MEDIO: Taringa!
FECHA: Junio 2013
Levantaron mi nota sobre cartoons lisérgicos en Taringa!
Stoner animado para el Suple No en Taringa!
Presentación del libro Encerrados toda la noche, el cine de John Carpenter
MEDIO: Blog de Encerrados toda la noche
FECHA: Junio 2013
La entrada al blog, acá.
El sábado 15 de junio, en el marco de la 7ª edición de FanSci, tendrá lugar la nueva presentación del libro Encerrados toda la noche: el cine de John Carpenter. Allí estará el autor, Matías Orta, junto al periodista Hernán Panessi. La charla estará centrada en John Carpenter y la ciencia-ficción.
El evento se llevará a cabo a las 13 hs., en el Centro Cultural Galicia (Bartolomé Mitre 2552, CABA).
Además, habrá ejemplares a la venta, al precio promocional de $60 y con posibilidades de llevarse firma de Matías.
Los esperamos. Obey.
Entrevista a los japoneses de Distant Worlds
Entrevisté a los Distant Worlds, los hacedores de la banda sonora de los Final Fantasy, para el Suple No.
| Por Hernán Panessi
Curioso es el caso de Distant Worlds, orquesta sinfónica
compositora de bandas sonoras de videojuegos. ¿De cuáles? Fundamentalmente, de
la serie Final Fantasy. Por eso, en el marco de su gira mundial que los
llevó por Europa, América del Norte, Asia y Australia, este jueves 20 de junio
a las 21Hs, en el Teatro Gran Rex, darán un concierto multimedia llamado Distant
Worlds: Music from Final Fantasy.
“Los fans de
Distant Worls son, sin dudas, fanáticos de los videojuegos. Y tienen una verdadera
pasión por Final Fantasy más que por cualquier otro”, dice Nobuo
Uematsu, compositor principal de la música de la saga, al NO. Final
Fantasy, claro, es una franquicia de videojuegos de rol en plan fantástico
vigente desde el año 1987. Aquella primera versión, que hoy es leyenda, salió
para la vieja y conocida Nintendo 8bits, esa misma que por acá se conoció como
Family Game, ¿se acuerdan? Por lo demás, su última edición, anunciada para las
consolas de vanguardia PlayStation 4 y Xbox One, es la XV. El dato: aún no
tiene fecha confirmada de lanzamiento.
Y es Final Fantasy una saga que arrastra miles y
miles de seguidores. “La audiencia llora cada vez que escucha sus canciones
favoritas”, señala Uematsu. Se sabe: entre los seguidores de Distant Worlds, hay
muchos fanáticos del animé, los mangas, los cosplays y las expresiones
japonesas en general. Y aquí, entonces, la combinación de artes hace sólido un
espectáculo que promete nostalgia, emoción y muchísima pero muchísima
nerdencia.
La dirección del show –ese que tendrá una orquesta
sinfónica, coro y solistas vocales e instrumentales de renombre- correrá por
parte de Arnie Roth, un conocido compositor de música de fichines, ganador de
un Grammy. Roth: “Creo que es útil para las bandas sonoras de videojuegos tener
un trasfondo amplio, influidos por muchos géneros y estilos”. Y este trabajo
tan cuidado, a su vez, devuelve una fidelidad inusitada en sus jugadores. “Esta
música trae de vuelta momentos especiales de su vida, del crecer o, asimismo,
de ciertas relaciones especiales”, apunta Uematsu. Y el maridaje de bandas
sonoras y games llega al súmmum máximo con Distant Worlds, la orquesta que hizo
carrera componiendo música para jueguitos.Cartoons lisérgicos, dibujitos animados para fumones
Escribí una nota extensa -que fue tapa del NO- sobre dibujitos animados para fumones.
Algo pasó, de un tiempo a esta parte,
con el mundo de los dibujitos animados. Las nuevas generaciones de cartoons se
cayeron, como Astérix el Galo, en una olla repleta de poción mágica que bien
podría ser ácido lisérgico. Y en un tendal que une a Ren & Stimpy
con Hora de Aventura, el público objetivo de este tipo de productos
devino, sobre todo, en adolescentes barbudos y adultos criados a fuerza de
rayos catódicos. Hoy, son furor entre los grandes y chicos los cartoons
lisérgicos. ¿Qué son? ¿De dónde vienen? ¿Hacia dónde van? Y la respuesta más
aproximada probablemente esté en el consumo germinal de quienes ahora son
formadores de opinión: las nacidos entre los ochenta y noventa. Por cierto, las
mediciones de audiencia en Estados Unidos muestran que el mayor público del
canal Cartoon Network está en la franja de entre 18 y 39 años. En nuestro país,
aquellos jóvenes cultores de la revista Lazer, el Club del Anime, las consolas
de videojuegos y las tardes de Magic Kids son, por este entonces, quienes
mueven el pulso de los medios masivos de comunicación y, principalmente, de esa
gran máquina replicadora que es Internet.
Y la lisergia, por caso, tiene
distintas arterias de acceso: mientras los más chicos se prenden del estallido
de colores y de los guiones sin sentido; los grandes se enganchan con las
referencias poperas, triperas y descerebradas. Los cereales con leche y las
volutas de humo acompañan las mañanas, tardes y noches de los espectadores. Las
referencias retro, los ganchos generacionales y los roces con ciertos
menesteres de la adultez -edulcorados a puro ¡crack!, ¡bang!, ¡boom!- son
algunas de sus mejores armas. También, el apelo a la nostalgia e, incluso, la
nostalgia-de-lo-no-vivido termina siendo un factor cautivante. Así, de esta
manera, y de muchas otras más, la resonancia extraña de las modas, sumado a la
presión social del hipsterismo moderno, catapultó a Hora de Aventura
hacia el espacio sideral convirtiéndolo en el referente natural de los cartoons
stoner. Entonces, muchos tópicos de alto voltaje quedan camuflados bajo un
manto de delirio y cultura pop. ¿Y la censura? Como siempre: actúa, corta,
cancela y dispara. No obstante, la figura del adultescente –tan presente en
estos tiempos, tan cosmogonía Judd Apatow- sujeta las velas de los dibujitos
pensados para adultos. Que le gustan a los chicos. Que le gustan a los grandes.
Que le gustan a todos.
Los orígenes
El primer ladrillo del cuento lo puso
Ralph Bakshi en 1972 con El Gato Fritz, aquella película de animación
basada en un comic de Robert Crumb. Ahí, un felino antropomórfico exploraba
algunos ideales hedonistas. Y se cogía a todo lo que se movía. Por su parte, la
Warner Bros, con el conejo Bugs Bunny a la cabeza, sirvió como colador de ideas
adultas: referencias políticas, sexuales, sociales, humor negro. Dos cositas:
ver el episodio “Rabbit of Seville”, donde Elmer el cazador se vestía de mujer
para casarse con Bugs y, también, buscar en YouTube “Herr Metes Hare” para
toparse con el conejo más famoso de todos lookeado de Joseph Stalin.
Asimismo, en la década del ochenta se
dio una explosión de los colores como estética: Los Ositos Cariñosos, Mi
Pequeño Pony y Rainbow Bright. Arco iris, arco iris y arco iris.
Referencias homosexuales, psicodelia y un crisol de colores intensos,
caleidoscópicos, como surgidos de un cartoncito de LSD. De más está mencionar
toda esa mitología curiosa que existe alrededor de Los Pitufos. Aquella
que va desde la magia negra y el oscurantismo medieval hasta el comunismo y las
representaciones del mal. Por eso, la que sí va, es señalar a JEM and the
Holograms, recogida como icono pop casi treinta años después de su estreno
en televisión. Remeras con su rostro acompañan las pieles de señoritas de
Palermo. Es que sujeto a esa misma lógica, han vuelto los ochenta en forma de
consumismo pop. Según el crítico británico Simon Reynolds en Retromanía: La
adicción del pop a su propio pasado: “Vivimos en una era del pop que se ha
vuelto loca por lo retro y fanática de la conmemoración”. ¿Y los cartoons
lisérgicos? Meramente inspiracionales, casi de consumo irónico.
Años 90
Fue éste el período de mayor explosión
de los cartoons lisérgicos. La casa madre Cartoon Network, que este año sopla
veinte velitas, revolucionaría el mundo de los dibujos animados a través de
Genndy Tartakovsky -el creador de El Laboratorio de Dexter-, Craig
McCracken -Las Chicas Superpoderosas- y Van Partible –Johnny Bravo-.
A esa tríada de realizadores se le sumaría más tarde John R. Dilworth, con Coraje,
el Perro Cobarde. Y estas serían épocas fundamentales para la incorporación
definitiva del adulto frente a canales que se presuponen infantiles. La
masificación y democratización del videocable pondría en el eje a todos estos
productos vistos desde una óptica lúdica. Incluso, dice la leyenda que Craig Mc
Cracken dibujó por primera vez a Las Chicas Superpoderosas pensándolas
para que fueran “un éxito entre universitarios veinteañeros que fuman
marihuana”. Dicho y hecho. A propósito, Pablo Zuccarino, gerente de
programación de Cartoon Network, dice: “En el caso de Cartoon Network, nuestra
programación resuena en esos adultos que disfrutan de nuestra personalidad y
conectan con valores que integran el ADN de Cartoon Network, como la frescura,
el humor, la audacia, esa capacidad de tener una mirada fresca sobre las cosas,
de preguntárselas como lo hace un niño”.
Sin embargo, sería Ren & Stimpy
el dibujo encargado de plantar la semilla, sembrar el cultivo y fumarse todos
los antecedentes para la existencia de programas venideros. Y pese que ahora no
están –tanto- en el aire y la semántica del recuerdo siempre tira para donde le
parece, existe Internet para revivir aquellos mocos, pedos y tostadas en polvo
tan características de John Kricfalusi, su creador. El dato es que en 1996, el
canal Nickelodeon canceló el show por baja audiencia infantil, ya que la
mayoría de los seguidores eran adolescentes y adultos. ¿Cuál era el gancho que
los seducía? El humor corrosivo, lo grotesco, lo satírico y lo violento. Así
las cosas, todos los palos a la cultura basura norteamericana hicieron de Ren
& Stimpy un programa de culto. Comentan los más conservadores que
incitaba al desaseo y el asco. Lo interesante: uno de sus personajes más
recordados es Olorín, una flatulencia que tomaba vida.
Y en la misma vereda que Ren &
Stimpy caminaba La vida moderna de Rocko, uno de los primeros
Nicktoons (caricaturas producidas por Nickelodeon Animation Studios). Esta tira
fue, a su vez, el germen para la existencia de Bob Esponja, ya que en
ambas producciones trabajó el animador Stephen Hillenburg y hasta pueden verse
paralelismos entre sus personajes y devenires. En La vida moderna de Rocko,
otro de los súmmum del cartoon lisérgico, Rocko, el wallaby australiano del
título, vive aventuras deformes junto a sus amigos. Nunca faltarán las insinuaciones
sexuales, los testículos, los pezones y los pechos. Tampoco las parodias a
ciertos gestos sociales. Por aquello, se convirtieron en furor vía Nick at
Nite, la sección nocturna de Nickelodeon. Por consiguiente, a la sazón, quienes
degluten este tipo de animaciones lo recuerdan con una mueca de cariño.
Los 2000
Y aquí, La Gran Bestia Pop se llama Bob
y es una Esponja.
Aquel, sin dudas, generó un antes y un después. Introdujo de un roscazo el
concepto de lisergia tierna. Y Bob Esponja, sabemos, transita un
humor diferente, radicalmente efectivo: es ñoño sin serlo. Convertido a la fama
mundial, supo también saborear las mieles del fracaso: fue levantado de
Nickelodeon en el año 1999. Aunque, al año siguiente, metería picos de más de
10 millones de espectadores por emisión. Sí, grandes y chicos. Y como el mundo
opera con dualidades, la vereda de Cartoon Network paró a Mansión foster
para amigos imaginarios en la senda de la droguita naif: unos pibes
–que podrían ser cualquier sobrinito, cualquier hijito, cualquier vecinito,
cualquier huevón- imaginan un mundo donde unos monstruos imaginarios toman
vida. Sin lo rutilante de la esponjita amarilla, la estrellita rosada y la
ardillita inteligente, Mac y Bloo le ponen el pecho a la ternura narcótica de
una amistad imaginaria.
Y existen, claro, los anclajes locales.
Hubo, por esos años, incluso en nuestro país, algún atisbo en realización:
“Nosotros tuvimos a Alejo y Valentina que, desde el feísmo, le sumaba
contenido. Pero prefiero a Mercano, el Marciano porque llamó la atención
y fue precursor con un protagonista incorrecto, con su lenguaje ininteligible”,
dice al NO Raúl Manrupe, autor del libro Breve Historia del Dibujo
Animado en Argentina. ¿El primer antecedente? Mac Perro, del
dibujante Carlos Constantini, ese que anunciaba, entre otras cosas, la
finalización del horario de protección al menor y que –según Manrupe- “fue algo
que intentó separarse de lo habitual, en el filo de los 60/70”.
Hora de Aventura
Parecen cualquier cosa
menos un tipo y su mascota. Él, el humano, no tiene nariz. Y su mascota, el
perro, se deforma, engoma y estira como plastilina invitando a formas
improbables al son de sus propias patas. Adoptados como emblema por el
movimiento hipster, divulgados infinitamente por la viralidad cibernética, Hora
de Aventura son unos dibujitos creativos, poéticos y humorísticos. La
sobreabundancia de influencias hizo de este producto la gran referencia en
cartoons lisérgicos. “Aparte, los dibujos son simpáticos. Modernos, pero a la
vez, con algo de muñeco de peluche. El hecho es que se venden los peluches. Son
los típicos dibujos que sorprenden al adulto al pasar frente a la tele cuando
sus hijos o hermanitos lo están viendo”, desliza Manrupe. Hora de Aventura,
cuya canción de apertura ya repiquetea como ringtone en mil y un celulares tan
sci-fi como hi-tech, se centra en dos amigos (que son, asimismo, hermanos
adoptivos): Finn, el humano, un adolescente de 13 años y Jake, un perro con
poderes mágicos. Muchos la apuntan como el reemplazo a la aburguesada que
pegaron Los Simpson.
Con algunos momentos de
animación supremos, Hora de Aventura capitaliza su revuelo en fans
pequeños y adultos. “Hora de Aventura es nuestro prime time”, dirá Zuccarino.
Basta con pararse en la puerta de cualquier tienda de historietas del país para
ver quiénes y cuántos son los que preguntan por productos ad hoc. Por caso,
Adrián Ruibal, dueño de Planetary Toys & Comics, comercio donde otrora
estaría afincada la mítica comiquería Camelot, apunta: “Hora de Aventura
es una de las series más populares. Vendo mucho sus muñecos y sus peluches a
personas de todas las edades. Creo que tiene que ver con lo tierno de sus
personajes. Pasa que llega a todo el mundo”. Desde Cartoon Network aseguran que
“pese a que algunos de nuestros shows
son del agrado del público adulto, nuestro foco está dirigido a los niños de 6
a 11 años, que son nuestro principal target de audiencia”.
Un show más
La
vagancia para en la esquina, en la plaza y en el bar pero, también, en el yugo
vertical de los televisores de tubo que se resisten a morir o en el líquido que
contienen los plasmas y LCD de últimas generaciones. Ahí, en la plaza o en el
yugo, con la barra y con líquidos, hay un vértice del que penden ciertos
estándares: que se actualizan y crecen o quedan vetustos y mueren. Y en el
colmo del hangout, ese pasado de rosca en modernidad, Un show más entendió todo: es una serie para chicos (y, ajám, para
grandes) donde dos amigos de veintipico sólo quieren vaguear y estar de joda.
¿Reflejo generacional? ¿Ruido en el público objetivo? ¿Autores con doble moral?
Todo eso y mucho más o nada más que todo eso.
Sujeto
a una simpleza digna de campeones, con consciencia o sin ella, Un show más domina con naturalidad
temáticas referidas al crecer y sus
incomodidades. Para chicos que son grandes, grandes que son chicos o humanos
que mañana serán cualquier otra cosa que quieran ser o no serán nada. Como ese
episodio donde Mordecai y Rigby, sus protagonistas, están en búsqueda
caprichosa del “mejor VHS del mundo”. Ese que fueron a alquilar por primera vez
pero que ya habían alquilado anteriormente. (¿Alguien dijo faaaso?) Ese
mismo que, luego, un enano barbudo les robará dándose a la fuga por las
alcantarillas. Acá, queda claro que en sus repeticiones nocturnas, Un show más, la rompe toda en mil pedazos. Zuccarino: “En el caso de Un show más, los mensajes y la
personalidad resuenan bien entre niños de 12 a 17 años. Esta franja de
adolescencia, que oscila entre el niño y el adulto, puede conectar tanto con
los aspectos más infantiles como con esta propuesta de animación con múltiples
niveles de lectura”.
Sucede
que esa identificación con las expresiones que le son inherentes a la cultura
juvenil (por caso, con mucho de decadentismo: videoclubs, VHS que son los
mejores del mundo y, claro, la pavorosa tribulación del colgado que cree hacer
algo por primera vez cuando no es tal) dicen presente en todos sus episodios.
Cuyo impulso hercúleo es un VHS o una flauta mágica o cualquier otra cosa que
haga falta para ser feliz y rascarse las pelotas. Y si eso no es droguita, hay
una verdad: siempre nos quedarán Los
Teletubbies, Barney o –y este es
un hallazgo de lisergia pura y dura- Baby TV. Todos son para criaturas de 6 a
12 meses. Y para fumones de unos cuantos más pero, eso sí, con la misma
cantidad de neuronas que cualquier lactante promedio. O, dado el caso, tal vez
menos.
¿Quién es esa chica? Anna Skellern
En el ¿Quién es esa chica? del número de junio de la Haciendo Cine, Anna Skellern.
Hay un hecho que siempre es noticia:
vuelven los hermanos Coen. Y con Gambit, película en cuestión, vuela
desde Australia una morocha con curvas asesinas. Se llama Anna Skellern y
-desde ahora y para siempre- forma parte del semillero de esta sección. | Por
Hernán Panessi
El Circuito de Mónaco es
conocido por ser el circuito de carreras con más curvas del mundo. Las tiene
cerradas, rectas y cortas. También, y en consecuencia, es una de las pistas más
peligrosas de todas las competiciones automovilísticas. ¿Habrá pensado alguien,
alguna vez, que una mujer tendría curvas más peligrosas que el circuito más
peligroso del mundo? La respuesta sólo puede interesarle a sibaritas y/o
curiosos, pero sí es bueno saberla: la actriz australiana Anna Skellern causa
infartos. Sus curvas arrancan en un lado y no terminan en ninguno. No se
dibujan ni con el más perfecto de los compases. Son impiloteables hasta para el
mejor de los campeones.
Skellern, nacida un 27 de
abril de 1985, es de esas mujeres que hacen doler. Como en Siren, una de
horror low-budget que con sólo mirar el póster uno resigna hasta lo que no
tiene por conocerla. O como en Gambit, escrita por los hermanos Coen
–quienes en breve vuelven a la dirección con Inside Llewyn Davis-,
remake de la película homónima que protagonizaron Shirley McLaine y Michael
Caine en 1966, cuyo personaje responde al nombre de Fiona y es quien llena de
juventud a un elenco que tiene en protagónico a un trío clase A: Cameron Diaz,
Stanely Tucci y Alan Rickman.
Ahí, en Gambit,
que estrena este mes, Harry Deane (Colin Firth) es un coleccionista de arte
londinense que tiene como objetivo vengarse de un multimillonario (Alan
Rickman) al que planea venderle una copia de un falso Monet. Para ello, contará
con la ayuda de P.J. Puznowski (Cameron Diaz), una bella mujer con una extraña
relación con esa pintura. Entre los dos, intentarán engañar al magnate para
hacerse con la pintura original. Y con este film, Skellern comienza un romance
con el lado más ampuloso de Hollywood: el de codearse con las celebridades
desde adentro.
Por otro lado, esta
morocha pulposa estuvo en el elenco de El Descenso 2 –otra de terror,
malísima- pero a nadie pareció importarle. Sin embargo, Skellern, trabajadora
del mundo de las series –la rompió en el programa CNNN, nunca emitido
por estos lares; y pasó por otros como Lip Service, Parade’s End,
Heading Out y Plebs, ignotos por este lado del mundo-, intenta
seguir el linaje de australianas con base en la industria de la talla de Cate
Blanchett, Judy Davis o Nicole Kidman. Aunque por ahora, y la noticia es buena,
se augura un futuro cercano a féminas como Anna Torv, Melissa George o Mia
Wasikowska.
Sus ojos son dos faroles.
Son dos espejos de este mundo, unas puertas al más allá. Son la patria del
relámpago y de la lágrima. Son... bueno, muchas cosas. Pero, aún así, con todas
esas condiciones otorgadas por la providencia, es extremadamente difícil verla
a los ojos. Volvamos al punto principal: las curvas. Esas curvaturas que son
suyas, de todos y de ninguno. (En lateral, el cantante Tim Freedman y el host
Chris Taylor comieron por acá. Por caso, Freedman, buitre, dijo: “Mi relación
con Anna no terminó mal. Seguimos siendo buenos amigos y nos vemos un poco”.).
¿Cómo mirarla a los ojos cuando natura ofrece tanto por ver? Es que, para colmo
de males, le gustan los escotes y... ¡qué bien le quedan! A la sazón, dicen que
las mujeres tienen curvas porque están preparadas para ser madres. Y el chiste
de la lactancia no lo vamos a hacer pero, de mínima, ya que estamos con los coches,
las curvas y los circuitos, hay que decir que Skellern es un camión. Y en
nuestro léxico ramplón, anatómicamente decimos que tiene “buenas tetas” e,
incluso, podríamos usar otros apodos poco sutiles que sonrojarían hasta al más
chabacano. Sin embargo, nos callamos la boca y hacemos lo único que podemos
hacer: mirar la foto que acompaña esta nota.
Mención en entrevista a Ariel Martínez Herrera
MEDIO: Escrituras Indie
FECHA: Junio 2013
Mención en entrevista a Ariel Martínez Herrera, acá.
A ellos les gustó la película, Hernán Panessi, que es periodista y es crítico, hizo una crítica muy elogiosa de la peli, que a mí me sorprendió, porque vio cosas que yo no. Me dije: “es verdad, mi película dice eso” “yo quise hablar de ese tema sin saberlo”
Entrevista a Fierita Catalano por A un Click
MEDIO: Suple No, de Página|12
FECHA: Mayo 2013
Versión online.
| Por
Hernán Panessi
La pregunta ya dejó de sobrevolar el aire. Quedan
apenas esquirlas de un cliché remanido, vetusto y demodé: el nerd como forma
antisocial, gorda, peluda y viscosa. De un tiempo a esta parte, algo cambió.
Como en muchos de los sectores subterráneos de la cultura pop, el borde pasó al
centro. O eso es lo que se aparenta. Así, el nerdismo lleno de gestos que
hacían ¡plop! hoy hacen ¡boom! y marcan el pulso de la modernidad.
Todas las obsesiones que interesan al nerd son ahora
moneda corriente. ¿Todos somos nerds? “¿Yo sería una nerd?”, interrumpe
sorprendida Nazarena Vélez en un debate televisivo en el programa Desayuno Americano. Una de las
hipótesis, tal vez la más anclada en la realidad, apunta a que las industrias
culturales han entendido que el postulado del nerd es consumir. ¿Entonces? De
nuevo: de los bordes al centro. La imagen del fracasado en el amor, del amante
de las historietas, del seguidor de la TV de culto, del fanático de los
videojuegos o de cualquier otra expresión mínimamente diferente termina siendo
un emblema: las marcas han posicionado –ojo, la prepotencia de sus intérpretes
también ayudó al cuento- a convertir la nerdencia como forma cool. Y aquí se
eyecta lo impensado: el nerd como bandera, el nerd como ganador.
Así las cosas, uno de los grandes cuadros de la
nerdencia en argentina, el multifacético Guillermo “Fierita” Catalano, también
militante por la democratización de la entelequia “nerd”, está por arrancar en
Nat Geo un programa de características ad hoc. Dice: “Me parece que los
productos tecnológicos, por su naturaleza, son aspiracionales. Si a eso le
agregás la capa de marketing, tenés una bomba”. Y sentencia: “Pero las marcas
pautan en Rolling Stone, no en PC Users. Quieren tech, pero quieren cool”.
A su vez, fue común encontrarlo en el noticiero del
mediodía (o de la noche, o en cualquier dial o espacio etéreo o corpóreo donde
le permitiesen vomitar sus pasiones) hablando sobre tal o cual gadget o a
propósito del lanzamiento de un juego X, Y o Z. “Parto de la base que quien me
escucha está interesado en el tema, pero no presupongo que sea experto ni un
neófito. Intento siempre tener una historia lo suficientemente clara para que
la entienda un parroquiano y que tenga algunos detalles que sorprendan al
experto”, se sincera. Sí, Fierita es uno de los grandes culpables de que el
mundo nerd toque todas las arterias del cotidiano.
Su programa, A
un Click, también conducido por la mexicana Martha Debayle, versa sobre
grandes encuentros en la Era de Internet. “Ahí, a su vez, hago un racconto de
la tecnología que compara cómo se iniciaron las cosas y cómo llegó a lo que
tenemos hoy”, agrega. El principal interés del show radica en mostrar historias
sorprendentes en las que la tecnología, Internet y las redes sociales han sido
fundamentales: desde familias que se reencuentran por Facebook hasta casos
policiales resueltos vía la WWW.
Se sabe: Fierita se encargó de llevar la nerdencia a
las amas de casa y a un público que trasciende el de los nichos. “Lo que a mí
me interesa es compartir lo mucho o poco que sé. El conocimiento sirve en tanto
se comparte. Saber de algo y quedártelo para vos es, una canallada
aburridísima”, señala. Y, aparentemente, el conocimiento especializado abre
espacios para la expresión pero sólo con saber, no basta. Remata: “Para ser un
comunicador, hay que ser mucho más que un experto en cierta materia. Eso diferencia
a un comunicador de un tipo que colecciona datos. Yo aspiro a ser un
comunicador”.
El Rey de los Nerds
Y en la avanzada por convertir la cultura nerd en la
nueva onda cool, Nat Geo presenta un reality donde un grupo selecto de once
nerds convivirán en una casa ideal. Allí formarán equipos para librar
verdaderas batallas frikis. Conducido por dos luminarias del palo, Robert
Carradine y Curtis Armstrong, ambos protagonistas de La venganza de los Nerds, El
Rey de los Nerds, tal es su nombre, seguirá ampliando la cosmogonía ñoña
sólo para comprobar que –una vez más, aunque ahora más que nunca- la venganza
será terrible.
A un click son cuatro especiales
de 30 minutos que se emitirán por Nat Geo. El primero irá el martes 4 de junio
a las 22.00Hs. Por su parte, El Rey de los Nerds se emite todos los viernes a
las 19.00Hs también en Nat Geo.
Cobertura FICIC 2013 - Día 1
MEDIO: Revista Haciendo Cine
FECHA: Mayo
Cobertura FICIC 2013 - Día 1
El mediodía del miércoles 22 de mayo comenzó formalmente la tercera edición del Festival de Cine Independiente de Cosquín – FICIC, celebración que cuenta con el apoyo de la Secretaría de Cultura de la Nación y el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales. En la presentación oficial llevada a cabo en la sala de conferencias del mítico escenario de la Plaza del Folclore, Verónica Quiroga (secretaria de turismo), Carla Briasco (coordinadora de prensa y difusión de FICIC), Jorge González (secretario de cultura y educación) y Juan Barnes (coordinador de turismo) dieron la bienvenida a la prensa local y nacional.
“El FICIC es un gran orgullo para nosotros”, señaló el secretario de cultura Jorge Gónzalez. Este año, la organización recibió unas 700 películas de las cuales seleccionó unas 40 para competencia y otras 16 para ser exhibidas en actividades paralelas. ¿La novedad del año? La sección dedicada a los cortos de jóvenes de todo el país llamada Cortos de Escuela. Allí, han recibido casi 80 trabajos de los cuales han sido programados unos 10. El objetivo, según pretenden las autoridades del festival, es “profesionalizar el sector”. Briera, la coordinadora de prensa, dijo: “la creamos para que los jóvenes se acerquen al festival”.
Por la tarde, a las 17Hs, en el Teatro El Alma Encantada, se dictó un taller de análisis y lectura de las películas del festival a cargo de los críticos Alejandro Cozza y Fernando Pujato. Y por la noche, 20.30Hs, en el Centro de Congreso y Convenciones, convirtiéndose en el plato fuerte del día 1, se proyectó a sala llena el film Villegas, de Gonzalo Tobal, en formato 35mm. Ahí, en ese mismo lugar, es donde se concentrarán el grueso de las actividades del FICIC.
El festival se extenderá hasta el día sábado 25 cuando se conocerán los ganadores de las tres competencias –Largometraje Ficción, Largometraje Documental y Mejor Cortometraje-. Y en esa misma jornada, por la noche, el músico Antonio Birabent, también jurado de esta edición, brindará un show abierto para todo el público. “El festival se convirtió en un evento de pura pasión”, finalizó Briasco visiblemente emocionada.
Comentario de Rouge Amargo en el site de HC
MEDIO: Revista Haciendo Cine
FECHA: Mayo 2013
Comentario de Rouge Amargo en el site de HC.
Rouge amargo, de Gustavo Cova (DISTRIBUTION COMPANY)
“En la película, el asesinato de un importante candidato a diputado desata una gran bola de mierda. Mientras una prostituta (Emme, más pulposa y linda que nunca) está a punto de ser asesinada, un misterioso hombre (Luciano Cáceres, hoy todo un clase A tras la serie Graduados) la rescata de las garras de un cruel asesino (César Vianco, a quien seguro tienen como “Franco Milazzo”, el mayor enemigo de Los Simuladores)”, escribió Hernán Panessi en la HC que pueden encontrar en los kioscos sobre este estreno nacional.
Se puede ver en 30 pantallas.
Reseña de Las Tortugas Mutantes Pinjas en el #44 de la 2000 Maníacos.
Reseña de Las Tortugas Mutantes Pinjas en el #44 de la 2000 Maníacos.
Las Tortugas Pinjas
DIRECCIÓN: Victor Maytland
AÑO: 1990 (Color)
PAÍS: Argentina
ALSO KNOW AS: Las Tortugas Mutantes Pinjas
ACTORES: Donatello, Michaelangello, Raphael y Leonardo (¡Chiste!)
PUNTUACIÓN: 5/5
¡Konchadunga! Película leyenda en los video clubs
argentos de los ’90. Pajas en videocassetera, peleas truchas en una terraza y
el Clase Z más pedorro del mundo. Parodia subdesarrollada hacia uno de
los dibujos animados más exitosos de la historia: Las Tortugas Ninjas.
En el film de Maytland, un grupo terrorista liderado por el villano “Trituradora”
(en una chota alusión castiza de Shredder, para países de habla hispana:
“Destructor”) distribuye unas pastillas locas que, al ser ingeridas,
producen la muerte instantánea al eyacular. Así será cómo el presidente de los Estados
Unidos (¿cuándo no?) envíe a Las Tortugas Pinjas hacia la Argentina
para que se encarguen de la situación. Una locura atómica que contiene en sus
filas a unos ninjas-terroristas, a una reportera bastante rápida llamada –no
gratuitamente- “Manuelita” y acción baratísima de lo más lúdica. No
faltarán escenas hardcore matizadas por el feliz apogeo del VHS.
¡Una maravilla!
Reseña de Nino y Natacha hacen una porno y The Office: A XXX Parody en 2000 Maníacos
Reseña de Nino y Natacha hacen una porno y The Office: A XXX Parody en el #44 de la 2000 Maníacos.
Nino y Natacha hacen una porno
DIRECCIÓN: Natacha Jaitt y Nino Dolce
AÑO: 2009 (Color)
PAÍS: Argentina
ALSO
KNOW AS: No
tiene
ACTORES: Natacha Jaitt, Nino Dolce, Pamela
Jones, Deborah Pratt
PUNTUACIÓN: 2/5
Como capricho adinerado y “cuelga tetas”, dos “figuras” de
la farándula argentina decidieron emular a Kevin Smith en Zack y Miri
hacen una porno (Zack and Miri make a Porno, 2008) con un sobrio resultado.
Nino Dolce (otrora “cocinero” de la señal latinoamericana de Playboy)
y Natacha Jaitt (una mediática sexópata salida del Gran Hermano
versión España) hacen las veces de directores de cine XXX en busca de
actrices para su “gran película”. En medio de una historia sin ton ni son, más
que el de aprovechar la cámara para mostrarse, estos dos “actores” serán
quienes observen a los verdaderos hacedores de la acción: los que la ponen
delante de cámara. Mucho histeriqueo como reflejo de una TV argentina
totalmente bastardeada por seres sin cerebro, pero con mucho de hormonas,
feromonas y efervescentes estallidos de la pituitaria. Recomendada, sobre todo,
para amantes de los programas de chimentos.
Hernán Panessi
***
The Office: A XXX Parody
(Lee Roy Myers, 2009)
DIRECCIÓN: Lee Roy Myers
AÑO: 2009 (Color)
PAÍS: Estados Unidos
ALSO KNOW AS: The Office: A XXX Parody
from New Sensations
ACTORES: Ashlynn Brooke, Jenna
Haze, Alexis Texas, Gianna Michaels
PUNTUACIÓN: 4/5
Un clásico: parodia pornográfica de producto exitoso +
morbosidad = curiosidad asegurada. Si bien no están ni Steve Carell ni Rainn
Wilson para matarnos de risa, The Office: A XXX Parody cuenta en sus
filas con las hembras bestiales de Jenna Haze, Alexis Texas y Ashlynn
Brooke para matarnos a pajas, en esta representación “tono joda” de la
divertida serie The Office (¿quién hará de Michael Scott? ¿O es
ésta, acaso, una caricatura de The Office (UK)? ¿Qué diría el prolijo Ricky
Gervais si la viera? La respuesta, poco importa). Con la excusa de las
situaciones en oficina, todas las escenas giran en cachondeos que pululan en el
imaginario colectivo de los trabajadores de saco y corbata: sexo con la
recepcionista, con el jefe, orgía venenosa con todo el personal, etc. La
película gozó, en su momento, de cierto éxito por lo que la productora New
Sensations –estudio encargado de sacar releases pornos de series
populares- produjo una secuela. ¡Tiembla
Dwight Schrute!
Reseña de La máquina que escupe monstruos y la chica de mis sueños en Revista NAN
Reseña de La máquina que escupe monstruos y la chica de mis sueños en el #12 de la Revista NAN.
La máquina que escupe monstruos y la chica de mis sueños
(Diego Labat y Agustín Ross Beraldi)
| Hernán Panessi
¿Qué pasaría si todos los
integrantes de El Show de Scooby-Doo se tomaran un gotero de ácido
lisérgico? El resultado, tal vez, devenga parecido a La máquina que escupe monstruos y la chica de mis
sueños, ópera prima de Diego Labat
y Agustín Ross Beraldi. Ahí, sujetos en una lógica psicodélica, dos amigos
descubren una máquina que graba sueños. Hay un triángulo amoroso, la
oportunidad de un joven en ser “mejor” que su hermano y un muchacho
descubriendo que el guionista de su vida ha muerto. Ah, y meciéndose en ese
runrún improbable, hay un monstruo deforme esperando aventuras. A medio camino
entre el slapstick, el cine indie criollo y la nueva comedia norteamericana, La
máquina que escupe... supura adultescencia. ¿Cómo? Sí, el arte de crecer
(pero no tanto) a las órdenes del humor. La mueca de una generación criada al
calor de la televisión encuentra, acá, su refugio más perfecto: hay chicas
lindas, referencias a la cultura pop y un poderoso aire a no me importa.
Filmada bajo el espíritu colaborativo (financiada con crowdfunding, estrenada
on-line y difundida a puro pecho), puede disfrutársela -aperitivos mediante,
funciona bien con volutas de humo- dándole al play aquí: http://www.lamaquinaqueescupe.com.ar/
Reseña: TV Utopía
Reseña de TV Utopía en el #118 de la Revista Sudestada.
TV Utopía
Sebastián Deus
Argentina, 2011
| Por Hernán Panessi
Cuando hubo ganas, casi nunca importó
el qué, ni mucho menos el cómo. TV Utopía fue un canal independiente de
Caballito que durante la década del ’90 hizo siempre lo que quiso: en rigor,
supurar la voz de todo un barrio sin prioridad de nombres ni apellidos. Y en la
actualidad, a raíz del debate que desató la nueva Ley de Servicios de
Comunicación Audiovisual, el rol de los medios de márgenes tomó dimensiones de
centro. Insistiendo en contenidos artesanales, independientes, caprichosos y
sin ataduras de agendas, el canal –que trasmitía durante 24 horas del día
contenidos generados por sus vecinos- encontró aquí su reconocimiento a tiempo.
En la ópera prima de Sebastián Deus, quien participó de TV Utopía como vecino y
ahora como director del documental homónimo, se evocan imágenes de archivo que
han sobrevivido a varios allanamientos, sumándole al inefable paso del tiempo,
para reconstruir la aventura de aquellos idealistas que tuvieron un canal comunitario
que emitía desde un living. ¿Cómo? Sí, en yunta con su vecindario, lo hacía
desde un modesto departamento ubicado en la esquina de Rivadavia y Riglos. Por
su parte, la obra indaga en la aventura quijotesca del canal por legar el sueño
lírico colectivo de un grupo de valientes que, sujetos a la invención más
perfecta de “proyecto comunitario”, dejaría una huella poderosa en la
entelequia “autogestión”. Vale recalcar el argumento otorgado por el jurado del
Festival de Cine de Tandil 2012 a propósito de su mención especial: “por el
rescate y la resignificación de una experiencia comunitaria que contribuye a
reflexionar sobre el presente de los medios de comunicación”. A la sazón, el
documental, además de dialogar con soltura entre el pasado y el presente,
validando sus ganas de trasgresión, se importa por el qué, el cómo y, cual
forma perenne de una lucha contracultural, se aferra –fundamentalmente- del por
qué.
Artículo sobre No solo en cines
Artículo sobre No solo en cines para Revista NaN. Página 1, 2, 3, 4 y 5.
| Por Hernán Panessi
Supongamos que la vida es un triángulo,
un cuadrado o un círculo. Y que cualquiera sea la forma geométrica, dentro
contiene a un sistema complejo con mil y un entretejidos. Sin embargo, todos
los bordes y periferias serán siempre más o menos iguales. Y en el ámbito de la
cultura, lo supurado desde los bordes tiene una significación poderosa: en el
under está la transpiración, los contrastes, la lucha.
El cine argentino, de un
tiempo a esta parte, ha ido contemplando poderosamente ciertas arterias e
incorporando los bordes al centro. Después de años de transitar los márgenes,
el cine independiente fue encontrando su lugar en el mundo a fuerza de
constancia, alma, corazón y vida. Como una tromba –no sin antes sangrar por mil
heridas-, el convoy que comprende al cine independiente fue parándose cada vez
más firmemente. Y en coincidencia con un momento histórico en donde la
autogestión y las visiones federales son bien ponderadas, muchos autores
terminaron saboreando las mieles del éxito. Tal es el caso de Emiliano Romero,
director del largometraje Topos y responsable de un emprendimiento que
está allanando un camino: No Solo en Cines.
Ante la negativa de las
salas comerciales a exhibir cierto tipo de cine, cientos de películas corrieron
con una suerte polémica: se estrenaron mal o, incluso, no lo hicieron. Por
caso, Romero, quien estuvo cinco años realizando Topos supo tocar fondo,
pararse en dos patas y decidir ponerse la capa para convertirse en superhéroe.
Pero, claro, ser héroe tiene también sus desventajas, sus luchas y sus
tribulaciones.
Luego de intentar aplicar a varios
fondos sin mayor suerte y con un costo total de 2 millones de pesos, Topos
contó con el aporte del INCAA –el film clasificó por 2da vía, ya que Romero
pudo presentarse él mismo como productor al tener estrenado un corto en 35mm
llamado Cantautor, de 2005-, familiares, amigos e inversores varios, más
el apoyo inestimable de una cámara Red One en calidad 4K cedida por la
Universidad del Cine. Los años de trabajo más un buen puñado de colaboradores
hicieron de la película un notable paso en alto para el cine fantástico
nacional. Y, por lo demás, terminó sentando precedente con respecto a una de
las problemáticas actuales de las producciones pequeñas y medianas: la exhibición
comercial. ¿Cómo fue la experiencia del director? “En el proceso de post-producción, en mayo del 2012, fui a ver a
distribuidores. Hablé con grandes y chicos. Todos me iban diciendo que no.
Entonces, me puse a mí mismo como distribuidor. Empecé a ver qué podía
conseguir. Y me tuve que olvidar de las salas grandes. Intenté con Cinemark,
Village, Hoyts... ninguna me dio ni pelota”.
A fuerza de buscar salas
para mostrar su película y luego de obtener la negativa de muchas, no pensó en
resignarse. Siguió intentando por aquí y por allá hasta encontrar su propio
recorrido. Así, centros culturales, teatros, bares y misceláneos fueron la ruta
de exhibición de Topos. Romero: “El de Topos fue el primer afiche
del cine argentino en contar con los logos de centros culturales. Estaban
chochos porque tenían toda la ciudad empapelada con su marca”. Y, vamos de
nuevo: cualquiera sea la forma geométrica de la vida, hay un ruta llena de
bordes y periferias. Romero fue por todo: bautizó a este recorrido como No Solo
en Cines, sumando a la palestra la figura del exhibidor ambulante. Es decir, en
la lógica del hazlo tu mismo, No Solo en Cines instala las pantallas, muestra
las películas, lleva a los directores para hablar pos función, levanta las
cosas y se va. Y así, una y otra vez.
***
El titular de una nota para el número
de mayo de la Revista Hecho en Buenos Aires rezaba: “Si Kusturica fuera
argentino, estrenaría con nosotros”. Y aquella, también, es una sentencia, una
forma –tal vez extraña, tal vez pretenciosa- de aproximarse a un horizonte. Es
tan difícil resolver la entelequia “independencia”, que nadie siquiera esboza
una mueca, una aproximación. ¿Independiente a qué? ¿A una ideología, a una
estética, a un factor económico? Tanto Kusturica como Romero llevan adelante sus
verdades como puños: “Cuando la industria te empuja a hacer películas, las
películas terminan sirviéndole a la industria y no a uno mismo ni a otros”,
dijo alguna vez el director serbio. “Hay una cuestión con el cine, el productor y el director: el ego. Toda la
vida se manejaron de forma individual. Históricamente, cada una de las
películas peleó por su lugar en forma solitaria. Esto es un cambio. Gente que
se une, gente que toma el control. ¿Y si hay gastos? Los separamos. Es simple:
de a uno nos van a masacrar. Hay que peleársela a las multinacionales. Emular a
los grandes pero hacerlo a nivel local”, reafirma el
nacido en Buenos Aires.
Las salas comerciales, es sabido,
manejan una lógica ídem. Si la obra (o, por extensión, el producto) está
respaldada por publicidad masiva, grandes distribuidoras o apellidos
rutilantes, las salas suelen dar el visto bueno para el negocio. Ahora bien:
¿el cine es un negocio? El origen etimológico de “negocio” es fuerte: neg-ocio,
nec y otium en latín, la negación del ocio, la verdad puesta en
servicio del capital. Otro interrogante: ¿qué pasa, entonces, con el cine
independiente? Lugares como el Cine Club Mon Amour, el ArteCinema, el Cine
Cosmos-UBA, el Teatro La Máscara, el malba.cine, el Gaumont, los Espacios INCAA
et al. fueron el refugio tanto del “cine arte” (a la sazón: ¿qué será el “cine
arte”?) como de aquellos que no encontraron (no pudieron o no quisieron) su
lugar en el mainstream hecho y derecho. Y están, claro, los desclasados.
Aquellos que ni en un lado ni en el otro tuvieron cobijo. Y así, No Sólo en
Cines viene a resolver esta problemática. “Los directores independientes que consiguieron un estreno comercial, la
pasaron como el orto. Las multisalas le decían a la gente que no había
entradas, que estaban agotadas. ¿Por qué? Es que cuando no hay entradas no
podés llegar a la media estipulada. Ellos prefieren bancar a una pochoclera que
a tu película. Les conviene eso, entonces les hacen un boicot a las pequeñas.
Las ponen porque lo tiene que hacer por ley, por la cuota de pantalla. Cumplen
con la ley, pero la sacan lo más rápido posible. Por eso, Topos no llego
a los multisalas. Hoy tenemos 50 salas y no damos abasto”, dice Romero. Problemática, por caso, que no sólo comprende a
ese noviazgo entre “película y sala” sino que evoca, además, al pene de los
acontecimientos: los espectadores. Ahí, con la figura de la exhibición
ambulante, la cinefilia local cuenta con la variante de la pluralidad y el
acceso. La cartelera de cine termina obteniendo una actualización poderosa e
incorporando lugares federales, atípicos desde cualquier lógica comercial.
***
Hay, en la dialéctica
de No Solo en Cines con las salas independientes una aparición -de mínima-
curiosa: las entradas INCAA. Luego de un arreglo entre Romero y su gente con el
Instituto de Cine y Artes Audiovisuales, todas las exhibiciones de este
colectivo cortan una entrada oficial. Es decir, ya no se trata de muestras
marginales sino de exhibiciones oficiales en lugares extraordinarios. Dice: “A
los tres meses, con Topos, después de pasarla todos los días, llegamos a
un numero tremendo. Metimos unos 11 mil espectadores, sumando cines y No Solo
en Cines. En el verano paramos. Ahí fue donde cranié esto de empezar a dar
oportunidades a otros realizadores”.
Con la existencia de No
Solo en Cines, la aspiración de cierto tipo de cine por el circuito formal
termina siendo un concepto vetusto, antiguo, empolvado. En nuestro país se
filma mucho. ¿Y dónde se muestra todo ese material? Antes, en pocos lugares.
Hoy, en un buen puñado. Así, una cantidad de espacios que –sin ser
necesariamente cines, como los casos de El Camarín de las Musas, el Teatro
Chacarerean, Casa Brandon o ¡La Sociedad Italiana de Socorros Mutuos de
Adrogué!- devienen en espacios alternativos, en lugares de resistencia. A lo
largo y ancho de Argentina, las películas estiran su espacio de permanencia en
pantallas. Por esta experiencia ya han pasado películas como Malditos Sean!,
La Memoria del Muerto, Diablo, Pompeya, Vikingo, Caño
Dorado, La Peli de Batato o ¿Quién mató a Mariano Ferreyra?
Todos films que ya han tenido su explotación comercial pero que sus autores han
decidido legar su exhibición. Además, largometrajes del riñón (verdaderamente)
independiente como Alas, Plaga Zombie: Zona Mutante: Revolución Tóxica,
El Hada Buena: Una fábula peronista, Los Subterráneos o TL-2:
La felicidad es una leyenda urbana renacieron tras sus estrenos. Así,
películas con uno o dos años de antigüedad que han tenido un paso fugaz tienen
una segunda oportunidad. “Hacemos una suerte de curaduría con un determinado
estilo de películas. No Solo en Cines se interesa en las del medio. Sí, ni en
las películas de Adrián Suar o Guillermo Francella, ni en el snobismo del
BAFICI. Es que no había lugar en el medio para las películas que están cerca
del público, para el cine de género, para aquellas películas naturalmente
entretenidas. Programamos para el público, no para el crítico”, dice el
realizador de Topos.
***
En un tendal de
localidades que une a Palermo con Avellaneda, a Ciudad Jardín con La Plata o a
Bahía Blanca con González Catán, No Solo en Cines sigue en la búsqueda de
espacios y películas. Llevando adelante el gesto con enorme responsabilidad, el
camino de la exhibición alternativa es cada vez más grande y sólido. La autogestión,
agradecida. “Es autogestivo posta. Creo que en cuatro o cinco meses, la cosa va
a cambiar. El barco va a navegar solo”, agrega. La intención es devolverle el
cine a los barrios: “Vamos a barrios que no tienen cine, ni shoppings. Por lo
demás, meterse en un shopping para ver una película es una mierda. Tomar una
birra, comer una pizza, charlar con el director o con uno de los actores
principales es como un ritual. Nosotros ofrecemos eso”. Por estos momentos, No
Solo en Cines tiene la intención de crecer. Contrataron a una agencia de prensa
para que los divulgue, a un diseñador para que les haga el logo. “Gasté mucha
guita de mi bolsillo –señala Romero- para que crezca el circuito”. Abril fue su
mes más fuerte hasta el momento: en vez de diez proyecciones mensuales,
hicieron unas treinta. “Para que crezca, es necesario difundir. Salas tenemos
un montón, el tema es el público”. El próximo estreno será Hermanos de
Sangre, de Daniel de la Vega, película distribuida por Pascual Condito
–figura histórica del cine nac & pop, responsable de la distribuidora
Primer Plano, quien hace poco declaró que ya no distribuiría cine argentino-
que resultará bisagra entre la distribución del pasado y del futuro, ya que
también irá por la vía de No Solo en Cines. ¿Acompañará el público este intento
por ofrecer una poderosa variedad de propuestas? ¿Cuál será la reacción de la
Gran Industria? ¿Qué dirán los medios especializados? ¿Cómo tomarán el nuevo
escenario los directores operaprimistas? ¿Y los vieja escuela? ¿Coparán las salas
los vecinos? Las respuestas, y ahora más que nunca, en su cine más cercano.
RaroVHS en Revista NAN
Reseñé el blog RaroVHS para el número 12 de Revista NAN (mayo 2013).
RAROVHS
| Hernán Panessi
Balance del BAFICI
MEDIO: Suple No, Página|12
FECHA: Abril 2013
Balance del BAFICI 15, el primero de Marcelo Panozzo al frente. Artículo que habla, también, sobre la entelequia "cine independiente".
| Por Hernán Panessi
Así se fue la Niña Bonita, la edición
quinceañera del BAFICI, con su mejor vestido, su torta y su fiesta pop. Así,
entonces, pasó por la cosmogonía cinéfila uno de los festivales más importantes
y polémicos del país. Y la pregunta, ante cualquier mutación de los esquemas,
es casi siempre la misma: ¿qué es, en verdad, el cine independiente? “Queremos
tener más público, no menos”, dice Marcelo Panozzo, su nuevo director, a
propósito de la incorporación de cierto cine de márgenes a la palestra.
“Queremos tener más películas, no menos”, fue su caballito de batalla.
Y los signos fueron positivos: unas 370
mil personas pasaron vía sus 11 sedes que, ahora, hacen base en el Village
Recoleta. Se proyectaron unas 473 películas, número que fue creciendo con el
correr de los años, con un total de 85% de entradas vendidas por función. “Esta
edición tuvo la idea decidida de buscar el maridaje entre todos los géneros”,
agrega Leandro Listorti, programador de la primera hora. Completa: “La gestión
de Fernando Martín Peña tenía bastante de eso, también”. Es que tanto Panozzo
como Peña respaldaron la inclusión de las orillas al centro.
En esta edición se sumó “Vanguardia
& Géneros – Retro”, la sección que otorga espacio a un cine que en BAFICI
nunca tuvo el lugar que realmente merecía. ¿El paradigma? La inclusión de
cierto cine autogestionado, caso Plaga Zombie. La primera trilogía de
zombies criolla, uno de los pilares de esa entelequia confusa que es el “cine
independiente”, fue exhibida –por primera vez- en esta edición.
“Pocas veces nos plantamos con la idea
de lo ‘independiente’. Por ejemplo, el cine sueco mainstream no llega al país y
nosotros lo pasamos”, suma Listorti a propósito de la pluralidad de voces de
este nuevo BAFICI. Panozzo sentencia: “No creo que un festival de cine tenga
que ser a priori un lugar de certezas”. Y de ahí, un tendal que une la
responsabilidad de cargar en su nombre con la palabra “independiente” (BAFICI
es: Buenos Aires Festival de Cine Independiente) más la posición dual a todo o
nada del “BAFICI es: lo peor del mundo / lo mejor del mundo”.
Juan Manuel Domínguez, otro de los
programadores del festival, reconoce la flexibilidad instaurada a partir de
esta edición: “Con la inclusión de la sección de vanguardias y géneros, o el
espacio gratuito ‘Cronopios’, generamos algo que le cuesta al indie: el diálogo
entre los estilos”. De esta manera, el verdadero cine independiente –premisa
polémica que el BAFICI siempre transitó con vaivenes- encontró en la
programación 2013 una ventana para colarse.
Asimismo, varios realizadores de los
bordes pudieron participar. ¿Hay ejemplos notorios? Sí, el de Tetsuo Lumière,
aquel que ganó el 24º del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata con TL-2:
La felicidad es una leyenda urbana y quien, al recibir el premio, dijo:
“Quiero agradecer al BAFICI que rechazó mi película. Sin ellos, hoy no estaría
acá”. Hoy, años después, si bien no compitió, Lumière encontró su espacio
baficero con Buscando la esfera del poder en la sección “Panorama”.
“Queremos tener una paleta de colores
enorme, el mega pantone y escapar de la visión monocromática de las cosas”,
argumenta el director del festival a raíz de la notoria aproximación a los
conceptos de “independencia” y “pluralidad”. Cultura pop como estamento,
charlas caprichosas y la convivencia de un cine contemplativo con el de
historias. Correrse de algunas mañas festivaleras, la representatividad de
ciertas minorías, márgenes y centro, centro y márgenes, conceptos que –de
mínima- sacan una mueca de esperanza al público que, ante cualquier cambio, se
pregunta: ¿qué es, en verdad, el cine independiente? La respuesta no es de
nadie pero el BAFICI 15, a la sazón, abogó por encontrarla.
Reseña: Un Año Sin Televisión
MEDIO: Revista 24 Cuadros
FECHA: Abril 2013
Reseña: Un Año Sin Televisión
Un
año sin televisión
Tangram Producciones
1 temporada, 2011
Sin vueltas: Un año
sin televisión es la mejor webserie de toda la República
Argentina. Es que hay, allí, en su propia existencia, una empatía
directa para con el espectador vía sus entrañables personajes. (Si quieren la
fórmula mágica del porqué, no queda otra que ver la serie.) Y lejos de
cualquier dialéctica resguardada en clichés conocidos, Un año sin
televisión propone risas en clave Judd Apatow pero
desprendiéndose de lo evidente bajo un poderoso manto de frescura (siempre nac
& pop). Así, los Tangram Producciones, productora platense
que tiene el mérito y la gran responsabilidad de haber hecho esta serie
(porque, claro, viendo que es tan buena: ¡lo próximo tiene que ser
imponderablemente mejor!), se maneja con soltura entre el humor nerd y la
baraja de referencias coyunturales, manteniendo siempre el valor de la amistad,
las problemáticas post-adolescentes, la ironía, el hipsterismo, el homenaje a
la cinefilia pop y, sí, muchísima onda. Tal webserie, de 8 episodios de
duración (cortándose solo “El misterio de las elecciones”, su
especial musical, de increíble factura), deviene tan adictiva que la única que
nos queda como espectadores, una vez finalizada, es implorarles a sus creadores
(oh, la dialéctica, ¿se acuerdan?) que hagan una segunda temporada. Pueden
molestarlos y decirles cosas lindas, acá: http://www.facebook.com/UASTV | Por
Hernán Panessi
#FAN, primer programa
MEDIO: RadioLK
FECHA: Abril 2013
Arranqué un programa de radio sobre cultura pop. Sí, mi propio programa de radio. El primer programa lo escuchan acá.
Cinco momentos de la productora FARSA Producciones
MEDIO: Sin Aliento, periódico del BAFICI
FECHA: Abril 2013
Acá pueden leer online el periódico entero.
Top 5 de momentos FARSA
Los
más independientes entre los independientes desembarcan con todo en el BAFICI.
Luego de aquella experiencia triunfal con Filmatron en 2007 –que obtuvo
el Premio del Público- los FARSA Producciones proyectan, en las pantallas quinceañeras
del festival, la trilogía de Plaga Zombie. Se trata una obra análoga,
económica y paradigmática que significó el desparpajo cinéfilo de un grupo de
entusiastas -¿ya conocen a los fab five, no? Pablo Parés, Hernán Sáez, Walter
Cornás, Berta Muñíz y Paulo Soria- devenidos en referentes de época. Y quienes,
para celebrar, evocan en primera persona cinco de sus más grandes momentos. |
Por Hernán Panessi
Primera cámara, primer
corto | “Cuando tuvimos una cámara en nuestras manos, todo cambió”, sentencia
Pablo Parés. ¿El primer corto? Un incunable: Hernán, el psíquico, que
rodó junto con Hernán Sáez en 1990 cuando eran apenas unos sub-12, y que –por
inexpertos- perdieron días después de finalizado. Títulos sobreimpresos, plano
en el comedor de la casa paterna de los Parés, cámara fija posada en un trípode
y Hernán Sáez sentado en una silla. “Hola, voy a desaparecer”, decía el
niño-actor mientras se frotaba la sien. Corte a lo Méliès, sin haber visto
Méliès. Plano vacío. Desde afuera se oía: “¿ven?, desaparecí, ahora voy a
volver a aparecer”. ¡Túc! Y ahí estaba de nuevo, frotándose. La magia del cine
a través de dos pendejos. Sin dudas, en aquel primer proto-cortometraje,
estaría la síntesis fundamental de lo que vendría más adelante: cine con
amistad y puro pecho, año tras año, tras año, tras año. ¿Y qué se conoce del
segundo? ¡Todo! Boluman, de 1991, hoy se consigue gracias a la otra
magia, la digitalización, en YouTube.
Fantabaires | Es sabido:
la nerdencia argentina de los noventa hizo pie en Fantabaires, aquella mítica
convención dedicada a las historietas, la ciencia ficción, el humor gráfico y
el terror. Y en el año 97 los FARSA pasarían -con cierto agite- Plaga Zombie,
su primer largometraje. En la edición siguiente, la cuestión tomaría otro
vuelo. Nueva exhibición, ahora, con más público. Y así, para 1999, explotaría:
“teníamos copias en VHS y las ofrecíamos tirados en la alfombra. Nunca nos
echaron ni nada. Guardábamos las mochilas en el stand de la revista La Cosa”,
dirá Sáez. En 2000, la gente de Cover Your Bones les ofrecería un pedacito de
su lugar. Un metro de largo, una tevé 14” y una flecha roja de dos metros de
alto sobresaliendo entre todos los stands. “Vendimos un montón pero, además,
teníamos el Chanchito Zombie: nuestro primer crowdfunding”, agrega. De esta
manera financiarían Plaga Zombie: Zona Mutante.
Forum | Luis Moreno
Ocampo fue fiscal jefe de la Corte Penal Internacional. “Le mentimos dos
veces”, dirá Sebastián Berta Muñíz. ¿Cómo? Sí, a finales de los noventa, Moreno
Ocampo conducía un programa por tevé abierta llamado Forum, la corte del
pueblo. Y los FARSA, inspirados en las primeras apariciones televisivas de
Santiago Segura en busca de dinero, se enteraron que la producción del programa
pagaba 100 pesos a cada uno de los participantes. Inventaron dos conflictos,
viajaron en autos separados, fingieron en vivo y se hicieron de unos 400 pesos.
Con ese dinero –birlado con astucia de campeones- aparecerían las primeras
copias autoeditadas en VHS de Plaga Zombie y el mundo nunca volvería a
ser el mismo.
Sitges | Viajaron a
Sitges, el mayor festival de cine fantástico del planeta, en dos oportunidades:
2001 y 2002. En la primera, pasaron Plaga Zombie en Brigadoon, su
sección más accesible. Ahí conocerían, vía el historietista Darío Adanti, a la
gente de Imagen D.E.A.T.H. y, ¡púm!, vendrían sus primeras ediciones
internacionales. Pararon en lo de Angel Mora, propietario del sello. ¿El lugar?
Una pequeña casita en una ciudad contigua a Barcelona. ¿Algo especial? “Era una
casa costumbrista, bien fea, con muchos detalles dorados que luego vimos en una
película porno. Esos eran nuestros distribuidores en España”, comenta Walter
Cornás. Después de hacer buenas migas con todos, darle un álbum de fotos
analógicas a Brian Yuzna y fumarse unos cigarros con Bill Plympton, volverían
al año siguiente para proyectar sus películas y rodar otra con Mora. Pero que
finalmente se caería. Sin embargo, en el avión hacia España, Hernán y Berta,
planearían Noin: un falso documental sobre el supuesto mejor director de
cine de la historia. Actúan ahí desde Guillermo del Toro hasta Santiago Segura,
pasando por Alex de la Iglesia y Jason Patric. Mítico.
Arrancacorazones | Hubo un
postulado tras ese famoso videoclip de Attaque 77, que forma parte del disco
Antihumano editado en 2005: el género fantástico como género posible a nivel
nacional. “Nos ayudó a animarnos a una historia de amor, fue como la primera
balada de una banda heavy”, dice Paulo Soria recordado por ser, justamente, el
hombre a quien Bárbara Lombardo le arrancaba el corazón. Este videoclip les
abriría las puertas a cierta masividad: trabajos con Kapanga, 2 Minutos,
Catupecu Machu, Pez, Árbol y tal. “Usamos la pantalla de los canales de música
como medio para mostrar lo que hacíamos”, agrega. Tuvieron un período intenso
–más de 80 videoclips- que capitalizaron con puntos altísimos, caso: Óyelo,
de Bahiano; Uno los dos, de Miranda! y ¿Dónde están los hombres?,
de Pimpinela, marcando precedente como una de las productoras más prolíficas
del mercado local.
ACTIVIDAD: MR. WHEDON, LO SALUDAMOS: INVITACIÓN OFICIAL Y PÚBLICA AL [16] BAFICI A JOSS WHEDON.
MEDIO: BAFICI
FECHA: Abril 2013
Estuve en el BAFICI, en una charla junto con Marcelo Panozzo, Juanma Domínguez, Juan Pablo Martínez y Stephanie Zacharek. Hablamos sobre Joss Whedon. Un tipo se enojó porque quería ver al coreano Hong Sang-soo. En la charla, dije que no sabía quién era. La gente río. Quedará para el recuerdo la ficha del evento. Además, hay testimonio en video acá y acá.
Mención en el diario ABCHoy a propósito de mi participación como jurado en el Desafío 48Hs
MEDIO: ABCHoy
FECHA: Abril 2013
Mención en el diario ABCHoy a propósito de mi participación como jurado en el Desafío 48Hs, en Tandil. La noticia también salió publicada en el sitio EscribiendoCine.
"Luego de la proyección, el jurado eligió a los cortometrajes ganadores.
Estaba conformado por Bety Eleta (Egresada de la Escuela de Danza del Teatro Colón , Hernán Panessi (Codirector de Videoflims), Ayar Blasco (creador de “Mercano el Marciano”), Mauricio Acosta (Subsecretario de Gobierno del Municipio de Tandil) y Virginia Morazzo (Realizadora y Guionista para Cine y Televisión), quienes decidieron los ganadores del concurso."
Artículo sobre el Nuevo Cine Independiente Argentino para la revista peruana Godard
Artículo sobre el Nuevo Cine Independiente Argentino para la revista peruana Godard. El scan, acá y acá.
Nuevo Cine Independiente: La vanguardia
cinematográfica desde Argentina
Desde la aparición del largometraje
ultra-independiente Plaga Zombie hasta nuestros días, en Argentina se
está llevando a cabo una importante renovación cinematográfica con esquirlas en
todo el Cono Sur: jóvenes cineastas provistos nada más –ni nada
menos- que por sus propios medios, incentivan a otros tantos a que construyan y
consuman arte en lugares donde nunca antes hubieran sido, siquiera, lejanos
partícipes. El Nuevo Cine Independiente aglutina a un convoy de obras indie
pero con serias intenciones de entretener, floreciendo ante un mercado poco
innovador, aburrido y repleto de remakes innecesarias.
Por Hernán
Panessi
¿Qué es el
Nuevo Cine Independiente Argentino?
Históricamente, los movimientos cinematográficos
han sido renovadores de cuestiones vetustas. Las intenciones rupturistas y
contestatarias significaron siempre nuevas perspectivas de visión. Bajo esa
prerrogativa es difícil definir en términos concretos qué es un movimiento. En
caso, el Nuevo Cine Independiente Argentino tiene pretensiones marcadas,
quizás no así sus delimitaciones. Algunos dirán, de forma excesivamente
simplista, que es “la independencia de la independencia”. Imposible.
Estamos hablando de un nuevo paradigma dentro del cine argentino pero que, sin
embargo, es muy permeable a todos los ideales latinoamericanos, y eso es lo
realmente interesante del movimiento.
Autogestión, notoria cofradía, ausencia de
capitales excesivos... Ideas (casi) constantes de una vorágine que supura
esperanza frente a márgenes de desaliento: la de un cine diferente, atractivo y
fatto in casa, como variante al cine comercial.
Lejos de estructuras mainstream
e ideológicamente separados de corporativismos, podríamos señalar claramente
“qué no es” Nuevo Cine Independiente Argentino. En confrontación
directa: Cine norteamericano no es (aunque de ellos toma el ideal absoluto de
entretenimiento), cine europeo no es (no obstante incorpora algunas de sus
formas), cine asiático no es (bueno, quizás las vertientes marciales sí, pero
lejos está de la poética oriental). Perfecto, por decantación, cerca estamos de
asociarlo como el fiel reflejo del cine latinoamericano tendiente a la
guerrilla, y no, tampoco resulta correcta tal acepción. Este movimiento toma lo
mejor del cine mundial germinando una nueva invención: el cine hecho con
algunos amigos en pos de la diversión de muchos. Es decir, estos nuevos y
jóvenes cineastas, inevitables hijos de la cultura de consumo que
generacionalmente heredaron de Hollywood, están elaborando novedosos productos
de entretenimiento retomando una cuestión entre ausente y acéfala en los
últimos años: el cine de género.
Asimismo, vuelven a la vida las
comedias disparatadas, las películas con héroes de acción, el terror clásico y
moderno, la ciencia ficción del nuevo milenio, etc. Cineastas independientes
empatan el criterio latinoamericano de darle la espalda al cine de
género con frutos de calidad.
El Nuevo Cine Independiente
Argentino aflora en el instante exacto (geográfico, político y social)
donde las nuevas generaciones cinematográficas expresan sus verdades con
bravura y destreza. Temporalmente nace con la última declinación del Nuevo
Cine Argentino1, digamos, a partir de
sus segundas obras, luego de significantes óperas primas. Tales películas
aparecen atravesando el mismo espacio temporal pero con una notoria diferencia
de pretensiones. Contemporáneos, quizás; parecidos, ni un poco.
Este movimiento representa, entonces, a
una estampa generacional auténtica, propia de una cultura latinoamericana
doblemente glorificable: independiente y autogestionada.
¿Nuevo
respecto a qué?
Si es “nuevo”, por supuesto, se infiere que hay (o
mejor dicho, hubo) alguno “viejo”. Bajo el afán de agrupar una serie de obras,
como fruto del recambio generacional, apareció una función revitalizadora para
con el cine vernáculo.
Extinto
el denominado Nuevo Cine Argentino (NCA), una época de transición de
entelequias se hizo presente durante el nuevo milenio. Y aquí es donde brota
definitivamente el Nuevo Cine Independiente Argentino (NCI)2.
El concepto es totalizador ya que su extensión,
obviando el “argentino”, representa a las nuevas tendencias sujetas a
construcciones cinematográficas por fuera de las industrias oficiales pero que,
sin embargo, pese a ser más bien periféricos, poseen la calidad suprema para su
exhibición masiva y posterior deleite.
Iniciado
como “cine de culto”, y así fue cómo nacieron la mayoría de las escenas
mundiales, por estos momentos, el NCI gana festivales locales e
internacionales, es reconocido por la crítica argentina y se haya posicionado,
viablemente, cual puerta definitiva, hacia la genuina independencia
cinematográfica latinoamericana.
El carácter autogestionado o cuando la industria oficial da la espalda...
En ese preciso momento en que los
órganos estatales y mecenas variopintos hacen vista gorda, la opción más lógica
–de supervivencia y prepotencia de trabajo- es la de tomar al toro por las
astas: envolverse en la aventura sin pedir permiso y esperando todo a cambio.
Surge la idea del observador participante.
Más por una actitud exquisita que por
prototipos contrarrevolucionarios, muchos directores han evadido la opción de
completar formularios para eventuales patrocinios, debido a –lamentablemente-
las constantes negativas que en su momento dieron las entidades audiovisuales
en brindar apoyo. De esta manera, y de muchas otras también, este sistema
satélite fue conformando su propia idiosincrasia... ¡Autogestionada!
Por consiguiente, el movimiento se
caracteriza en ser “cine hecho por colegas”. El espectador en algún momento
puede hacer su propia película bajo ciertos estándares de calidad. No hay una
barrera formal entre quienes hacen y quienes potencialmente podrían hacer.
Todos los intervinientes –sin diferencias elitistas, ni divismos extremos-
aportan su capital en plan del cumplimiento de objetivos: hacer cine, construir
pensamiento auténtico por fuera de los circuitos comerciales.
Los inicios... FARSA Producciones
Mucho antes de saber qué les depararía el destino,
unos niños de la localidad de Haedo (al oeste de la provincia de Buenos
Aires), jugaban con unas viejas cámaras VHS a hacer lo que siempre les
gustó: cine. Precisamente, desde comienzos de la década del ‘90, con sólo 11
años de edad -da fe: Boluman (Diego y Pablo Parés, 1991), hoy
conseguible en YouTube-, comenzaron filmando cortometrajes de obvios
tintes infantiles, posteriormente mediometrajes más atrevidos y ahora,
establecidos como pináculo del movimiento, cosechan legiones de fanáticos por
todo el mundo. Estamos hablando de los FARSA Producciones (cuyo team
oficial reza los siguientes nombres: Pablo Parés, Hernán Sáez,
Berta Muñíz, Walter Cornás y Paulo Soria), y son quienes
han conformado la piedra elemental del Nuevo Cine Independiente, el
híbrido terror-comedia: Plaga Zombie: ¡La venganza alienígena ha
comenzado! (Pablo Parés y Hernán Sáez, 1997), un opus económico
–hecho con $150 dólares- que los llevó, por su carácter innovador, a formar
parte de las grandes ligas de la independencia.
Esta experiencia casera fue significante en la
conformación de la escena, debido a que inclinó a miles de jóvenes a querer
emular su linaje y romper, con ello, los límites de la autonomía.
La expansión y consolidación del germen
Una vez instalado el criterio del do it yourself,
cantidades de cineastas y atrevidos cinéfilos se aventuraron en probar suerte
con sus propias películas.
Debido a la proliferación de Internet
y a la “democratización” de la tecnología, el acceso a la industria cinematográfica
está medida en cuestiones de coraje. Por lo tanto, bajo esa intención
primigenia de la independencia, aparecieron grandes directores argentinos,
determinantes en la composición del movimiento y trascendentales para que sea
consolidado y rectificado dentro de la industria.
Películas como las de Adrián García Bogliano,
Habitaciones para Turistas (2004) y
36 Pasos (2006) y las de la productora Paura Flics
en general (Grite una Noche, 2005; No Moriré Sola, 2008; Sudor
Frío, 2011), le dieron –sobre todo al terror- una bocanada de aire fresco,
un nombre de prestigio, estimulando un género suspendido durante mucho tiempo.
El palmarés que cayó sobre el film de ciencia
ficción Filmatrón (Pablo Parés, 2007): Mejor Película Nacional en el BAFICI
y en el FESAALP, Premio del Público en el BARS, menciones en Estepona
y Fantasposa, ha sido imprescindible para la legitimación del movimiento
en ámbitos considerados serios o solamente penetrables por las poderosas
majors.
El guiño de los consolidados, caso Peter Jackson,
diciéndole al nóbel Andrés Borghi (director del largometraje Bailando
con el Peligro, 2009): “Estaré pendiente de todos tus proyectos”, en
el marco del concurso neocelandés Working Day, donde Borghi
obtuvo el primer premio, significó el alerta de que el mundo cinematográfico high
profile está mirando para Latinoamérica.
Dentro del género comedia, la locura de 2 Locos
en Mar del Plata (Matías Lojo y Pablo Marini, 2009) y la vanguardista saga
de Tetsuo Lumière (TL-1: Mi reino por un platillo volador, 2004; TL-2:
La felicidad es una leyenda urbana, 2009) representan el advenimiento de
films divertidos sin la necesidad de caer en obviedades encasilladas.
Conjuntamente, por si fuera poco, aparecen
magníficas obras como Recortadas (Sebastián de Caro, 2009), La Casa
por la Ventana (Esteban Rojas, 2010), El Hada Buena: Una fábula
peronista (María Laura Casabé, 2010), Incidente (Mariano Cattaneo,
2010) y Plaga Zombie 3: Revolución Tóxica (Pablo Parés, 2011),
fundamentales para entender al movimiento que, cada vez más, encuentra su lugar
en el mundo: el de la legitimación.
Sostenida por tamaño caudal artístico, la
revolución cinematográfica es tajante e inevitable. Generar cuestiones
innovadoras a fuerza de no encontrar espacios adecuados en el mainstream,
es una actividad que, según parece, el Nuevo Cine Independiente Argentino
cumple y dignifica.
1 Grupo heterogéneo de películas que asumían su carácter contemporáneo,
desde 1997 a 2009. La mayoría responde a una bajada de línea intencional por
parte de la demanda del Instituto Cinematográfico de Artes Audiovisuales
(INCAA), y cuyos máximos referentes estéticos son: Pizza, Birra y Faso
(Bruno Stagnaro e Israel Adrián Caetano, 1997) y Mundo Grúa (Pablo
Trapero, 1999).
2 Término acuñado, en primero momento, por publicaciones especializadas
en el año 2009 y cuyo uso se hizo notoriamente extensivo al resto de los
participantes (hacedores y espectadores) con el correr de los días.
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