Indie Game: The Movie se consigue en Internet por $9,99 USD a través de su sitio oficial: http://www.indiegamethemovie.com/

Review de Comedians in Getting Coffee

MEDIO: Revista La Cosa - Cine Fantástico
FECHA: Agosto 2012
Review de Comedians in Getting Coffee

Comedians in Cars Getting Coffee
USA, 2012

DIRECCIÓN Y GUIÓN Jerry Seinfeld
DURACIÓN 13’
STATUS Crackle.com

RESULTA QUE El postulado es bastante simple: dos personas van a comprar café en auto. Se filma la charla. Beben y conversan. Créditos finales. Todo esto parecería sustancialmente austero de no ser porque quien maneja el coche es Jerry Seinfeld y quienes lo acompañan son algunos de los principales comediantes de la Historia.

¿QUÉ ONDA? De Larry David a Ricky Gervais, pasando por Alec Baldwin y Michael Richards, muchos serán los entrevistados por el mismísimo Jerry en situaciones informales que devienen, como en aquel recordado show sobre la nada, en algo especial. Y ese “algo”, a la sazón, puede convertirse en la mejor sitcom espontánea de toda la cosmogonía ciberespacial. Después de Curb Your Entusiasm, vuelve Jerry Seinfeld. Que, sí, nunca se fue, pero ahora, está en exclusiva para Internet, gratis, sin concesiones y con subtítulos.

¿QUÉ APRENDÍ CON ESTA SERIE? Con el probado talento de Seinfeld se puede hacer cualquier cosa. ¡Cualquiera, eh!

- Hernán Panessi

MIRALA SI TE GUSTÓ... Spoilers with Kevin Smith

Review de Max King Comics!

MEDIO: Revista La Cosa - Cine Fantástico
FECHA: Agosto 2012
Review de Max King Comics!

Max King Comics! #15
Argentina, 2010

GUIÓN Max King
DIBUJO Max King
EDITA MK Comics
PÁGINAS 50
PRECIO $7,00

RESULTA QUE Max King Comics! es un noble pasquín en blanco y negro con mucho humor, homenajes constantes al firmamento comiquero –de acá y de allá- y un puñado de héroes improbables de carne y hueso, como vos, como yo, como Diego Rodríguez, el joven protagonista del número 15.
¿QUÉ ONDA? Hay, detrás de Max King Comics!, un ejemplo de resistencia. Y no sólo de firmeza romántica, sino de sangre, sudor y lágrimas. El “cuándo” y el “cuánto”, a estas alturas, ya tienen trece años de inquebrantable justificación, de recorrer el under de punta a punta. Por otro lado, el “quién” le corresponde a Ariel Maskin, creador de “Argentineman” –proclamado “el primero superhéroe autóctono”-, y constante batallador del mundo de los fanzines en papel. Después de miles de convenciones de cómics encima, Maskin se emerge como uno de los bastiones de la contracultura nac & pop. Un ejemplo de tesón que la historieta argentina agradece.
¿QUÉ APRENDÍ CON ESTE CÓMIC? El universo subterráneo tiene fuertes exponentes.
- Hernán Panessi
LEELO SI TE GUSTÓ... Los fenómenos culturales alternativos

Nota: Fútbol (La Despedida & El Otro Fútbol)

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Agosto 2012
Nota: Fútbol (La Despedida & El Otro Fútbol) -versión online-

Amor por la camiseta

Si hay fútbol hay historias. Y si hay historias, habrá cine. Este es el cuento de dos películas sobre el mundo del deporte más bello del mundo y ésta, claro, es una nota sobre la sangre que corre por sus venas. Nada es lo mismo sin fútbol. Por Hernán Panessi

El fútbol, ese deporte donde dos equipos se baten a duelo en un campo de juego –que bien puede ser un césped en Londres o un terreno baldío en Gerli- y cuya naturaleza de acción es, a simple vista, sencilla: quien mete más goles, gana. Ése, el mismo deporte que, para algunos, puede ser un deporte pero para otros, a secas, la vida misma. Lo más bello de la existencia, el día a día, el pasado, presente y futuro de toda la especie humana. De acá y allá, de allá y más acá. Y, por caso, si hay algo que comparten notablemente La Despedida y El Otro Fútbol, feliz coincidencia en las carteleras del mes de Agosto, es un apego por la pasión, vista en su forma más primitiva, más pura y más humana. Porque el fútbol, y esa pelota, la linda, la revoltosa, contienen en sí mismo un carácter de espectacularidad pero más lo tienen de épico, de impoluto e imperecedero (y acá citamos al mejor filósofo del palo: “la pelota, la pelota no se mancha”). En La Despedida y El Otro Fútbol se chocan las pasiones. Hay un ángel detrás del “mundo fútbol” que, a la sazón, es su mayor virtud: lo inexplicable de su peso (a ver, ¿quién puede explicar la pasión y su razón?). Así lo transita a barlovento Jorge (Carlos Issa), el protagonista de La Despedida, quien, pese a problemas físicos graves, su propia voluntad lo empuja a seguir adelante por lo que ama. Y lo que ama, sí, es el fútbol. Por caso, se trata del mismo amor que comparten todos y cada uno de los protagonistas de El Otro Fútbol, donde hay quien dice que el romance verdadero está ahí, en el ascenso. Allí adonde, es sabido, se respira fidelidad, falta el dinero pero sobra pasión. Y el significante, quedó más que claro, siempre es la pasión.
Ambas, son más que películas de fútbol, son miradas particulares sobre algo que, a menos que se lo viva, son imposibles de comprender. Por eso, en El Otro Fútbol, que además de ser un documental dirigido por Federico Peretti es un bellísimo libro homónimo con prólogo de Alejandro Fabbri, no sorprende que un chofer de colectivos diga que, pese a vivir con el horario cambiado, lo que no cambiaría para nada es su vida. Y su vida, en rigor, es el fútbol. Jugarlo, mirarlo, sentirlo. Como esa falla cardiaca que tiene Jorge, el de La Despedida, ficción de Juan Manuel D’Emilio, que oculta hasta el hartazgo –pese a las peticiones de su mujer, aún a pesar del riesgo mortal que eso implica- para jugar el último partido de su vida. A propósito, hay un filme a reivindicar, pequeñito, muy poco difundido: El Último Hombre, una película facturada con vecinos y dirigida por Carlos Larrache que versa una temática similar. En La Despedida actúa Fernando “El Rifle” Pandolfi, ex jugador que entre 1993 y el 2000 defendió la camiseta de Vélez Sarsfield –en 1997 tuvo un breve paso por el Perugia italiano- y quien durante un año -2000 a 2001- militó en las filas del Boca Juniors de Carlos Bianchi. Y fue de aquel equipo que supo ser campeón de todo donde Pandolfi dijo: señores, no va más. En el súmmum de su carrera, a los 28 años, le decía adiós al fútbol. Entonces, acá, parte de su devenir, tendrá su correlato en Fede, el personaje que “El Rifle”, de sólida actuación, lleva adelante en la historia de D’Emilio. Y este Fede será quien sostenga emocionalmente el ocaso de Jorge pero que, de forma confesa, también vivirá el suyo: “nah, yo no sirvo para nada”, dirá, mientras se toma alguna birrita. Es que ellos, que supieron ser cracks, hoy hacen ¡crack! Sí, que las rodillas, que las lesiones, que los años, que los técnicos, que la mar en coche (o en casa rodante). Sin embargo, en su honestidad, hay un amor evanescente, una fraternidad para con el fútbol que deviene insoslayable –Pandolfi supura fútbol cuando habla y cuando calla; asimismo cuando canta- y esto hace que todo se torne genuino.
De la misma manera, de Ushuaia a La Quiaca, de Corrientes a San Juan, El Otro Fútbol pone en óptica todo el barrio, la improvisación, el sacrificio, los lugares inverosímiles, los personajes difíciles de encontrar y la certeza de poseer un privilegio que no se consigue: el fútbol siempre tiene algo para contar, y si esa historia viene del ascenso, seguro, se trata de un canto de cariño. De una cruza perfecta entre melodrama y acción –casi el postulado de las películas convencionalmente exitosas-. Y allí aparecen las canchas, otros de los protagonistas absolutos. Atlanta de Villa Crespo, Sarmiento de Junín, Kimberley de Mar del Plata, Victoriano Arenas de Valentín Alsina y tal. Y adentro, los jugadores. Hombres, héroes, leyendas vivientes. Unos de los responsables de que todo el encanto suceda. Magos naturales que hacen correr la pelota; y con ella, sueños, fantasías, anhelos. Así, para que lo más grande acontezca, sólo hacen falta dos cosas: algunos jugadores y una pelota. Porque, queda claro, el fútbol se juega dónde, cuándo y cómo se quiera. Para ello, sólo hace falta pasión.

Aparición esporádica por FanSci en TN Tecno

MEDIO: TN Tecno
FECHA: Agosto 2012
Aparición esporádica por FanSci en TN Tecno

Programa especial sobre "Nerds"

MEDIO: Lado H (Glitz TV)
FECHA: Agosto 2012
Programa especial sobre "Nerds"

Primera aparición en TV de Lucho's Big Adventure

MEDIO: Blog de Lucho's Big Adventure
FECHA: Agosto 2012
Primera aparición en TV de Lucho's Big Adventure

NUESTRA PRIMERA APARICIÓN EN TV SE VIÓ EN TODA LATINOAMÉRICA. It ain’t bullshit, muchachitos y muchachitas. En el programa LADO H del canal GLITZ, hablaron del fenómeno “nerd” (aparentemente estamos de moda) y, entre los ilustres nerds latinoaméricanos entrevistados, estaba nuestro productor, coordinador de prensa y actor de reparto, el -hoy en día famosísimo-, Hernán Panessi. Panessi, ni lento ni perezoso, habló de Lucho’s y además mostraron imágenes de nuestra película, aún de rodaje. ¿GROOVY, O NO? Y si te lo perdiste, ¡miratelo, ya!

El cine & Stephen King + The Expendables 2

MEDIO: Cómo robar el mundo (Radio Metro 95.1)
FECHA: Agosto 2012
El cine & Stephen King + The Expendables 2

Nota en TV: ¿Qué es ser nerd?

MEDIO: Desayuno Americano (América TV)
FECHA: Agosto 2012
¿Qué es ser nerd?

Mención entre los jurados del FESAALP

MEDIO: FESAALP (Festival de Cine Latinoamericano de La Plata)
FECHA: Agosto 2012
Mención entre los jurados del FESAALP

Frase sobre La Era del Rock

MEDIO: Haciendo Cine (versión online)
FECHA: Agosto 2012
Frase sobre La Era del Rock

La Era del Rock, de Adam Shankman (WB)

“La Era del Rock huele a Mamma Mía y This is Spinal Tap. O a: ¿qué pasaría si juntamos a esas dos y las mechamos en forma intensa con Casi famosos? El resultado, por caso, deviene delicioso”, palabras de Hernán Panessi en la crítica publicada en el número de agosto.

Se podrá ver en 26 pantallas.

Reseña de La Era del Rock

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Agosto 2012
Reseña de La Era del Rock

Después del rock

Un musical protagonizado por Tom Cruise, Alec Baldwin y Russell Brand dibuja la caricatura del estándar rockero y sus vaivenes. Con La Era del Rock, siempre que el pasado lo permita, el musical contemporáneo quiere dejar el gueto cinéfilo y convertirse en millones.
Por Hernán Panessi


En Retromanía: La adicción del pop a su propio pasado, el crítico musical británico Simon Reynolds señala que lo retro tiene un significado específico: refiere a un fetiche autoconsciente por la estilización de un período (en cuanto a música, ropa y diseño) que se expresa creativamente a través del pastiche. Y La Era del Rock, cuya mayor influencia es la de su propio pasado –un pasado que está ahí, que es su ahora-, huele a Mamma Mía –sí, gran filme- y a This is Spinal Tap. O a: ¿qué pasaría si juntamos a esas dos y la mechamos en forma intensa con Casi Famosos? Y el resultado, por caso, deviene delicioso. Es que, por ejemplo, uno de los protagonistas de esta película, dirigida por Adam Shankman, tal vez el coreógrafo más importante de toda la industria, es el siempre vigente Tom Cruise. Un Cruise maduro, recién separado de Katie Holmes, que, de parabienes, no se toma enserio y eso, a la sazón, se percibe. Su personaje, de nombre Stace Jaxx, en un tino que lo hace quedar tan goma que da risa, es una suerte de héroe clásico del rock. La mitificación de lo sexual en un tipo que no sólo está quemado, sino que quema vivo (las mujeres se le derriten; y él, lo más campante en su microcosmos genital). Y queda claro que ésta es una de esas películas que, como a Cruise, no hay que tomársela en serio. Hacerlo sería: a) faltarle el respeto, b) ser un idiota, c) faltarle el respeto y ser un idiota. Sucede que La Era del Rock está en línea directa con las comedias musicales de Broadway, tan ávidas para la parodia, a las cuales, sin ir más lejos, adapta desvergonzadamente: aquí aparece la obra homónima de Chris D’Arienzo, que aún sigue en actividad desde el 2005 y goza de plena salud.
En la historia, un chico, Drew (Diego Boneta), y una chica, Sherrie (Julianne Hough), ambos oriundos de pueblos pequeños, viajan al Sunset Street para cumplir sus sueños de triunfar en Hollywood. En medio, un legendario bar, regenteado por Dennis (Alec Baldwin) y Lonny (Rusell Brand), los toma como empleados bajo la promesa –luego incumplida- de “no ser cantantes”. Mientras luchan con unos gobernantes pretenciosos (Bryan Cranston y Catherine Zeta-Jones), contratan a Stacy Jaxx (el mencionado Cruise) para tener, allí, la mejor noche de sus vidas. Sin embargo, no todo sale como lo planeado y, para colmo, el polémico manager, Paul Gill (oh, san Paul Giamatti), se manda de las suyas. Este clima de acciones joviales se ve acompañado por un buen puñado de música ochentosa, esa que hace mover hasta la patita del más tímido. Así, aparecen desde Poison a Bon Jovi, pasando por Twisted Sister, Scorpions y Guns N’ Roses. Todo, sujeto bajo ese postulado de “si tanto lo anhelás, puedes conseguirlo”. Porque, hay que decirlo, los musicales fueron creados para animar a la gente en tiempos de crisis –los años dorados del género fueron durante el Crash del ’30 en los Estados Unidos- y, en épocas de poca factura creativa, el revival, el culto por lo añejo, aquí, termina siendo la mejor solución. Dicen que todo tiempo pasado fue mejor; y, si es cantado y concatenado en un cuento, dos veces bueno.

Nota sobre películas de fútbol (La Despedida y El Otro Fútbol)

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Septiembre 2012
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Nota sobre películas de fútbol (02)

Amor por la camiseta Si hay fútbol hay historias. Y si hay historias, habrá cine. Este es el cuento de dos películas sobre el mundo del deporte más bello del mundo y ésta, claro, es una nota sobre la sangre que corre por sus venas. Nada es lo mismo sin fútbol. Por Hernán Panessi

El fútbol, ese deporte donde dos equipos se baten a duelo en un campo de juego –que bien puede ser un césped en Londres o un terreno baldío en Gerli- y cuya naturaleza de acción es, a simple vista, sencilla: quien mete más goles, gana. Ése, el mismo deporte que, para algunos, puede ser un deporte pero para otros, a secas, la vida misma. Lo más bello de la existencia, el día a día, el pasado, presente y futuro de toda la especie humana. De acá y allá, de allá y más acá. Y, por caso, si hay algo que comparten notablemente La Despedida y El Otro Fútbol, feliz coincidencia en las carteleras del mes de Agosto, es un apego por la pasión, vista en su forma más primitiva, más pura y más humana. Porque el fútbol, y esa pelota, la linda, la revoltosa, contienen en sí mismo un carácter de espectacularidad pero más lo tienen de épico, de impoluto e imperecedero (y acá citamos al mejor filósofo del palo: “la pelota, la pelota no se mancha”). En La Despedida y El Otro Fútbol se chocan las pasiones. Hay un ángel detrás del “mundo fútbol” que, a la sazón, es su mayor virtud: lo inexplicable de su peso (a ver, ¿quién puede explicar la pasión y su razón?). Así lo transita a barlovento Jorge (Carlos Issa), el protagonista de La Despedida, quien, pese a problemas físicos graves, su propia voluntad lo empuja a seguir adelante por lo que ama. Y lo que ama, sí, es el fútbol. Por caso, se trata del mismo amor que comparten todos y cada uno de los protagonistas de El Otro Fútbol, donde hay quien dice que el romance verdadero está ahí, en el ascenso. Allí adonde, es sabido, se respira fidelidad, falta el dinero pero sobra pasión. Y el significante, quedó más que claro, siempre es la pasión.
Ambas, son más que películas de fútbol, son miradas particulares sobre algo que, a menos que se lo viva, son imposibles de comprender. Por eso, en El Otro Fútbol, que además de ser un documental dirigido por Federico Peretti es un bellísimo libro homónimo con prólogo de Alejandro Fabbri, no sorprende que un chofer de colectivos diga que, pese a vivir con el horario cambiado, lo que no cambiaría para nada es su vida. Y su vida, en rigor, es el fútbol. Jugarlo, mirarlo, sentirlo. Como esa falla cardiaca que tiene Jorge, el de La Despedida, ficción de Juan Manuel D’Emilio, que oculta hasta el hartazgo –pese a las peticiones de su mujer, aún a pesar del riesgo mortal que eso implica- para jugar el último partido de su vida. A propósito, hay un filme a reivindicar, pequeñito, muy poco difundido: El Último Hombre, una película facturada con vecinos y dirigida por Carlos Larrache que versa una temática similar. En La Despedida actúa Fernando “El Rifle” Pandolfi, ex jugador que entre 1993 y el 2000 defendió la camiseta de Vélez Sarsfield –en 1997 tuvo un breve paso por el Perugia italiano- y quien durante un año -2000 a 2001- militó en las filas del Boca Juniors de Carlos Bianchi. Y fue de aquel equipo que supo ser campeón de todo donde Pandolfi dijo: señores, no va más. En el súmmum de su carrera, a los 28 años, le decía adiós al fútbol. Entonces, acá, parte de su devenir, tendrá su correlato en Fede, el personaje que “El Rifle”, de sólida actuación, lleva adelante en la historia de D’Emilio. Y este Fede será quien sostenga emocionalmente el ocaso de Jorge pero que, de forma confesa, también vivirá el suyo: “nah, yo no sirvo para nada”, dirá, mientras se toma alguna birrita. Es que ellos, que supieron ser cracks, hoy hacen ¡crack! Sí, que las rodillas, que las lesiones, que los años, que los técnicos, que la mar en coche (o en casa rodante). Sin embargo, en su honestidad, hay un amor evanescente, una fraternidad para con el fútbol que deviene insoslayable –Pandolfi supura fútbol cuando habla y cuando calla; asimismo cuando canta- y esto hace que todo se torne genuino.
De la misma manera, de Ushuaia a La Quiaca, de Corrientes a San Juan, El Otro Fútbol pone en óptica todo el barrio, la improvisación, el sacrificio, los lugares inverosímiles, los personajes difíciles de encontrar y la certeza de poseer un privilegio que no se consigue: el fútbol siempre tiene algo para contar, y si esa historia viene del ascenso, seguro, se trata de un canto de cariño. De una cruza perfecta entre melodrama y acción –casi el postulado de las películas convencionalmente exitosas-. Y allí aparecen las canchas, otros de los protagonistas absolutos. Atlanta de Villa Crespo, Sarmiento de Junín, Kimberley de Mar del Plata, Victoriano Arenas de Valentín Alsina y tal. Y adentro, los jugadores. Hombres, héroes, leyendas vivientes. Unos de los responsables de que todo el encanto suceda. Magos naturales que hacen correr la pelota; y con ella, sueños, fantasías, anhelos. Así, para que lo más grande acontezca, sólo hacen falta dos cosas: algunos jugadores y una pelota. Porque, queda claro, el fútbol se juega dónde, cuándo y cómo se quiera. Para ello, sólo hace falta pasión.

Reseña El Sol, de Ayar Blasco (01)

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Septiembre 2012
Reseña El Sol, de Ayar Blasco (01)
Reseña El Sol, de Ayar Blasco (02)

Poemas de la última noche de la Tierra

El creador de Mercano, el Marciano, Ayar Blasco, vuelve con una película a tono con su historia. La apocalíptica El Sol, tal es su nombre, después de pasear por festivales del mundo, se estrena finalmente en malba.cine. Por Hernán Panessi

¿Será el postulado de hacer lo primero que se le viene a la mente? Ojo que además puede ser lo delirante de toda su obra antecedente, ¿no? ¿O será, esta vez, el casting psicotrónico? También, acaso, acá deviene la hipótesis que luce más acertada, su voluntad, parte fundamental del cuento, podría entenderse como la libertad artística de hacer aquello que quiera sin pretensiones, más que las de estar conforme consigo mismo. Y eso, en brazos de Ayar Blasco, responsable de Mercano, el Marciano y de la webserie Chimiboga, habla de una sinceridad y una coherencia histórica para con su obra: “Muchos me dicen que se van a fumar unos porros antes de ver mi película”, desliza el realizador en entrevista exclusiva con Haciendo Cine.
El Sol, por caso, su último filme animado, sigue la tónica extravagante de su filmografía previa: la destrucción de la civilización genera que unos pocos sobrevivientes se aglutinen en barrios aislados para intentar, así, recomponer alguna forma de sociedad. Y esto ocasiona que, también, por deformación, otros se dediquen al canibalismo. En medio, nuevamente, el delirio, la desproporción y el rigor por las locuras: emergerán unas papas radioactivas, un mimo tan dramático como sórdido, un político puteador –cuya voz no podía ser otra que la del Dr. Tangalanga- y unos antihéroes descartables.
En el elenco, siempre afin a sus pretensiones artísticas, están desde Sofía Gala Castiglione hasta Divina Gloria, pasando por Martín Piroyansky, Jorge Sesán, Luciana Condito (N. de redacción: sí, la hija del distribuidor Pascual Condito) y el Dr. Tangalanga. “Mi productora Jimena Monteoliva (N. de redacción II: también productora de la flamante Pompeya, de Tamae Garateguy) se encargó de conseguirme los actores. Yo había pensado en Sofía Gala y Jorge Sesán desde un principio. Se parecen bastante a dos amigos que tengo y me alegró verlos entusiasmados con el proyecto. Fue un placer laburar con ellos. Al reparto se sumó Divina Gloria, que tambien me cerró mucho con el personaje y es una actriz excelente. También grabó Martin Piroyanski, despues de haberlo conocido en el rodaje de Cara de Queso, donde resultó que era un habitual seguidor de las animaciones de mi site (N. de redacción III: www.chimiboga.com). Y por último, se sumó El Dr. Tangalanga”. Sobre la aparición en el cast del popular bromista telefónico, Blasco señaló que: “esta pelicula es su debut como actor, y la verdad es increíble cómo trabajó. Tuve que adaptar el guión a todo lo que improvisaron, en especial a él. Su condicion para estar en El Sol, era que se puedan decir malas palabras. Demás esta decir que acepté”.
La película, que pasó por Fantaspoa (Brasil), Varsovia (Polonia), La Habana (Cuba), PIFAN (Corea), Rotterdam (Holanda), Fantasia (Canadá) y, aquí, estuvo en BAFICI y el work in progress de Mar del Plata, donde ha juntado un merecido prestigio, viene realizándose desde el año 2007. “Hemos tardado bastante, porque somos un equipo de animación independiente. Sumado a esto, muchas distracciones mías con el Facebook, por ejemplo. Mi idea era hacer lo que se me venga a la mente, no importa si por momentos carecía de sentido”, dijo Ayar B., quien para Mercano, el Marciano, su ópera prima que realizó junto con Juan Antín, contó con un grupo de 50 personas trabajando en el proyecto; y en El Sol, mucho tiempo después, con solamente unas 7. “La temática es futurista, post apocaliptica. Tipo Mad Max, pero en joda. He escuchado que la comparan con South Park porque son dibujos mal hechos, pero mi peli no es cómica, no es una película hilarante. Es graciosa a ratos por los actores, o las situaciones absurdas, pero no es una comedia”, apunta. Y sorprende con la siguiente sentencia: “Tiene momentos que no puedo explicar, y claramente no está pensada para divertir”. Pese a ello, Ayar B. se sabe divertido. Entiende bien que, en estos momentos, se convirtió en uno de los tipos más graciosos del cine nacional. Y así lo remarcó, por ejemplo, con Plaga Zombie: La serie animada, donde los personajes de FARSA Producciones deambulan en un nuevo –aunque pretendidamente conocido- universo, pero bañados, eso sí, en ácido lisérgico y secados al calor del humo cannábico.
A la sazón, atravesando los 72 minutos animados de El Sol, el largometraje irá devolviendo una batería de chistes químicos que, anclados en su misma falta de coherencia, atropellarán duro contra la moral de los puritanos y, en consecuencia, con las visiones más puristas del cine de animación. “Pienso que es posible que resulte un poco ofensiva para los animadores o la gente que disfruta del arte de la animacion. Supongo está mas cerca del cine con actores o de la historieta en todo caso”, dice sobre las reacciones que genera en el espectador. Reacciones que, potenciadas con el primer comentario del director, pueden devenir en súmamente ocurrentes.

Reseña de Justice - New Lands, clip de Canadá

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Agosto 2012
Reseña de Justice - New Lands, clip de Canadá

¡Viva los clips!
Afincados en Barcelona, tres directores del mundo del cine, la publicidad y el videoclip, Nicolás Méndez, Luis Cerveró y Lope Serrano, se han juntado en 2008 para dar forma a la productora con más stylish del momento: Canadá. En pleno revival de los videos, ya rompieron todo con ese collage que venía con olorcito a Carl Sagan llamado “Bombay”, de El Guincho, y ahora se despachan, ya siendo unos Clase A a punto de hacer definitivamente ¡boom!, con “New Lands”, de Justice (¡esos lentflares no pueden ser!). Porque, sí, la mejor película del 2012 vino en 1080p HD en formato videoclip. Conocelos en: http://www.lawebdecanada.com/ y mirá “New Lands”, acá: http://www.youtube.com/user/RedBullMusic

Entrevista en INFOnews: Adultescentes o Kidults

MEDIO: INFOnews
FECHA: Agosto 2012
Entrevista en INFONews: Adultescentes o Kidults

Hernán Panessi tiene 25 años y es un adultescente confeso aunque él prefiere denominarse ‘nerd’. “Compro casi cualquier objeto que tenga que ver con la cultura pop: DVD’s, VHS’s, vinilos, cómics, discos, libros, videojuegos y, claro, muñecos. Derivados, sí, de todos los anteriores”.

Periodista especializado en cine de género, Panessi afirma a INFOnews: “Vivo sin culpas e, incluso, ahora que el contexto ayuda, me vanaglorio. Desde aquel Rambo que me regaló mi madre a los 3 años hasta el Ken de Street Fighter II que compré azarosamente hace unos días, todos conviven y persisten en mi colección sin predilección por lo individual. Tengo una devoción por los objetos –siempre seriados; nada artesanal es de mi agrado- de la cultura pop y los muñecos, a la sazón, son una buena síntesis de ella. Soy un absoluto fetichista de las cosas”.

Mención de la entrevista en Revista Anfibia

MEDIO: Lado B (Puebla, México)
FECHA: Agosto 2012
Mención de la entrevista en Revista Anfibia

Lea aquí la crónica publicada en Revista Anfibia, de un tipo que desde que tiene conciencia anota todas las películas que ve en una libreta con abecedario. Cuando dice todas son todas: “hay películas de cine shampoo de sábado a la tarde y otras que vi en viajes en colectivo. No falta ninguna”.

Mención de la gacetilla sobre Te Creís la más linda... (pero erís la más puta)

MEDIO: Couchsurfing.org
FECHA: Agosto 2012
Mención de la gacetilla sobre Te Creís la más linda... (pero erís la más puta)

Saludos de Fabiana Servilha ao vivo en la televisión brasilera

MEDIO: Tah Ligado (All TV, Brasil)
FECHA: Agosto 2012
Saludos de Fabiana Servilha ao vivo en la televisión brasilera

Agradecimiento en el catálogo de La Nave de los Sueños

MEDIO: Catálogo de La Nave de los Sueños
FECHA: Julio 2012
Agradecimiento

Jornada: Contar (nos) con imágenes: Un diálogo entre la crítica, la sociedad y los relatos

MEDIO: Festival de Cine Latinoamericano de La Plata
FECHA: Agosto 2012
Jornada: Contar (nos) con imágenes: Un diálogo entre la crítica, la sociedad y los relatos

CONTAR (NOS) EN IMÁGENES 1: UN DIALÓGO ENTRE LA CRÍTICA, LA SOCIEDAD Y LOS RELATOS.

Coordina: Luciana Aon

EJES:

La crítica hoy en Argentina;
Puntos fuertes del cine argentino contemporaneo;
Diálogos posibles entre cine argentino, sociedad y crítica;
Cine argentino: producción / exhibición.


INVITADOS:

Gonzalo Aguilar - Fernando Enrique Juan Lima - Marcos Vieytes - Hernan Panessi

Jurado de la crítica de cine en FESAALP 2012

MEDIO: Festival de Cine Latinoamericano de La Plata
FECHA: Agosto 2012
Jurado de la crítica de cine en FESAALP 2012

Hernán Panessi
Licenciado en Relaciones Públicas por la Universidad John F. Kennedy y periodista cinematográfico en las revistas Haciendo Cine, La Cosa y THC. Co-director de la distribuidora VideoFlims Distribución. Actualmente se encuentra escribiendo Pornopedia: El porno argentino al desnudo (Editorial Fan Ediciones, 2013), un libro acerca de la historia del género pornográfico en Argentina. Programador del Festival Mil Gritos, de Punta Alta, y coordinador del catálogo del Festival Buenos Aires Rojo Sangre.

Mención de la reseña sobre Operación Cannabis en "Muestra de Cine en San Nicolás"

MEDIO: Centro Cultural Rumbo (San Nicolás)
FECHA: Agosto 2012
Mención de la reseña sobre Operación Cannabis en "Muestra de Cine en San Nicolás"