Aparición en "Que la fuerza te acompañe", libro de Alejandro Soifer

MEDIO: Que la fuerza te acompañe, libro de Alejandro Soifer
FECHA: Agosto 2012
Aparición en "Que la fuerza te acompañe", libro de Alejandro Soifer (01)
Aparición en "Que la fuerza te acompañe", libro de Alejandro Soifer (02)
Aparición en "Que la fuerza te acompañe", libro de Alejandro Soifer (03)

Nota: Indie Game: The Movie

MEDIO: Revista Irrompibles
FECHA: Agosto 2012
Nota: Indie Game: The Movie (01)
Nota: Indie Game: The Movie (02)

Indie Game: The Movie (2012)
Por Hernán Panessi | @hernanpanessi

En búsqueda de la felicidad

Un documental que sigue las andanzas de algunos desarroladores de juegos independientes. Y que, al liberar esas obras, ellos mismos se entregan al mundo.

El mundo de los videojuegos tal vez empuje consigo, en su condición lúdica, uno de los mayores pre-conceptos favorables de todas las profesiones: lo que ahí acontece siempre es maravilloso. Para derribar esa teoría, para meternos en carne que los videojuegos tienen sus pormenores, emerge Indie Game: The Movie, donde -desde los márgenes- se construyen epopéyicas aventuras al ritmo de dos o tres pares de manos. Sí, porque no sólo Microsoft o Nintendo o EA son los que juegan en la industria. Ahora, de un tiempo a esta parte, cansados de trabajar para las grandes compañías o bien siguiendo sus propias voluntades artísticas y de cambio, han aparecido nuevos desarrolladores para patear el tablero de lo establecido. En Indie Game: The Movie, investigación dirigida por Lisanne Pajot y James Swirsky, se sigue la pista de algunos programadores de videojuegos independientes –correspondientes al Super Meat Boy, Bread y FEZ, aunque la entelequia refiere, acá, en rigor, a “proyectos autogestionados, fuera del espectro económico del mainstream: pocos actores, mucho el trabajo”, mucho más que a estos casos particulares-, en su lucha por realizarlos, lanzarlos, empatizar con la prensa especializada y gustarle a su público. Esta película le da rostro humano aquellos héroes –que paulatinamente son legión- de los que, a ciencia cierta, poco se sabe y mucho se habla. Ofrece una mirada única por sobre todos los sacrificios que deben pasar estos hombres orquesta, que al estar solos se tornan vulnerables a pequeños y funestos actos cotidianos –enfermedades, problemas edilicios, divorcios, dificultades económicas, discusiones a muerte y más dificultades económicas-, pero que, pese a ellos, encuentran su lugar en el mundo en aquel refugio que otorgan los videogames.
De forma fascinante, en su pasión por la perfección, los desarrolladores de los que se pone el foco, Jonathan Blow, Phil Fish, Edmund McMillen y Tommy Refenes, apuestan toda su energía en que el resultado sea agradable para los usuarios. La pulsión de vida volcada en unos bytes. Que más que bytes, son pura vida. (La analogía de Refenes y el estreno de su juego comparándolo con llevar a un hijo al primer día de colegio es maravillosa.) Así, se lo verá sudar la gota gorda a, entre otros, Phil Fish, creador del FEZ, una de las historias más cautivantes del documental, en una convención que reúne a millones de gamers en busca de probar novedades. El espectador descubrirá cómo es la vida dentro de la industria independiente, donde contemplar la posibilidad del fracaso es, cuanto menos, para esos niveles de autoexigencia, una tragedia griega.
Pese a su crudeza, se develará el porqué han elegido esas vías de expresión, tales formas de existencia, el cómo los ha afectado en su desarrollo social, emocional, físico y financiero. Plantea dilemas existenciales (-“¿Qué pasaría si fracasaras?”, -“Me suicidaría”, responde el intenso Fish), incluso barajando la posibilidad de estar insatisfechos con la vida que han elegido (“Voy a trabajar en el negocio de los autos. No, no quiero trabajar con autos. No quiero hacer nada”, dice Tommy Refenes, uno de los creadores del Super Meat Boy).
Estamos ante uno de los mejores documentales de videojuegos de los últimos años. Si el interés pasa por inmiscuirse sobre cuál es el detrás de escena de la industria independiente de los fichines, extrapolable a casi cualquier “industria independiente”, no pueden dejar de verlo. Lo interesante, aquí, también, es que se puede comprobar la evolución de los tres juegos presentados en el filme a través de sus páginas webs y redes sociales. Por caso, los tres –a su manera- se han convertido en históricos éxitos (de ventas, críticas, adeptos y tal). Y ese, a la sazón, no sin sonrisas, es su final feliz.

Indie Game: The Movie se consigue en Internet por $9,99 USD a través de su sitio oficial: http://www.indiegamethemovie.com/

Review de Comedians in Getting Coffee

MEDIO: Revista La Cosa - Cine Fantástico
FECHA: Agosto 2012
Review de Comedians in Getting Coffee

Comedians in Cars Getting Coffee
USA, 2012

DIRECCIÓN Y GUIÓN Jerry Seinfeld
DURACIÓN 13’
STATUS Crackle.com

RESULTA QUE El postulado es bastante simple: dos personas van a comprar café en auto. Se filma la charla. Beben y conversan. Créditos finales. Todo esto parecería sustancialmente austero de no ser porque quien maneja el coche es Jerry Seinfeld y quienes lo acompañan son algunos de los principales comediantes de la Historia.

¿QUÉ ONDA? De Larry David a Ricky Gervais, pasando por Alec Baldwin y Michael Richards, muchos serán los entrevistados por el mismísimo Jerry en situaciones informales que devienen, como en aquel recordado show sobre la nada, en algo especial. Y ese “algo”, a la sazón, puede convertirse en la mejor sitcom espontánea de toda la cosmogonía ciberespacial. Después de Curb Your Entusiasm, vuelve Jerry Seinfeld. Que, sí, nunca se fue, pero ahora, está en exclusiva para Internet, gratis, sin concesiones y con subtítulos.

¿QUÉ APRENDÍ CON ESTA SERIE? Con el probado talento de Seinfeld se puede hacer cualquier cosa. ¡Cualquiera, eh!

- Hernán Panessi

MIRALA SI TE GUSTÓ... Spoilers with Kevin Smith

Review de Max King Comics!

MEDIO: Revista La Cosa - Cine Fantástico
FECHA: Agosto 2012
Review de Max King Comics!

Max King Comics! #15
Argentina, 2010

GUIÓN Max King
DIBUJO Max King
EDITA MK Comics
PÁGINAS 50
PRECIO $7,00

RESULTA QUE Max King Comics! es un noble pasquín en blanco y negro con mucho humor, homenajes constantes al firmamento comiquero –de acá y de allá- y un puñado de héroes improbables de carne y hueso, como vos, como yo, como Diego Rodríguez, el joven protagonista del número 15.
¿QUÉ ONDA? Hay, detrás de Max King Comics!, un ejemplo de resistencia. Y no sólo de firmeza romántica, sino de sangre, sudor y lágrimas. El “cuándo” y el “cuánto”, a estas alturas, ya tienen trece años de inquebrantable justificación, de recorrer el under de punta a punta. Por otro lado, el “quién” le corresponde a Ariel Maskin, creador de “Argentineman” –proclamado “el primero superhéroe autóctono”-, y constante batallador del mundo de los fanzines en papel. Después de miles de convenciones de cómics encima, Maskin se emerge como uno de los bastiones de la contracultura nac & pop. Un ejemplo de tesón que la historieta argentina agradece.
¿QUÉ APRENDÍ CON ESTE CÓMIC? El universo subterráneo tiene fuertes exponentes.
- Hernán Panessi
LEELO SI TE GUSTÓ... Los fenómenos culturales alternativos

Nota: Fútbol (La Despedida & El Otro Fútbol)

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Agosto 2012
Nota: Fútbol (La Despedida & El Otro Fútbol) -versión online-

Amor por la camiseta

Si hay fútbol hay historias. Y si hay historias, habrá cine. Este es el cuento de dos películas sobre el mundo del deporte más bello del mundo y ésta, claro, es una nota sobre la sangre que corre por sus venas. Nada es lo mismo sin fútbol. Por Hernán Panessi

El fútbol, ese deporte donde dos equipos se baten a duelo en un campo de juego –que bien puede ser un césped en Londres o un terreno baldío en Gerli- y cuya naturaleza de acción es, a simple vista, sencilla: quien mete más goles, gana. Ése, el mismo deporte que, para algunos, puede ser un deporte pero para otros, a secas, la vida misma. Lo más bello de la existencia, el día a día, el pasado, presente y futuro de toda la especie humana. De acá y allá, de allá y más acá. Y, por caso, si hay algo que comparten notablemente La Despedida y El Otro Fútbol, feliz coincidencia en las carteleras del mes de Agosto, es un apego por la pasión, vista en su forma más primitiva, más pura y más humana. Porque el fútbol, y esa pelota, la linda, la revoltosa, contienen en sí mismo un carácter de espectacularidad pero más lo tienen de épico, de impoluto e imperecedero (y acá citamos al mejor filósofo del palo: “la pelota, la pelota no se mancha”). En La Despedida y El Otro Fútbol se chocan las pasiones. Hay un ángel detrás del “mundo fútbol” que, a la sazón, es su mayor virtud: lo inexplicable de su peso (a ver, ¿quién puede explicar la pasión y su razón?). Así lo transita a barlovento Jorge (Carlos Issa), el protagonista de La Despedida, quien, pese a problemas físicos graves, su propia voluntad lo empuja a seguir adelante por lo que ama. Y lo que ama, sí, es el fútbol. Por caso, se trata del mismo amor que comparten todos y cada uno de los protagonistas de El Otro Fútbol, donde hay quien dice que el romance verdadero está ahí, en el ascenso. Allí adonde, es sabido, se respira fidelidad, falta el dinero pero sobra pasión. Y el significante, quedó más que claro, siempre es la pasión.
Ambas, son más que películas de fútbol, son miradas particulares sobre algo que, a menos que se lo viva, son imposibles de comprender. Por eso, en El Otro Fútbol, que además de ser un documental dirigido por Federico Peretti es un bellísimo libro homónimo con prólogo de Alejandro Fabbri, no sorprende que un chofer de colectivos diga que, pese a vivir con el horario cambiado, lo que no cambiaría para nada es su vida. Y su vida, en rigor, es el fútbol. Jugarlo, mirarlo, sentirlo. Como esa falla cardiaca que tiene Jorge, el de La Despedida, ficción de Juan Manuel D’Emilio, que oculta hasta el hartazgo –pese a las peticiones de su mujer, aún a pesar del riesgo mortal que eso implica- para jugar el último partido de su vida. A propósito, hay un filme a reivindicar, pequeñito, muy poco difundido: El Último Hombre, una película facturada con vecinos y dirigida por Carlos Larrache que versa una temática similar. En La Despedida actúa Fernando “El Rifle” Pandolfi, ex jugador que entre 1993 y el 2000 defendió la camiseta de Vélez Sarsfield –en 1997 tuvo un breve paso por el Perugia italiano- y quien durante un año -2000 a 2001- militó en las filas del Boca Juniors de Carlos Bianchi. Y fue de aquel equipo que supo ser campeón de todo donde Pandolfi dijo: señores, no va más. En el súmmum de su carrera, a los 28 años, le decía adiós al fútbol. Entonces, acá, parte de su devenir, tendrá su correlato en Fede, el personaje que “El Rifle”, de sólida actuación, lleva adelante en la historia de D’Emilio. Y este Fede será quien sostenga emocionalmente el ocaso de Jorge pero que, de forma confesa, también vivirá el suyo: “nah, yo no sirvo para nada”, dirá, mientras se toma alguna birrita. Es que ellos, que supieron ser cracks, hoy hacen ¡crack! Sí, que las rodillas, que las lesiones, que los años, que los técnicos, que la mar en coche (o en casa rodante). Sin embargo, en su honestidad, hay un amor evanescente, una fraternidad para con el fútbol que deviene insoslayable –Pandolfi supura fútbol cuando habla y cuando calla; asimismo cuando canta- y esto hace que todo se torne genuino.
De la misma manera, de Ushuaia a La Quiaca, de Corrientes a San Juan, El Otro Fútbol pone en óptica todo el barrio, la improvisación, el sacrificio, los lugares inverosímiles, los personajes difíciles de encontrar y la certeza de poseer un privilegio que no se consigue: el fútbol siempre tiene algo para contar, y si esa historia viene del ascenso, seguro, se trata de un canto de cariño. De una cruza perfecta entre melodrama y acción –casi el postulado de las películas convencionalmente exitosas-. Y allí aparecen las canchas, otros de los protagonistas absolutos. Atlanta de Villa Crespo, Sarmiento de Junín, Kimberley de Mar del Plata, Victoriano Arenas de Valentín Alsina y tal. Y adentro, los jugadores. Hombres, héroes, leyendas vivientes. Unos de los responsables de que todo el encanto suceda. Magos naturales que hacen correr la pelota; y con ella, sueños, fantasías, anhelos. Así, para que lo más grande acontezca, sólo hacen falta dos cosas: algunos jugadores y una pelota. Porque, queda claro, el fútbol se juega dónde, cuándo y cómo se quiera. Para ello, sólo hace falta pasión.

Aparición esporádica por FanSci en TN Tecno

MEDIO: TN Tecno
FECHA: Agosto 2012
Aparición esporádica por FanSci en TN Tecno

Programa especial sobre "Nerds"

MEDIO: Lado H (Glitz TV)
FECHA: Agosto 2012
Programa especial sobre "Nerds"

Primera aparición en TV de Lucho's Big Adventure

MEDIO: Blog de Lucho's Big Adventure
FECHA: Agosto 2012
Primera aparición en TV de Lucho's Big Adventure

NUESTRA PRIMERA APARICIÓN EN TV SE VIÓ EN TODA LATINOAMÉRICA. It ain’t bullshit, muchachitos y muchachitas. En el programa LADO H del canal GLITZ, hablaron del fenómeno “nerd” (aparentemente estamos de moda) y, entre los ilustres nerds latinoaméricanos entrevistados, estaba nuestro productor, coordinador de prensa y actor de reparto, el -hoy en día famosísimo-, Hernán Panessi. Panessi, ni lento ni perezoso, habló de Lucho’s y además mostraron imágenes de nuestra película, aún de rodaje. ¿GROOVY, O NO? Y si te lo perdiste, ¡miratelo, ya!

El cine & Stephen King + The Expendables 2

MEDIO: Cómo robar el mundo (Radio Metro 95.1)
FECHA: Agosto 2012
El cine & Stephen King + The Expendables 2

Nota en TV: ¿Qué es ser nerd?

MEDIO: Desayuno Americano (América TV)
FECHA: Agosto 2012
¿Qué es ser nerd?

Mención entre los jurados del FESAALP

MEDIO: FESAALP (Festival de Cine Latinoamericano de La Plata)
FECHA: Agosto 2012
Mención entre los jurados del FESAALP

Frase sobre La Era del Rock

MEDIO: Haciendo Cine (versión online)
FECHA: Agosto 2012
Frase sobre La Era del Rock

La Era del Rock, de Adam Shankman (WB)

“La Era del Rock huele a Mamma Mía y This is Spinal Tap. O a: ¿qué pasaría si juntamos a esas dos y las mechamos en forma intensa con Casi famosos? El resultado, por caso, deviene delicioso”, palabras de Hernán Panessi en la crítica publicada en el número de agosto.

Se podrá ver en 26 pantallas.

Reseña de La Era del Rock

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Agosto 2012
Reseña de La Era del Rock

Después del rock

Un musical protagonizado por Tom Cruise, Alec Baldwin y Russell Brand dibuja la caricatura del estándar rockero y sus vaivenes. Con La Era del Rock, siempre que el pasado lo permita, el musical contemporáneo quiere dejar el gueto cinéfilo y convertirse en millones.
Por Hernán Panessi


En Retromanía: La adicción del pop a su propio pasado, el crítico musical británico Simon Reynolds señala que lo retro tiene un significado específico: refiere a un fetiche autoconsciente por la estilización de un período (en cuanto a música, ropa y diseño) que se expresa creativamente a través del pastiche. Y La Era del Rock, cuya mayor influencia es la de su propio pasado –un pasado que está ahí, que es su ahora-, huele a Mamma Mía –sí, gran filme- y a This is Spinal Tap. O a: ¿qué pasaría si juntamos a esas dos y la mechamos en forma intensa con Casi Famosos? Y el resultado, por caso, deviene delicioso. Es que, por ejemplo, uno de los protagonistas de esta película, dirigida por Adam Shankman, tal vez el coreógrafo más importante de toda la industria, es el siempre vigente Tom Cruise. Un Cruise maduro, recién separado de Katie Holmes, que, de parabienes, no se toma enserio y eso, a la sazón, se percibe. Su personaje, de nombre Stace Jaxx, en un tino que lo hace quedar tan goma que da risa, es una suerte de héroe clásico del rock. La mitificación de lo sexual en un tipo que no sólo está quemado, sino que quema vivo (las mujeres se le derriten; y él, lo más campante en su microcosmos genital). Y queda claro que ésta es una de esas películas que, como a Cruise, no hay que tomársela en serio. Hacerlo sería: a) faltarle el respeto, b) ser un idiota, c) faltarle el respeto y ser un idiota. Sucede que La Era del Rock está en línea directa con las comedias musicales de Broadway, tan ávidas para la parodia, a las cuales, sin ir más lejos, adapta desvergonzadamente: aquí aparece la obra homónima de Chris D’Arienzo, que aún sigue en actividad desde el 2005 y goza de plena salud.
En la historia, un chico, Drew (Diego Boneta), y una chica, Sherrie (Julianne Hough), ambos oriundos de pueblos pequeños, viajan al Sunset Street para cumplir sus sueños de triunfar en Hollywood. En medio, un legendario bar, regenteado por Dennis (Alec Baldwin) y Lonny (Rusell Brand), los toma como empleados bajo la promesa –luego incumplida- de “no ser cantantes”. Mientras luchan con unos gobernantes pretenciosos (Bryan Cranston y Catherine Zeta-Jones), contratan a Stacy Jaxx (el mencionado Cruise) para tener, allí, la mejor noche de sus vidas. Sin embargo, no todo sale como lo planeado y, para colmo, el polémico manager, Paul Gill (oh, san Paul Giamatti), se manda de las suyas. Este clima de acciones joviales se ve acompañado por un buen puñado de música ochentosa, esa que hace mover hasta la patita del más tímido. Así, aparecen desde Poison a Bon Jovi, pasando por Twisted Sister, Scorpions y Guns N’ Roses. Todo, sujeto bajo ese postulado de “si tanto lo anhelás, puedes conseguirlo”. Porque, hay que decirlo, los musicales fueron creados para animar a la gente en tiempos de crisis –los años dorados del género fueron durante el Crash del ’30 en los Estados Unidos- y, en épocas de poca factura creativa, el revival, el culto por lo añejo, aquí, termina siendo la mejor solución. Dicen que todo tiempo pasado fue mejor; y, si es cantado y concatenado en un cuento, dos veces bueno.

Nota sobre películas de fútbol (La Despedida y El Otro Fútbol)

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Septiembre 2012
http://s9.postimage.org/nnp68wme7/f_tbol_01.jpg
Nota sobre películas de fútbol (02)

Amor por la camiseta Si hay fútbol hay historias. Y si hay historias, habrá cine. Este es el cuento de dos películas sobre el mundo del deporte más bello del mundo y ésta, claro, es una nota sobre la sangre que corre por sus venas. Nada es lo mismo sin fútbol. Por Hernán Panessi

El fútbol, ese deporte donde dos equipos se baten a duelo en un campo de juego –que bien puede ser un césped en Londres o un terreno baldío en Gerli- y cuya naturaleza de acción es, a simple vista, sencilla: quien mete más goles, gana. Ése, el mismo deporte que, para algunos, puede ser un deporte pero para otros, a secas, la vida misma. Lo más bello de la existencia, el día a día, el pasado, presente y futuro de toda la especie humana. De acá y allá, de allá y más acá. Y, por caso, si hay algo que comparten notablemente La Despedida y El Otro Fútbol, feliz coincidencia en las carteleras del mes de Agosto, es un apego por la pasión, vista en su forma más primitiva, más pura y más humana. Porque el fútbol, y esa pelota, la linda, la revoltosa, contienen en sí mismo un carácter de espectacularidad pero más lo tienen de épico, de impoluto e imperecedero (y acá citamos al mejor filósofo del palo: “la pelota, la pelota no se mancha”). En La Despedida y El Otro Fútbol se chocan las pasiones. Hay un ángel detrás del “mundo fútbol” que, a la sazón, es su mayor virtud: lo inexplicable de su peso (a ver, ¿quién puede explicar la pasión y su razón?). Así lo transita a barlovento Jorge (Carlos Issa), el protagonista de La Despedida, quien, pese a problemas físicos graves, su propia voluntad lo empuja a seguir adelante por lo que ama. Y lo que ama, sí, es el fútbol. Por caso, se trata del mismo amor que comparten todos y cada uno de los protagonistas de El Otro Fútbol, donde hay quien dice que el romance verdadero está ahí, en el ascenso. Allí adonde, es sabido, se respira fidelidad, falta el dinero pero sobra pasión. Y el significante, quedó más que claro, siempre es la pasión.
Ambas, son más que películas de fútbol, son miradas particulares sobre algo que, a menos que se lo viva, son imposibles de comprender. Por eso, en El Otro Fútbol, que además de ser un documental dirigido por Federico Peretti es un bellísimo libro homónimo con prólogo de Alejandro Fabbri, no sorprende que un chofer de colectivos diga que, pese a vivir con el horario cambiado, lo que no cambiaría para nada es su vida. Y su vida, en rigor, es el fútbol. Jugarlo, mirarlo, sentirlo. Como esa falla cardiaca que tiene Jorge, el de La Despedida, ficción de Juan Manuel D’Emilio, que oculta hasta el hartazgo –pese a las peticiones de su mujer, aún a pesar del riesgo mortal que eso implica- para jugar el último partido de su vida. A propósito, hay un filme a reivindicar, pequeñito, muy poco difundido: El Último Hombre, una película facturada con vecinos y dirigida por Carlos Larrache que versa una temática similar. En La Despedida actúa Fernando “El Rifle” Pandolfi, ex jugador que entre 1993 y el 2000 defendió la camiseta de Vélez Sarsfield –en 1997 tuvo un breve paso por el Perugia italiano- y quien durante un año -2000 a 2001- militó en las filas del Boca Juniors de Carlos Bianchi. Y fue de aquel equipo que supo ser campeón de todo donde Pandolfi dijo: señores, no va más. En el súmmum de su carrera, a los 28 años, le decía adiós al fútbol. Entonces, acá, parte de su devenir, tendrá su correlato en Fede, el personaje que “El Rifle”, de sólida actuación, lleva adelante en la historia de D’Emilio. Y este Fede será quien sostenga emocionalmente el ocaso de Jorge pero que, de forma confesa, también vivirá el suyo: “nah, yo no sirvo para nada”, dirá, mientras se toma alguna birrita. Es que ellos, que supieron ser cracks, hoy hacen ¡crack! Sí, que las rodillas, que las lesiones, que los años, que los técnicos, que la mar en coche (o en casa rodante). Sin embargo, en su honestidad, hay un amor evanescente, una fraternidad para con el fútbol que deviene insoslayable –Pandolfi supura fútbol cuando habla y cuando calla; asimismo cuando canta- y esto hace que todo se torne genuino.
De la misma manera, de Ushuaia a La Quiaca, de Corrientes a San Juan, El Otro Fútbol pone en óptica todo el barrio, la improvisación, el sacrificio, los lugares inverosímiles, los personajes difíciles de encontrar y la certeza de poseer un privilegio que no se consigue: el fútbol siempre tiene algo para contar, y si esa historia viene del ascenso, seguro, se trata de un canto de cariño. De una cruza perfecta entre melodrama y acción –casi el postulado de las películas convencionalmente exitosas-. Y allí aparecen las canchas, otros de los protagonistas absolutos. Atlanta de Villa Crespo, Sarmiento de Junín, Kimberley de Mar del Plata, Victoriano Arenas de Valentín Alsina y tal. Y adentro, los jugadores. Hombres, héroes, leyendas vivientes. Unos de los responsables de que todo el encanto suceda. Magos naturales que hacen correr la pelota; y con ella, sueños, fantasías, anhelos. Así, para que lo más grande acontezca, sólo hacen falta dos cosas: algunos jugadores y una pelota. Porque, queda claro, el fútbol se juega dónde, cuándo y cómo se quiera. Para ello, sólo hace falta pasión.

Reseña El Sol, de Ayar Blasco (01)

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Septiembre 2012
Reseña El Sol, de Ayar Blasco (01)
Reseña El Sol, de Ayar Blasco (02)

Poemas de la última noche de la Tierra

El creador de Mercano, el Marciano, Ayar Blasco, vuelve con una película a tono con su historia. La apocalíptica El Sol, tal es su nombre, después de pasear por festivales del mundo, se estrena finalmente en malba.cine. Por Hernán Panessi

¿Será el postulado de hacer lo primero que se le viene a la mente? Ojo que además puede ser lo delirante de toda su obra antecedente, ¿no? ¿O será, esta vez, el casting psicotrónico? También, acaso, acá deviene la hipótesis que luce más acertada, su voluntad, parte fundamental del cuento, podría entenderse como la libertad artística de hacer aquello que quiera sin pretensiones, más que las de estar conforme consigo mismo. Y eso, en brazos de Ayar Blasco, responsable de Mercano, el Marciano y de la webserie Chimiboga, habla de una sinceridad y una coherencia histórica para con su obra: “Muchos me dicen que se van a fumar unos porros antes de ver mi película”, desliza el realizador en entrevista exclusiva con Haciendo Cine.
El Sol, por caso, su último filme animado, sigue la tónica extravagante de su filmografía previa: la destrucción de la civilización genera que unos pocos sobrevivientes se aglutinen en barrios aislados para intentar, así, recomponer alguna forma de sociedad. Y esto ocasiona que, también, por deformación, otros se dediquen al canibalismo. En medio, nuevamente, el delirio, la desproporción y el rigor por las locuras: emergerán unas papas radioactivas, un mimo tan dramático como sórdido, un político puteador –cuya voz no podía ser otra que la del Dr. Tangalanga- y unos antihéroes descartables.
En el elenco, siempre afin a sus pretensiones artísticas, están desde Sofía Gala Castiglione hasta Divina Gloria, pasando por Martín Piroyansky, Jorge Sesán, Luciana Condito (N. de redacción: sí, la hija del distribuidor Pascual Condito) y el Dr. Tangalanga. “Mi productora Jimena Monteoliva (N. de redacción II: también productora de la flamante Pompeya, de Tamae Garateguy) se encargó de conseguirme los actores. Yo había pensado en Sofía Gala y Jorge Sesán desde un principio. Se parecen bastante a dos amigos que tengo y me alegró verlos entusiasmados con el proyecto. Fue un placer laburar con ellos. Al reparto se sumó Divina Gloria, que tambien me cerró mucho con el personaje y es una actriz excelente. También grabó Martin Piroyanski, despues de haberlo conocido en el rodaje de Cara de Queso, donde resultó que era un habitual seguidor de las animaciones de mi site (N. de redacción III: www.chimiboga.com). Y por último, se sumó El Dr. Tangalanga”. Sobre la aparición en el cast del popular bromista telefónico, Blasco señaló que: “esta pelicula es su debut como actor, y la verdad es increíble cómo trabajó. Tuve que adaptar el guión a todo lo que improvisaron, en especial a él. Su condicion para estar en El Sol, era que se puedan decir malas palabras. Demás esta decir que acepté”.
La película, que pasó por Fantaspoa (Brasil), Varsovia (Polonia), La Habana (Cuba), PIFAN (Corea), Rotterdam (Holanda), Fantasia (Canadá) y, aquí, estuvo en BAFICI y el work in progress de Mar del Plata, donde ha juntado un merecido prestigio, viene realizándose desde el año 2007. “Hemos tardado bastante, porque somos un equipo de animación independiente. Sumado a esto, muchas distracciones mías con el Facebook, por ejemplo. Mi idea era hacer lo que se me venga a la mente, no importa si por momentos carecía de sentido”, dijo Ayar B., quien para Mercano, el Marciano, su ópera prima que realizó junto con Juan Antín, contó con un grupo de 50 personas trabajando en el proyecto; y en El Sol, mucho tiempo después, con solamente unas 7. “La temática es futurista, post apocaliptica. Tipo Mad Max, pero en joda. He escuchado que la comparan con South Park porque son dibujos mal hechos, pero mi peli no es cómica, no es una película hilarante. Es graciosa a ratos por los actores, o las situaciones absurdas, pero no es una comedia”, apunta. Y sorprende con la siguiente sentencia: “Tiene momentos que no puedo explicar, y claramente no está pensada para divertir”. Pese a ello, Ayar B. se sabe divertido. Entiende bien que, en estos momentos, se convirtió en uno de los tipos más graciosos del cine nacional. Y así lo remarcó, por ejemplo, con Plaga Zombie: La serie animada, donde los personajes de FARSA Producciones deambulan en un nuevo –aunque pretendidamente conocido- universo, pero bañados, eso sí, en ácido lisérgico y secados al calor del humo cannábico.
A la sazón, atravesando los 72 minutos animados de El Sol, el largometraje irá devolviendo una batería de chistes químicos que, anclados en su misma falta de coherencia, atropellarán duro contra la moral de los puritanos y, en consecuencia, con las visiones más puristas del cine de animación. “Pienso que es posible que resulte un poco ofensiva para los animadores o la gente que disfruta del arte de la animacion. Supongo está mas cerca del cine con actores o de la historieta en todo caso”, dice sobre las reacciones que genera en el espectador. Reacciones que, potenciadas con el primer comentario del director, pueden devenir en súmamente ocurrentes.

Reseña de Justice - New Lands, clip de Canadá

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Agosto 2012
Reseña de Justice - New Lands, clip de Canadá

¡Viva los clips!
Afincados en Barcelona, tres directores del mundo del cine, la publicidad y el videoclip, Nicolás Méndez, Luis Cerveró y Lope Serrano, se han juntado en 2008 para dar forma a la productora con más stylish del momento: Canadá. En pleno revival de los videos, ya rompieron todo con ese collage que venía con olorcito a Carl Sagan llamado “Bombay”, de El Guincho, y ahora se despachan, ya siendo unos Clase A a punto de hacer definitivamente ¡boom!, con “New Lands”, de Justice (¡esos lentflares no pueden ser!). Porque, sí, la mejor película del 2012 vino en 1080p HD en formato videoclip. Conocelos en: http://www.lawebdecanada.com/ y mirá “New Lands”, acá: http://www.youtube.com/user/RedBullMusic

Entrevista en INFOnews: Adultescentes o Kidults

MEDIO: INFOnews
FECHA: Agosto 2012
Entrevista en INFONews: Adultescentes o Kidults

Hernán Panessi tiene 25 años y es un adultescente confeso aunque él prefiere denominarse ‘nerd’. “Compro casi cualquier objeto que tenga que ver con la cultura pop: DVD’s, VHS’s, vinilos, cómics, discos, libros, videojuegos y, claro, muñecos. Derivados, sí, de todos los anteriores”.

Periodista especializado en cine de género, Panessi afirma a INFOnews: “Vivo sin culpas e, incluso, ahora que el contexto ayuda, me vanaglorio. Desde aquel Rambo que me regaló mi madre a los 3 años hasta el Ken de Street Fighter II que compré azarosamente hace unos días, todos conviven y persisten en mi colección sin predilección por lo individual. Tengo una devoción por los objetos –siempre seriados; nada artesanal es de mi agrado- de la cultura pop y los muñecos, a la sazón, son una buena síntesis de ella. Soy un absoluto fetichista de las cosas”.

Mención de la entrevista en Revista Anfibia

MEDIO: Lado B (Puebla, México)
FECHA: Agosto 2012
Mención de la entrevista en Revista Anfibia

Lea aquí la crónica publicada en Revista Anfibia, de un tipo que desde que tiene conciencia anota todas las películas que ve en una libreta con abecedario. Cuando dice todas son todas: “hay películas de cine shampoo de sábado a la tarde y otras que vi en viajes en colectivo. No falta ninguna”.

Mención de la gacetilla sobre Te Creís la más linda... (pero erís la más puta)

MEDIO: Couchsurfing.org
FECHA: Agosto 2012
Mención de la gacetilla sobre Te Creís la más linda... (pero erís la más puta)

Saludos de Fabiana Servilha ao vivo en la televisión brasilera

MEDIO: Tah Ligado (All TV, Brasil)
FECHA: Agosto 2012
Saludos de Fabiana Servilha ao vivo en la televisión brasilera

Agradecimiento en el catálogo de La Nave de los Sueños

MEDIO: Catálogo de La Nave de los Sueños
FECHA: Julio 2012
Agradecimiento

Jornada: Contar (nos) con imágenes: Un diálogo entre la crítica, la sociedad y los relatos

MEDIO: Festival de Cine Latinoamericano de La Plata
FECHA: Agosto 2012
Jornada: Contar (nos) con imágenes: Un diálogo entre la crítica, la sociedad y los relatos

CONTAR (NOS) EN IMÁGENES 1: UN DIALÓGO ENTRE LA CRÍTICA, LA SOCIEDAD Y LOS RELATOS.

Coordina: Luciana Aon

EJES:

La crítica hoy en Argentina;
Puntos fuertes del cine argentino contemporaneo;
Diálogos posibles entre cine argentino, sociedad y crítica;
Cine argentino: producción / exhibición.


INVITADOS:

Gonzalo Aguilar - Fernando Enrique Juan Lima - Marcos Vieytes - Hernan Panessi

Jurado de la crítica de cine en FESAALP 2012

MEDIO: Festival de Cine Latinoamericano de La Plata
FECHA: Agosto 2012
Jurado de la crítica de cine en FESAALP 2012

Hernán Panessi
Licenciado en Relaciones Públicas por la Universidad John F. Kennedy y periodista cinematográfico en las revistas Haciendo Cine, La Cosa y THC. Co-director de la distribuidora VideoFlims Distribución. Actualmente se encuentra escribiendo Pornopedia: El porno argentino al desnudo (Editorial Fan Ediciones, 2013), un libro acerca de la historia del género pornográfico en Argentina. Programador del Festival Mil Gritos, de Punta Alta, y coordinador del catálogo del Festival Buenos Aires Rojo Sangre.

Mención de la reseña sobre Operación Cannabis en "Muestra de Cine en San Nicolás"

MEDIO: Centro Cultural Rumbo (San Nicolás)
FECHA: Agosto 2012
Mención de la reseña sobre Operación Cannabis en "Muestra de Cine en San Nicolás"

Comentario de Te creí la más linda... (pero erís la más puta)

MEDIO: Catálogo de La Nave de los Sueños
FECHA: Julio 2012
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Te creís la más linda pero erís la más puta, de Ché Sandoval

“Las películas que se desarrollan en las calles de Sudamérica tienen ese ‘qué se yo’ que las hacen tan especiales. Y para aportarle confusión a aquel intangible tan seductor, Ché Sandoval dispara, a la manera de 28 Watts o Pizza, Birra y Faso, una historia que sólo podía desarrollarse en cemento: la de un joven en busca de aventuras sexuales como forma naufraga a la deriva. Otra de esas obras que son, además de creativas, un manifiesto generacional.” Hernán Panessi

Los 7 Magníficos: Plaga Zombie: La Chimiserie Animada

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Julio 2012
Plaga Zombie: La Chimiserie Animada

La webserie de Plaga Zombie
De la mano del siempre delirante Ayar B., responsable de Mercano, el Marciano, El Sol y de la serie animada Chimiboga, llega la webserie de la primer trilogía de zombies en Latinoamérica: Plaga Zombie. Recorré junto a los héroes John West, Max Giggs y Bill Johnson estas lisérgicas y deformes nuevas aventuras. Seguilas, en exclusiva, a través del canal YouTube de FARSA Producciones: http://www.youtube.com/farsaproducciones

¿Quién es esa chica? Sofía Sisniega

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Julio 2012
Sofía Sisniega

¿Quién es esa chica? | Sofía Sisniega

La nueva de Mel Gibson, Get the Gringo, trae a una mexicana más linda que ninguna. Hija de artistas, protagonista de novelas, defensora de los derechos de los animales, estudiante aplicada y bomba sexual, todas conviven en Sofía Sisniega, la chica del mes.
Por Hernán Panessi

En el mundo del cine, hay algunas cuestiones que poseen más significación que otras. Circunstancias, personas o contextos que, por su propio peso o por razonamiento transitivo, toman una dimensión extraordinaria. Como Mel Gibson en sí mismo y todo lo que haga o se proponga. Lo conocemos bien como actor, aunque hay que saber que como director ha hecho unas 4 películas (a esta altura: ¿podemos decir que todas ellas son maravillosas, ¿no?), y como guionista, otras 2. Ahora bien, tener la suerte de ser dirigido o guionado por él, toma esa misma relevancia. O casi. Aunque ésta se multiplica en cien mil cuando, además de compartir elenco con el de Arma Mortal, te acreditan en IMDb.com como “20 Year Old Bombshell”; es decir, una “Bomba sexual de 20 años” (así, tal cual, la cita es precisa). Al menos de esta forma aparece mencionada en la nueva de Gibson, Get the Gringo, donde un criminal es atrapado por las autoridades mexicanas y se lo coloca en prisión, en la que tendrá que sobrevivir con la ayuda de un niño de 9 años. Volviendo a lo de “Bomba sexual” que, en rigor, es lo importante, Sofía Sisniega, la chica en cuestión, tiene un apellido que también dispara cine. Su padre, Marcel Sisniega, es un reconocido campeón de ajedrez y realizador mexicano responsable, entre otros, del film La Cadenita, debut cinematográfico de su hija Sofía, quien además apareció en A Través del Silencio, otro de sus largometrajes, y más responsable aún de traer al mundo a esta preciosura.
Con una de esas caras de “podría ser tu novia más no das la talla”, Sofía Sisniega tiene más curvas que una pista de carreras. Aunque ella, en verdad, tenga ciertas reservas a propósito de su cuerpo y su exposición. “No acepté el desnudo de Arresto Domiciliario porque no estaba justificado”, dijo a propósito de una escena donde el director Gabriel Retes le habría ofrecido salir bañándose como Dios la trajo al mundo. Una lástima. Sisniega, que parece llevar incómoda tanta belleza, posó en algún momento con un body y unas medias de red en su expresión más sexy. Sin embargo, pese a las cargas sexuales que pueda contener aquello, sigue siendo “una novia”. Una que no te daría bolilla, claro, pero que en su significación, lo dicho, está el no saber qué hacer con su prominente beldad.
A Sofía le vale aquel cliché que versa “no sólo es una cara bonita”, ya que estudió tres años en el Conservatorio de Stella Adler en Nueva York y fue protagonista, asimismo, de una teleserie boom en México llamada Bienvenida Realidad, donde demostró ser convincente a raíz de involucrarse con sus personajes. “Ser actriz te permite explorar ámbitos que jamás habías tocado. Para darle vida a Mariana tuve que aprender a tocar la guitarra eléctrica y he ido a tomar clases en el estudio que tienen los Molotov, pues la idea es hacer verosímil el amor que mi personaje siente por la música”, señaló.
En su Twitter, que cuenta con 10 mil followers pero en breve serán un millón, se declara como “vegetariana, orgánica, activista de los derechos de los animales y eco-frendly”. Otra arista más para quererla como una novia. Una que ya trabajó en Hollywood y por ese razonamiento transitivo –y por su activismo, sus piernas larguísimas, su cara, sus ojos, ¡por esas fotos en blanco & negro que pululan en Internet!- se le asigna el mote de “obra maestra”. Igual que, sí, a Get the Gringo, la nueva con Mel Gibson, de la que ella es una pieza pequeña pero que, sin ella, nada sería lo mismo porque, es evidente, ya no estaríamos preguntándonos: ¿y quién es esa chica? ¿Querrá ser mi novia?

Nota: Wilfred

MEDIO: Haciendo Cine
FECHA: Julio 2012
Wilfred

Wilfred
Jason Gann, Adam Zwar
Estados Unidos, 2011
1 temporada, 13 episodios
Con: Elijah Wood, Jason Gann y Fiona Gubelmann

Comedia negra y cinismo, éstos son los dos pilares fundamentales de Wilfred, serie protagonizada por Elijah Wood donde, después de un acto depresivo, firmes en su persona, comienza a hablar con un perro. Sí, y lo que es peor: no con un simple perro, y aquí aparece el agravante, sino que se trata de un tipo vestido de perro hablando como humano pero comportándose, en instinto, como animal. Inexplicablemente, sólo él puede verlo de esta forma. ¡Guau! Y hay que decirlo, pero este tipo-perro, por caso, tampoco es un cualquiera sino que es Jason Gann, quien también fuera el Wilfred en la versión australiana y hoy es, de nuevo, quien le da nombre a una de las más agradables sorpresas del videocable vernáculo. Wilfred, la serie, es un espectáculo que regala argumentos simples e inteligentes en cada episodio, porque no siempre lo bueno debe ser complejo, ¿verdad? Muy por el contrario. Es más, en la simpleza de su cadencia está su punto alto. Simplifiquemos: Wilfred es la historia de dos fumones. Wilfred es, también, una historia de amistad donde un vago –que es un profesional pero que elige ser un vago- y su perro –que es perro pero también es manipulador y vicioso- se la pasan fumando marihuana en un bong casero y quieren montarse, con distintos fines (amor o lujuria, según corresponda), a su vecina. Sí, leyeron bien, no hay dudas. Comedia negra y cinismo. ¡Guau, guau! Por Hernán Panessi

Nota: El Dictador

MEDIO: Revista La Cosa - Cine Fantástico
FECHA: Julio 2012
Nota, página 01
Nota, página 02

Se estrena El Dictador (The Dictator, 2012), el nuevo filme del controversial Sacha Baron Cohen. Y por eso, para celebrarlo, Hernán Panessi armó esta nota enfocada en las aristas slapstick & polémicas, tal vez las más interesantes, de este chiflado humorista británico.

Ali G tararea canchero un tema. El ser canchero, acá, es una condición natural más no una postura impuesta. Está dentro de una limosina llena de bling bling y color dorado. Le golpean su ventanilla. Cogotea para ver. Quien se toma el atrevimiento de correrlo de su microclima es nada más y nada menos que la Reina del Pop (y las mayúsculas no son gratuitas). La Reina del Pop, en todo su derecho de reina, le pregunta si él es su conductor. Mientras, le pasa un CD que Ali G mete en su auto estéreo. “Hey, Mr DJ, put a record on. I wanna dance with my baby”, dice una voz entre maricona y machosa que bien podría haber salido de un disco de George Michael. Y ahí, sí, parte el video. Estamos hablando de Music, clip dirigido por Jonas Akerlund, tema uno del disco homónimo de Madonna, uno de los mejores 500 álbumes de todos los tiempos según la revista Rolling Stone, aquel que lanzó a la masividad absoluta a Sacha Baron Cohen, más conocido como Ali G o Borat o Bruno o, en breve y de ahora en más, también, como Aladeen, el dictador. Por caso, Haffaz Aladeen (Sacha Baron Cohen, claro, ¿quién otro, sino?) es un bizarro dictador de la nación africana Wadiya –a propósito, ¡por favor!, no se pierdan el site oficial de este “país”: www.republicofwadiya.com y vean el apartado “historia”-, distinguida por ser riquísima en oro. Aladeen, en su esencia, es tan egoísta y despiadado que, como buen cliché del dictador de Medio Oriente, ejecuta a quien no esté de acuerdo con sus ideas y no escatima en amenazas para Occidente. Entonces, en consecuencia, será convocado por la ONU para abordar estas preocupaciones y, pequeño detalle, declarar sobre un polémico programa nuclear que pergeña. Está comprobado que en el “cosmos Baron Cohen” todo está permitido. Fue rapero siome –pese a esto o con ello, en un misil cargado de provocación- y presidente de los Estados Unidos, una descerebrada celebridad kazaja de la televisión británica en búsqueda de Pamela Anderson –en el colmo de la norteamericanidad, encontrando el macguffin gringo por antonomasia-, un modelo alemán pseudo nazi –capaz de adoptar un niño africano porque “están a la moda”- y, ahora, de ponerse en la piel de un dictador con tufillo al noventoso Saddam Hussein. Esto hace que muchos, sencillamente, no lo entiendan o lo renieguen. Una lástima, ya que el objetivo –el suyo, sobre todo- siempre es hacer reír con cualquier medio necesario. Está claro que desde los estereotipos sociales se puede hacer comedia y ahí radica el foco de la polémica. Sin embargo, hay que decirlo, esta es su mayor virtud: pone luz sobre oscuridades y de ahí construye. O, más bien, deconstruye. Y si alguien se siente ofendido con ello, es así: simplemente, la comedia no es para todo el mundo. El Dictador (The Dictator, 2012), su última película (aunque este año prestó su voz para la nueva de la franquicia Madagascar), se trata de una leve desviación de Ali G Anda Suelto (Ali G Indahouse, 2002), Borat (Borat: Cultural learnings of America for make benefit glorious nation of Kazakhstan, 2006) y Brüno (2009). Con sus películas anteriores, las personas reales eran ridiculizadas en rigor de sus reacciones y el capitalismo o ciertos modos de consumo siempre fue eje de dardos. En esta, aunque con la misma incorrección política y bajo esos altísimos niveles de provocación, vale aclararlo, las situaciones son totalmente ficticias, aunque las críticas y señalamientos sigan siendo los mismos. A su vez, contiene un buen reparto de apoyo que le da un carácter cómico –para no perderse la aparición de, entre muchos otros, John C. Reilly-, esparcidos por todo el filme. Son 83 minutos de puro humor slapstick que, como en el video de Madonna, como en su mencionada filmografía, es Sacha Baron Cohen el que se come al universo sin importar quién esté a su lado. Y por ahí anda la mano.

El slapstick y la identificación
Según consta en definiciones oficiales, el “slapstick” es un tipo de comedia que implica exageración de la violencia física. Este estilo es muy común en los tipos de entretenimiento en los cuales se da por hecho que el público entiende y espera la naturaleza hiperbólica de tal violencia, en la que se exceden los límites del sentido común, permitiendo –así- una risa no cruel. En cine, cada uno a gusto con su coyuntura, fueron actores notables como Búster Keaton –en los años ’20 se convirtió en el comediante más famoso del mundo-, Charles Chaplin –criticó, desde adentro, el capitalismo y le dio duro a la Segunda Guerra Mundial-, Laurel y Ardí (El Gordo y el Flaco) –desde el cine mudo, a mitad de siglo, fueron una de las mejores parejas cómicas del cine, tanto que en Argentina tuvieron su propios tributos: Gustavo Monje y Omar Calicchio & Jorge Porcel y Alberto Olmedo- o Los Tres Chiflados –48 años de permanencia, 190 cortos, 100 mil agarradas de oreja, 50 mil trompadas- quienes se distinguieron en este tipo de comedias. Incluso en dibujos animados tales como Tom y Jerry o Looney Tunes, supieron llevarlo con hidalguía. El Dictador, sostenida en esa lógica, entonces, deja ver las grietas en su influencia del slapstick y de las primeras películas del maestro Woody Allen, como: Lily, La Tigresa (What’s up, Tiger Lily?, 1966), Toma el dinero y corre (Take the Money and Run, 1969), Bananas (1971) y La Última Noche de Boris Grushenko (Love and Death, 1975). Y en el mundo de la comedia, dejar entrever ese carácter germinal es todo un cumplido. A la sazón, al igual que las películas de Baron Cohen, estos filmes de Woody Allen, en su fase de pre-legitimación mundial, fueron igualmente malentendidas. Es que, además, como es de esperarse, su estilo de escritura le debe mucho a Allen pero, asimismo, su calidad actoral, en términos de identificación con los personajes, está fuertemente influenciada por otro de los grandes del humor: Peter Sellers. ¿Qué otro podría hacer los tres personajes que interpreta en Dr. Insólito (Dr. Strangelove, 1964) y ser nominado a los Oscar por esos tres roles? ¿Quién más sabría darle vida al policía más torpe de Europa, Jacques Clouseau, como en La Pantera Rosa (The Pink Panter, 1963)? ¿O ser, simplemente, el Hrundi V. Bakshi de La Fiesta Inolvidable (The Party, 1968)? De no existir Seller, ¿quién podría hacerlo? Pues nadie. Aunque, de aquí en adelante, hay un nombre capaz de intentarlo. El heredero del slapstick se llama Sacha Baron Cohen, tiene toda la versatilidad del mundo, y para comprobarlo, en breve, luego de su experiencia como dictador, desentrañará a uno de los más imitados, más nunca igualados: hará de Freddie Mercury en A Kind of Magic (2004).

Sacha Baron Cohen: sus comienzos como modelo
Tal vez muchos lo desconozcan, pero detrás del tupido bigote de Borat, de la onda de Ali G y del culo desnudo de Brüno, hay en Sacha Baron Cohen un inicio no muy divulgado: sí, fue modelo publicitario. A mediados de los noventas, antes de convertirse en una celebridad, al abandonar la universidad, Baron Cohen trabajó un tiempo como modelo apareciendo en una serie de revistas de moda masculina. La adición de su delgada figura, su altura y su particular rostro lo hicieron propicio para ese mundo. Y al parecer, según consta en las leyendas, estos inicios han inspirado el personaje de Brüno. Igual, sea como sea el cuento, le perdonamos todo.

Top 5 de controversias
1. En una entrevista con el ex diputado británico Neil Hamilton, en 2000, Ali G le ofreció fumar marihuana y este aceptó provocando controversia en los medios de comunicación locales.
2. En el estreno de Borat, en 2006, llegó a Leicester Square en un carro tirado por una mula y un número de mujeres de Kazajstán. Saludo así: “Buenas noches señores y prostitutas”.
3. En septiembre de 2008, irrumpió durante un “fashion show” de Agatha Ruiz de la Prada vistiendo un traje de velcro. Las luces se apagaron y la seguridad del lugar lo sacó “muy amablemente”.
4. Caracterizado como Bruno, aterrizó (¡en ojete!) sobre el rapero Eminem en los MTV Movie Awards de 2009 y protagonizaron una pelea en la que intervinieron miembros de D12.
5. Acudió a la entrega de los premios Oscar personificando al General Aladeen portando una vasija desde la que intentó desparramar, por la alfombra roja, las cenizas del dictador coreano Jim Jong Il.

Nota sobre Fantaspoa (Brasil) y entrevista a David Schmoeller

MEDIO: Revista La Cosa - Cine Fantástico
FECHA: Julio 2012
Nota, página 01
Nota, página 02

El cineasta de culto, responsable de joyas como PuppetMaster (1989) o Trampa para Turistas (Tourist Trap, 1979), David Schmoeller, habló en Brasil con nuestro Hernán Panessi acerca del estado actual de la industria, la problemática de la distribución, la incidencia de Internet y la importancia de los festivales en el cine independiente.

¿Qué opinión tenés del cine fantástico de hoy?
El reglamento de Hollywood y el mundo del cine es la fantasía. Y, ciertamente, parece que está aquí para quedarse. Uno de los elementos clave que subyace a las películas fantásticas es el avance en la tecnología. El otro elemento es el costo de comercialización. La única variable que puede cambiar esta trayectoria es Internet. El crecimiento en rápida expansión de la tecnología ha cambiado de manera significativa lo que Hollywood y el mundo independiente pueden producir. Debido a la ventaja económica que tuvo lugar en Hollywood, éstos son capaces de abordar grandes temas y crear imágenes asombrosas, por lo general fuera de las capacidades del cineasta independiente, a pesar de compartir las mismas tecnologías. Desde una posición de marketing, el único jugador real es Hollywood.

¿Cómo es la historia con películas independientes?
La película independiente, en su mayor parte, se ha bloqueado en el mercado mundial. Hay excepciones, por supuesto, pero la gran película, la película costosa, es la única que puede permitirse los elevados costos de comercialización. Por lo general, en el mercado actual, si se le da luz verde a un proyecto es porque saben que ya es una entidad conocida en el mercado, lo que asegura un retorno de su costo, como las películas de súper héroes del mundo de los cómics. El director de cine independiente es más propenso a hacer material original. Por ello, es tan dependiente de los festivales de cine para su exposición. Es su única esperanza para el descubrimiento y su distribución final.

¿Cómo ves el sistema de franquicias y el manejo en la distribución?
Mi propio trabajo, la original de PuppetMaster, dio lugar a una enorme franquicia independiente. Y es una de las pocas excepciones que no tuvo que acudir a una gran distribución. La mayoría de los éxitos de otros grandes del terror indie, que se convirtieron en grandes franquicias de éxito, han sido adquiridos por los estudios de Hollywood, como el caso de las sagas de Halloween, Pesadilla, La Masacre de Texas, Viernes 13, etc. En realidad, se necesita de un proyecto de estudio para empezar, por lo menos a partir de una distribución modesta. Incluso PuppetMaster, que inicialmente tenía la distribución del estudio (Paramount), se benefició de esa distribución inicial. Lo mío fue más una anomalía que un ejemplo de éxito independiente.

¿Y de qué forma vas a manejarte con tu nueva película?
Mi película más reciente, Little Monsters, tuvo su estreno mundial en el prestigioso Festival Fantaspoa en Porto Alegre, Brasil, y es de esperar que sea el primero de muchos festivales donde transitará la película. Es que el futuro de la distribución está en los festivales. Es la forma que tenemos los cineastas independientes de acceder a ella.

Hay en Brasil un festival de cine de género que se las trae. Por eso, mandamos a Hernán Panessi a ver qué onda esos pagos y, desde allí, nos trajo algunas novedades como para tener en cuenta en materia de cinefilia ñoña.

¿Qué es el Fantaspoa?
El Festival Internacional de Cinema Fantástico de Porto Alegre, más conocido como Fantaspoa, es, desde hace ocho años, uno de los festivales de cine de género más importantes de la región. Por este festival, especializado en filmes fantásticos, han pasado, dada su voluntad en invitar a personalidades de la materia, desde Zé do Caixao, mítica figura del cine brasilero, hasta Lamberto Bava, director de Demons (1985), sumándole a los argentinos Gustavo Leonel Mendoza, realizador del documental Nadie Inquietó Más (2005), Fabián Forte & Demián Rugna con Malditos Sean! (2011), Hernán Findling, pujante productor del cine de género nac & pop, entre otros. Sin olvidar al neocelandés David Blyth, a quien el festival le produjo el corto –conseguible en YouTube- Damn Laser Vampires (2009), y a Luigi Cozzi, director con estrecha vinculación al legado de Dario Argento. Además, en la edición 2012, han visitado tierras paulistas los cineastas David Schmoeller –ver entrevista- y el mismísimo Stuart Gordon, responsable de esa joya llamada Re-Animator (1985).

Argentina en el mapa
Entre las películas argentinas que pasaron este año por Fantaspoa, se distinguió Topos (2012), de Emiliano Romero –entrevista en el número de junio 2012-, ganadora de la Competencia Iberoamericana, de pronto estreno comercial en nuestro país. Asimismo, con fuerte presencia nacional, por la Sección Iberoamericana se exhibieron Diablo (2011), de un viejo conocido de esta revista, Nicanor Loreti, quien obtuvo el premio al “mejor director”, Fase 7 (2011), de Nicolás Goldbart, Plaga Zombie: Zona Mutante: Revolución Tóxica (2012), de Pablo Parés y Hernán Sáez, La Memoria del Muerto (2012), de Javier Diment, y Penumbra (2012), de Adrián García Bogliano.

Lo que viene en materia fantástica
Además de las míticas proyecciones de los filmes de Gordon y Schmoeller –donde se destacaron Dagon (2001) y Crawlspace (1986)-, se programó Bad Ass (2012), con protagónico de Danny “Machete” Trejo y Ron “Hellboy” Perlman. En la Competencia Zombie, sobresalió A Little Bit Zombie (2012), del canadiense Casey Walker, y Pushin’ up Daisies (2010), de Patrick Franklin, aquella que terminó siendo vencedora de la terna. Por la Competencia Internacional, se destacaron la rusa Mishen (2011), de Alexander Zeldovich, que resultó triunfadora, la japonesa Hoshi o ou kodomo (2011), del “nuevo Hayao Miyazaki” Makoto Shinkai, y The Girl from the Naked Eye (2012), de David Ren, premio especial del jurado.

Mención en el foro de Irrompibles

MEDIO: Foro Irrompibles
FECHA: Julio 2012
Mención en el foro de Irrompibles

"Re: Elegi a tu director para una posible peli de Diablo El 3 me hizo acordar a la [i] 6 o 7, en la que Hernan Panessi hablaba de videojuegos adaptados a películas, y que las del señor Raini eran desastrozas..."

Comentario sobre Aballay: El hombre sin miedo

MEDIO: Blog de La Nave de los Sueños
FECHA: Junio 2012
Aballay en La Nave de los Sueños

Engalanada por una bruma victoriosa, aquella misma que casi la lleva a los premios Oscars, Aballay representa, en su mejor forma, el legado del cine western de estas pampas –con sus casos aislados, poco cuerpo para un dogma- y, claro, toma la posta dejada hace tiempo por el western crepuscular norteamericano. Así, con el tono magistral de Antonio Di Benedetto, responsable del cuento original, junto con la tónica impresa por Fernando Spiner, su director, Aballay deviene en buen cine, más allá de nacionalidades, géneros o estructuras. Cine que, en rigor, dialoga respetuosamente con su historia y otorga lo mejor de sí en cada munición disparada, relinche de caballo o corajeada gauchesca.
Hernán Panessi

Entrevista junto con Gabriel Patrono

MEDIO: Acá No Es, FM La Tribu
FECHA: Julio 2012
Entrevista

Entrevista en FM Pasión 102.7

MEDIO: Muy Cerca, FM Radio Pasión 102.7
FECHA: Julio 2012
Entrevista

Reseña: Bukowski: Born into this

MEDIO: Revista THC
FECHA: Julio 2012
Reseña: Bukowski: Born into this

Bukowski: Born Into This
Estados Unidos, 2003
Dirigida por John Dullaghan

Charles Bukowski fue el último escritor “maldito” de la literatura norteamericana. Y este documental, por caso, está a la altura de su leyenda. Born Into This cuenta jugosos detalles pertenecientes a la vida del genio del “realismo sucio”, yendo desde su infancia en Los Ángeles, pasando por su vínculo con la literatura, con sus mujeres (las importantes y de las otras), mostrando también la áspera relación que mantenía con su padre y tal. Se lo ve triste (¡hasta llora recitando un poema para su “cupcake”!), en Hollywood, en su hogar, paseando en auto, exultante, enojado y chupando. Chupando y chupando. Para pintarlo, prestando su testimonio, aparecen Tom Waits, Bono, Sean Penn y otros personajes de su entorno (editores, poetas, amigos y demás). El trabajo de Dullaghan es interesante, también, por contar con material raro, como una pelea que tuvo con Linda, una de sus mujeres, donde se lo ve notablemente molesto. Se develan, asimismo, algunas entrevistas poco difundidas, testimonios suyos criticando la labor de Mickey Rourke en El Borracho y más. Cuenta, entre otras cosas, cómo fue su debut sexual con una puta gorda de la que, luego del acto, pensó que le había robado su billetera y la botó de una patada en el traste. Aunque, claro, nadie le había robado nada y la billetera estaba tirada debajo de la cama. Sí, 100% Bukowski que, y esto queda cada vez más claro, al final, detrás de su sordidez, sólo era un tipo triste que buscaba ser querido. / Hernán Panessi

Reseña: Meet the Feebles

MEDIO: Revista THC
FECHA: Julio 2012
Reseña: Meet the Feebles

Meet the Feebles
Nueva Zelanda, 1989
Dirigida por PETER JACKSON

¿Qué pasaría si Los Muppets se bañaran en ácido lisérgico? Probablemente se deformarían, cambiarían de aspecto, color, tónica y se convertirían en Los Feebles, unos extraños personajes oriundos de la mente de Peter Jackson. Es que antes de dirigir la saga de El Señor de los Anillos, Jackson fue un cineasta menos pulcro, que se ensució los brazos con algunas producciones de baja calaña. Y altas en desprolijidad, alucinación, desparpajo y goce. Aquí dan fe, claro, Evil Dead y Braindead. Pero en medio, y antes de la premiada Criaturas Celestiales, aparece Meet the Feebles, una suerte de oscuro musical con marionetas que contiene una rica dosis de truculencia y delirio. Justamente, pese a que hablamos de “muñecos”, resulta asombroso el impacto que causan en la mente de los espectadores. Pura realidad de goma espuma. Así, Los Feebles son unos simpáticos animales que actúan en el “Meet the Feebles Variety Hour”, un show estilo Broadway pero algo más perverso y podrido. De hecho, una historia sórdida se esconde detrás de cada personaje (hay narcotraficantes, asesinos, pornógrafos, arpías y demás). Bajo el espeso humo del vicio y la misantropía, el filme se ha convertido en un clásico de culto que goza de gran popularidad entre los fanáticos de Peter Jackson y, sí, era de esperarse, también de los de Jim Henson, el de Los Muppets, su inocente contracara. / Hernán Panessi

Nota: SyFy

MEDIO: Revista Irrompibles
FECHA: Julio 2012
Nota: SyFy (01)
Nota: SyFy (02)

La parada de los monstruos

Pocos canales de televisión se han ocupado tanto y tan bien de la ciencia ficción. SyFy, por caso, uno de esos sitios que han encontrado su personalidad a fuerza de persistencia, estrena dos películas fantásticas: Snowmaggedon y 2-Headed Shark Attack. Historia, devenir, peculiaridades y anedas del canal de los freaks, a cargo de la pluma afín de Hernán Panessi.

En algún momento de la historia del cine, ciertos géneros menospreciados –como la ciencia ficción, la fantasía y el horror- fueron tomando un lugar de interés en las audiencias para luego ser considerados como imponderables obras apoteósicas e, incluso, superproducciones masivas. En Argentina, mucho de ese avance en las consideraciones para con el cine de género tuvo que ver con los ciclos de Sábados de Súper Acción, con el Festival Buenos Aires Rojo Sangre, con la revista especializada La Cosa Cine, con los libros de Diego Curubeto –Cine Bizarro y Cine de Súper Acción, este último en colaboración de Fernando Martín Peña- y con la prepotencia de trabajo de jóvenes cineastas. Y, conforme pasó el tiempo, en los Estados Unidos, la existencia de un canal especializado como SyFy terminó por estandarizar ese canon otrora negado por algunos espacios de snobismo. A la sazón, ¿qué puede disgustar de un canal donde su mayor premisa es que en sus productos siempre pase algo? Pues nada. Por eso, ahora, la mirada se posa sobre él y sobre sus dos estrenos más delirantes del año: Snowmaggedon (2011) y 2-Headed Shark Attack (2012). Está claro: nunca hemos visto mejores nombres que estos.

ORÍGENES El génesis de Sci-Fi Channel, así se lo conoció hasta 1999, data del año 1991, de la mano de NBC Universal Global Networks donde pensaron en un canal de cable en el que pueda dársele cabida a tal espacio temático. Finalmente, las primeras emisiones saldrían al aire un 24 de Septiembre de 1992. A partir del mencionado año ’99, la señal pasaría a llamarse Sci-Fi, en obvias referencias a la ciencia ficción (en inglés, science ficción es “sci-fi”). Entonces, para desprenderse de ese término más bien genérico –que nuestro ex columnista Forrest J. Ackerman acuñaba desde 1954- optaron por llamarlo simplemente SyFy, creando una marca registrada.

HITO HISTÓRICO Podría decirse que el mayor hito histórico del canal fue Battlestar Galáctica (2003-2009), la reimaginación de aquella serie producida a finales de la década del ’70. A esta serie le siguió un spin-off y precuela –dos de los lugares comunes más transitados por la señal- llamada Caprica (2010), aunque sin el éxito de la anterior. Por estos momentos, para legar sus estandartes, el canal SyFy está produciendo otra precuela llamada Battlestar Galáctica: Blood & Chrome (2011), que intenta volver a sus orígenes. Ahora bien, este dato sirve para apuntalar una de las aristas más sobresalientes de su programación: SyFy no sólo compra repeticiones de series viejas o canceladas sino que, también, produce contenido propio. Así, engendraría otros spin-off como Stargate Atlantis (2004-2009) y la oscura Stargate Universe (2009-2011), a partir de darle oportunidad a series archivadas, cuyo caso más notorio es Stargate SG1 (1997-2007).

REALITY SHOWS En materia de reality shows, SyFy ha sabido explotar lo suyo. Varias fueron las producciones originales acerca del mundo sobrenatural, destacándose Ghost Hunters (2004-vigente), programa que supo tener unos 2 millones de espectadores. Además, hablando de sub-productos, Ghost Hunters: Internacional (2008-vigente) –quienes supieron venir a nuestro país en son de buscar al “fantasma de Hitler”- y Ghost Hunters: Academy (2009-vigente), fueron las dos patas que generó ese exitoso reality. Asimismo pasaron Fact or Faked: Paranormal Files (2010-vigente), Destination Truth (2007-vigente) y Haunted Collector (2011-vigente).

LARGOMETRAJES El particular gusto por lo divergente terminó de conformar un carácter genuino, una exploración por los bordes que llevó a popularizar largometrajes como Sharktopus (2010) y Dinocroc vs. Supergator (2010); ambos, por caso, filmados con la intención de ser compradas por el canal. SyFy, por lo demás, apuesta por películas como Frankenfish (2004), Mega Piraña (2010), o Mega Python vs. Gatoroid (2011), exploitaition de animales-monstruos que hacen el deleite de su personal platea. Del mismo modo, el sub-género “apocalíptico” suele transitar su programación con obras como Stonehenge Apocalypse (2010) o Zombie Apocalypse (2011) y films “de aliens” de la talla de Alien Express (2005) o Alien Apocalypse (2005).

LÓGICA La constante de SyFy es narrar con un CGI poco agraciado, premisas ridículas con actuaciones particulares, pero bajo la dinámica de la acción como gancho de interés. De esta forma, en la lógica de la productora Asylum, constante asociada del canal en vistas de programar sus mockbusters, tratan de captar las tendencias actuales. De tal manera, si lo que va hoy es el fin del mundo, veremos en SyFy películas del fin del mundo. Y si lo que va mañana son los derrumbes de nieve o los ataques de tiburones con dos cabezas, no duden en que en algún momento lo veremos. ¡Momento! ¡Se estrenan Snowmaggedon y 2-Headed Shark Attack! Gracias, SyFy.

MONSTRUOS Podio de bestias deformes del SyFy. · Ice Spiders (2007), arañas asesinas en la nieve. · Mammoth (2006), un mamut poseído por un alien. · Mansquito (2005), un mosquito enorme y giboso. · Mega Piranha (2010), una piraña del tamaño de un Godzilla. · Sharktopus (2010), tiburón-pulpo de culto.

Entrevista en el Facebook Cine Fantástico y Bizarro

MEDIO: Facebook Cine Fantástico y Bizarro
FECHA: Julio 2012
Entrevista

Hernán Panessi, parte II

Ha pasado un rato desde nuestra charla, que fue mi primera entrevista, así que antes que nada, mil gracias por impulsarme a esta locura de “hacerme el periodista”. Ahora contame, ¿qué nuevos títulos está ofreciendo VideoFlims?
Ha sido un placer, querido amigo. El último DVD que sacamos fue la webserie Un Año Sin Televisión, de los chicos de Tangram Producciones. Una comedia muy graciosa rodada en la ciudad de La Plata. Este año también editamos Vida en Marte, de Néstor Frenkel, y Alas, de Ariel Martínez Herrera. En breve lanzaremos El Turno Nocturno, de Matías Rispau, película ganadora de la Competencia Nacional del Festival Buenos Aires Rojo Sangre 2011.

Este año se estrenó Plaga Zombie 3, peli donde actuaste de zombie. ¿Cómo fue actuar a las ordenes de los muchachos de FARSA y rodeado de tantos capos del cine de género nacional?
Estuvo buenísimo. Fui a hacer de zombie en varias jornadas que filmaron los chicos en Haedo y Morón. En la película salgo unas cuantas veces pero creo que sólo yo me doy cuenta quién soy. La jornada de la estampida de zombies fue maravillosa. Incluso, recuerdo que alguien se había caído entre toda la maraña de gente y se había roto la pera. Me acuerdo, también, que al volver en el tren, como todavía seguía manchado de colores, la gente no entendía nada. Los trajines de ser zombie. Sucedió en el 2008.

¿Cómo fue haber sido maquillado por Simón Ratziel y el equipo de Rabbid fxs?
En las jornadas de Plaga Zombie me maquillaron, creo, Walter Cornás y Alina Ramos Madero. Donde sí me maquilló Simón Ratziel fue una vuelta cuando fuimos con los muchachos de FARSA al canal TN a hacer promoción del estreno de Plaga Zombie: Revolución Tóxica, en una nota con Fede Wiemeyer.

Este año tuviste varias actuaciones para recordar, algunas ya vieron la luz, otras aún no. Contame un poco qué papel interpretas en la nueva joya de Germán Magariños (Goretech: Bienvenidos al planeta hijo de puta).
En Goretech: Bienvenidos al planeta hijo de puta interpreto a Breadiff, un cosmonauta de la expedición original al planeta homónimo. Un tipo que cree tozudamente que puede vencer a los malos. Probablemente sea el único personaje 100% bueno. El resto, como dice el título de la película, son todos medios garcas e hijos de puta. Es el más puro de la tripulación, el más inocente, y esas características hacen que no le tenga miedo palpable a los peligros. Aunque, con este postulado, no siempre le va bien.

También trabajas en Lucho’s Big Adventure del amigo Esteban Rojas, película a la cual le pongo todas mis fichas. ¿Qué nos podes adelantar de tu rol y de la peli en sí?
Ahí interpreto a Panessi, que –bueno- casualmente se llama como yo. En Lucho’s Big Adventure los personajes protagonistas son, un poco, nuestras personalidades –o, al menos, la de los gordos Toronja y la mía- pero aumentadas considerablemente, vistas en una lupa enorme. Lucho’s es una comedia de acción nerd que cuyo mayor objetivo será el de divertir y, para el caso, creo fervientemente que logrará identificación con su público. Las problemáticas de la película son, quizás, la de los adolescentes tardíos, la de jóvenes con 30 que se resisten a abandonar ciertas aristas mal asociadas sólo a la pubertad pero que, aún con ello, siguen siendo hombres sin ningún tipo de conflicto.

Hablando de Esteban Rojas, estuviste en el clip de la banda Q’ Acelga? filmado por Esteban y con participación de muchos amigos y encima en Haedo, tierra de los FARSA. ¿Qué anécdota graciosa tenes de ese día?
Recuerdo que ensuciarnos había sido la mayor preocupación del vestuario. Filmamos en un terreno barroso, un día después de una tormenta. Eso nos sirvió para ambientarnos. Para lucir como trabajadores “de época”, además del maquillaje de Toia García, jugamos a la pelota en el barro, nos revolcamos en la mugre y nos tiramos bolas de mierda. Unos verdaderos profesionales.

También haces de linyera en Trash 2: Las Tetas de Ana L., de los amigos de SARNA. ¿Cómo fue esa grabación?
Estuvo buenísima. Los pibes de SARNA laburan con una celeridad envidiable. Trabajan con muchas cámaras y se nota que tienen ruedo en filmaciones. Además, para mí estuvo bárbaro que se filmara cerca de mi casa (fue en Remedios de Escalada, soy de Avellaneda). En el rodaje me crucé con varios amigos y la selección de la locación, para ese lugar repleto de homeless, debajo del puente de Escalada, fue perfecta. Por su parte, hay que decirlo, los SARNA Producciones son uno de los pilares fundamentales del cine independiente argentino. Tienen, también, una distribuidora –pongámosle- “prima” de VideoFlims con las que editan cine fantástico criollo.

Sos modelo y coolhunter de las remeras Costhansoup, lo cual es un logro muy importante y totalmente merecido, contános cuál es el laburo de un cool hunter y, de paso, recomendanos algunas remeritas.
Lo de “modelo” me queda grande, enorme. Estuve en la campaña de Costhansoup porque, por ahí, doy con el phsyque du role del tipo comprador de estas remeras. Mi trabajo en Costhansoup es sugerir cuestiones que hagan a la dirección de la marca, identificación de público, campañas de comunicación, eventos y relaciones públicas.

Fuiste jurado en el festival FANTASPOA y, entre otras cosas, estuviste con Stuart Gordon. Ahora sí, contá todo pero absolutamente todo de esos días.
¡Ufff! Fueron días maravillosos, llenos de amistad y compañerismo. El FANTASPOA es uno de los mejores festivales de cine fantástico del mundo, así que haber sido jurado suyo es, para mí, un honor enorme. Tanto Stuart Gordon con David Schmoeller son unos grandes. Vimos bocha de películas juntos, tuvimos charlas, comidas y demás que nunca olvidaré. Como aquel domingo en lo de Paulo Fleck, hermano de Joao, organizador del festival, que comimos paella y junto con Paulo Soria, Walter Cornás, Nicolás Goldbart, Emiliano Romero, Germán Suane y muchos más hicimos una guitarreada bien argenta. Gran momento en mi vida. ¡Canté Ai Se Eu Ti Pego delante de Gordon y Schmoeller! Recién ahora caigo. A propósito, con los muchachos le preguntamos a Gordon qué tal era John Carpenter. Nos respondió: “¡Oh, he is a carácter!”. ¡Sí señor!

Pudiste charlar con David Schmoeller, director de entre otras joyas de Tourist Trap y Puppet Master. ¿Cómo se siente eso de conocer a los directores de las películas que amaste toda la vida? ¿Es verdad que su última película se dará en el BARS 2012?
Bueno, ese es uno de los grandes beneficios de mi profesión. Conocer de cerca a mucha gente que uno admira. Sin embargo, no soy tan cholulo. Soy más cholulo del fútbol, ponele. Sueño con comer un asado con el Diego, abrazar a Lío Messi o entrevistar a Javier Cantero, presidente de Independiente. Con respecto a Little Monsters, última película de David Schmoeller, creo que la intención es traerla para el BARS 2012, sí.

Hablando del BARS 2012, ¿ya lo están armando? ¿Qué se puede adelantar, para ir calentando los motores de los deseosos fanáticos?
Puedo adelantarles que están abiertas las convocatorias de largos y cortometrajes. Estamos buscando películas de todo el mundo para exhibirlas y esperando varias nacionales que están por terminarse. Con VideoFlims, como siempre, desde hace unos años a esta parte, estaremos ayudando en la organización general del festival, presentando películas, encargándonos de las salas, colaborando en todo lo que el evento demande. Es la semana del año que más anhelamos. La pasamos genial. Quienes quieran mandar su material, pueden consultar su página: http://rojosangre.quintadimension.com/

Bueno, ahora, como diría El Mono Mario: “A LO TUUUUYOOOOO”. Contanos todo sobre la Pornopedia, ese libro que editará Fan Ediciones sobre la historia del cine porno nacional.
Siempre aprovecho estos espacios para aclarar que la Pornopedia será un libro de cine antes que un libro de porno. Es la historia de un género menospreciado, llena de datos, curiosidades y protagonistas de todas las índoles. Se trata de una investigación que vengo laburando hace tiempo pero que, al ser la primera del tema, y al tratarse de un conocimiento que no está escrito sino que se sostiene evanescente, estoy tratando de certificarlo lo máximo posible. Ojalá sea material de consulta para historiadores del cine, cinéfilos y curiosos varios. Onanistas hechos y derechos, abstenerse.

¿Cuántos VHS porno tenes en tu colección? ¿Cuál es la joyita de la colección?
Soy coleccionista de VHS, pero no específicamente de VHS porno. Tengo de todo. Como tengo eso, también soy poseedor, por ejemplo, de películas de Troma como El Vengador Tóxico versión USA (¡sin abrir!) y demás, que son mi orgullo. Creo que la mayor joyita de la colección, la que más curiosidad genera, es Despertar, con Xuxa con cara de inocente acariciando un niño en portada. Ojo que tampoco es una película tan extraña, ya que en Argentina se editó en VHS como pasó generosamente, bajo ese dilecto formato, con todo el cine del mundo.

¿Cuándo empezaste a ver el porno con otros ojos, no solo como pelis para tocarse?
Cuando comenzó, también, mi conciencia cinéfila. El género porno, además de su función masturbatoria, tiene un montón de aristas interesantes que me llaman la atención. Es que, en general, me gusta mucho más lo vedado que lo evidente. Y en la historia del cine, su historia siempre estuvo bajo ciertos mantos de oscuridad. Ojalá que la Pornopedia ayude a que desaparezca definitivamente la bruma. Hoy está en televisión abierta una tira que habla de la problemática del cine porno, su nombre es Condicionados. Y Doña Rosa, por lo que veo, no se horroriza. Quizás estamos en un quiebre donde el cine porno no sean sólo “pelis para tocarse” sino, también, una expresión artística como tantas otras.

Tuviste la oportunidad de conocer y charlar largo y tendido con Victor Maytland, el as del porno nacional. ¿Cómo fue ese momento y qué impulso significó esa charla para seguir adelante con la Pornopedia?
Victor es un tipo que admiro y respeto muchísimo. Con él sólo tengo palabras de agradecimiento. Siempre ha sido muy generoso conmigo y me ha brindado mucha información del tema. Entendió desde un primer momento cuál era el tono del libro y, en consecuencia, sumó muchísimo desde su lado. Es pionero y un autor. Merece todo el respeto del mundo ya que tuvo los huevos de correr la mugre desde fines de los ochenta y animarse con el porno cuando nadie más daba la cara. Otro de los tipos que me resultan admirables es el director César Jones, quien con sus películas mantiene un gusto por lo poético, por las sub-lecturas y por algunas incorrecciones narrativas que me seducen muchísimo.

Hablando de porno y cine de género, los genios de FARSA sacaron un material llamado The Onanist muy groso mezclando ambas cosas, ¿qué te pareció?
Me pareció genial, claro que sí, y está debidamente reseñado en la Pornopedia. Tuvieron un mecanismo de difusión muy interesante: primero lo colgaron en todos los portales porno de videoshare –desde Poringa! hasta Xvideos- sin mencionar su autoría. Eso generó que muchos blogs internacionales del palo lo reseñaran como, efectivamente, una joya encontrada en tiempos donde todo es conseguible vía Internet.

¿Qué fue de la vida del corto Deseo Zombie, escrito y protagonizado por vos y dirigido por Willy Taliano?
Ese corto es incunable, no lo vio ni Fernando Martín Peña. Está filmado con una Super-VHS en el año 2007, más o menos. La filmamos con eso porque no teníamos plata para comprarnos nada digital. No teníamos plata para nada y aún así nos habrá salido unos 500 pesos de aquel momento. Juntar 500 pesos, para lauchas como nosotros, fue todo un desafío. Habría que preguntarle al enigmático Willy Taliano a ver porqué no salió a la luz. Según me dijo en su momento, fue para no manchar su carrera profesional (es licenciado en Publicidad y está haciendo un master afín en una universidad privada).

Entre nuestra última charla y esta nació INCAATV, un canal del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales, donde se pasan películas, entre otras, de cine de género independiente. ¿Esto favoreció la llegada de nuevo público a la movida?
La aparición del INCAA TV significó, para nosotros, una gran puerta de exhibición a nivel masivo. El año pasado programamos un ciclo que fue los fines de semana por la noche donde se vieron varias de nuestras películas. Por estos momentos, además, estamos cerrando armar otro ciclo de largos y cortometrajes. En términos generales, considero que la gestión de Liliana Mazure al frente del INCAA ha sido muy buena. No sólo por INCAA TV, sino por todos los proyectos federales, los espacios de exhibición alternativos, la inclusión de cinematografías antes ignoradas, el apoyo a buenos proyectos y por la lucha –cada vez más incipiente- contra la concentración de pantallas.

En nuestra última charla hablamos de LUCIO FERRANTE, y lo llamamos el futuro del cine de género nacional. ahora que viste su primer corto HRZ (Hombre Rata Zombie, 2012), ¿qué opinión te merece?
Está muy bien. Es una aproximación excelente al cine de terror por parte de un pibito que apenas tienen edad para cruzar la calle. De hecho, lo pasamos en el Festival 1000 Gritos de Punta Alta, donde trabajo como programador. Lucio Ferrante es una esponja de conocimientos. No caben dudas de que es un adelantado. Ojalá, cuando sea grosso, nos de laburo a todos. Hay que decirlo: en VideoFlims, con sus primeros mails, pensábamos que Lucio Ferrante era un personaje inventado por alguno. Siempre desconfié de Germán Magariños hasta que, ¡pum!, un día vino a Buenos Aires y lo conocimos. Personalmente es menos intenso que por Internet.

Para ir terminando hacé futurología y contame: ¿cómo sigue el camino del cine de género nacional con proyectos como Lucho’s Big Adventure, Daemonium, Plaga Zombie: La serie animada y muchos más?
Creo que el cine de género nacional goza de muy buena salud. Se están haciendo un montón de películas por dentro y fuera del Instituto. Desde los márgenes, cada vez se filma más. Hay proyectos que están alcanzando estándares de calidad insospechados, como el caso de Daemonium. Esto es fruto de la prepotencia de trabajo de un montón de personas que creemos fervientemente en la existencia de un cine independiente en la Argentina. Estudiando todo el tiempo. Filmando todo el tiempo. Cambiando experiencias todo el tiempo. Creo, asimismo, que el periodismo especializado está ayudando mucho a la difusión de esta escena. Y esto es algo que todavía no se dijo, pero la existencia de publicaciones como La Cosa, Haciendo Cine, o páginas webs como A Sala Llena, Escribiendo Cine, radios como La Tribu, Radio Nacional, fanzines como Arterias de la Ciudad, publicaciones digitales como 24 Cuadros, los docentes del IDAC, la editorial Fan Ediciones, mismo el Festival Buenos Aires Rojo Sangre (y su caja de resonancia ideológica), el Festival Cartón, el Festival 1000 Gritos, el Tandil Cine, el equipo de programadores del Festival Internacional de Mar del Plata y gestores culturales como Gabriel Patrono y su heroico vehículo llamado La Nave de los Sueños, hacen que la movida esté intelectualmente protegida. Así, más la voluntad perseverante de todos los más cotidianos, estamos armando los cimientos de esta escena bien nacional y popular. Y lo mejor, creo, está por venir.

Para cerrar, contame qué proyectos tenés a futuro en el aspecto laboral y porqué no, personal.
Tengo muchas ganas de tener mi programa de radio. Estoy hablando con varias emisoras a ver qué sale. Ojalá sea para el segundo semestre; sino, será para el próximo año. Por supuesto que otros objetivos fuertes son terminar mi libro y, claro, estrenar Lucho’s Big Adventure. Tengo alguna idea de hacer un documental sobre la nerdencia en Argentina –como lo documentó el periodista Alejandro Soifer en Que la Fuerza te Acompañe, pero audiovisual-, otro sobre porno argentino, otro sobre el mundo de los videojuegos independientes y otro... ¡Pufff! Montón cosas. Siempre vivo pensando qué voy a hacer mañana. Me gusta ese vértigo de no saber qué va a ser de mi. Porque, es sabido, el Periodismo es la manera más divertida de ser pobre. Y el cine independiente, también.

Nuevamente mil gracias por responder mis preguntas, gracias por el apoyo incondicional y por los dvds cedidos para sorteos hechos en la página. Será hasta la próxima y ¡QUE VIVA EL CINE, CARAJO!

Mención en el blog: http://camilarociojara.blogspot.com.ar/

MEDIO: http://camilarociojara.blogspot.com.ar/
FECHA: Julio 2012
Mención

Que groso Panessi , lo conocí por medio de los chicos de “Toronja Producciones” al enterarme que era parte del equipo de trabajo de la película en rodaje “Lucho´s Big Adventure” Dirigida por Esteban Rojas . Me envió una invitación para ser extra en esa película y luego junto a mi prima , y solo un cruce de palabras como “yo no tomo coca , prefiero la Sprite” lo conocí . Suelo hablar por chat con el y me lo sigo cruzando en eventos de Toronja.Prod o en estrenos de pelis como “Plaga Zombie , revolución Tóxica” Es un buen pibe, un chico de barrio..osea como muchos de nosotros , buena gente.

Mención en entrevista a Victor Maytland en Radio Nacional

MEDIO: Radio Nacional
FECHA: Julio 2012
Entrevista

- Matías Orta: "Un saludito a Hernán Panessi, que está escribiendo el libro Pornopedia, acerca del cine porno nacional".
- Victor Maytland: "Exacto, un abrazo a Hernán".
- Victor Tombolini: "Ya lo tendremos a Hernán hablando del libro, que ya nos ha contado cuando vinieron acá por VideoFlims. Así que cuando esté, podrá venir a compartirlo".

Mención en entrevista a Victor Maytland

MEDIO: Facebook Cine Fantástico y Bizarro
FECHA: Julio 2012
Entrevista

¿Qué opinas del laburo de HERNAN PANESSI, que está armando LA PORNOPEDIA?
Tarea difícil y complicada por tantas cosas sueltas que quedaron años atrás, pero confío plenamente en su investigación, no es casual ni improvisada.

Mención en entrevista a Sergio Vera, de la Gran Maratón de Cortos

MEDIO: Radio UBA 87.9
FECHA: Julio 2012 2012
Entrevista, mención 1
Entrevista, mención 2

Mención en la entrevista a Esteban Rojas en Cine Fantástico y Bizarro

MEDIO: Cine Fantástico y Bizarro
FECHA: Octubre 2012
Mención en la entrevista a Esteban Rojas en Cine Fantástico y Bizarro
Mención en la entrevista a Esteban Rojas en Cine Fantástico y Bizarro (Blog de Lucho's Big Adventure)

La película está protagonizada por el talentosísimo Adrián Garavano, quien, con mucho coraje, se calzó la responsabilidad enorme de ponerse en la piel de Lucho, un personaje bien complejo. Lo acompañan Ariel Sotomayor y Marcelo Yañes, (conocidos por su canal de Youtube y su productora de animación y bizarro manga-nerd “Toronja Producciones”). Ariel y Marcelo son los motores en los planes para hacer debutar a Lucho y aportan un nivel de nerdismo importante a la ecuación. Completan el poker de ases la hermosa y multifacética Rocío Rodríguez Presedo, que interpreta a Ana, la famosa cosplayer y mejor amiga de Lucho, junto con Hernán Panessi, el último amigo del set, pero sin duda el más bizarro y loco del quinteto. Panessi (así se llama el personaje de Hernán Panessi, “Panessi”), es quien le da el toque humorístico definitivo al equipo. Otros grandes actores completan el elenco: Alejandro Parrilla, Noelia Antúnez, Andrés Borghi, Sebastián “Berta” Muñiz, Raúl Schurlein, Laura Raggio, Gabriela Gómez…

Nota: Fantaspoa 2012

MEDIO: Revista Haciendo Cine
FECHA: Junio 2012 2012
Fantaspoa 2012

Pequeños monstruos

Una de nuestras plumas viajó a Porto Alegre, Brasil, para participar como jurado del Fantaspoa. Con muy buena presencia nacional, este festival, apuntalado a lo fantástico, se devela como uno de los nuevos focos de atención del cine mundial.
Por Hernán Panessi

Desde hace ocho años se desarrolla en Brasil uno de los festivales de cine de género más importante de la región, el Festival Internacional de Cinema Fantástico de Porto Alegre, el Fantaspoa. Con fuerte anclaje en la cultura sanguinolenta, aunque siempre cerca del cinéma de qualité más que del trash puro y duro, el Fantaspoa es llevado adelante por dos cinéfilos de pura cepa: los jóvenes João Pedro Fleck y Nicolás Tonsho. Por allí, han pasado desde Zé do Caixao, mítica figura del cine cutre brasilero, homenajeado en BAFICI 2009, hasta Lamberto Bava, director de Demons 1 y 2, hijo del fallecido Mario Bava. Tampoco hay que olvidar al neocelandés David Blyth, a quien el festival le produjo un corto llamado Damn Laser Vampires, y a Luigi Cozzi, director con estrecha vinculación al legado de Dario Argento. A la sazón, la edición 2012 contó con 150 filmes, de un total de 32 países de origen, con 32 invitados internacionales, destacándose la presencia de Stuart Gordon y David Schmoeller, dos leyendas del cine.
Entre las películas argentinas que exhibieron este año, se destacó la world premiere de Topos, ganadora de la Competencia Iberoamericana, ópera prima de Emiliano Romero. “Tengo muchas ganas de que el público argentino vea Topos. Creo que va a ser un encuentro muy intenso, ya que el estilo de la película no es algo fácil de encontrar en el cine argentino”, dijo Romero a HC. Asimismo, en un buen presagio para nuestras pampas, por la Sección Iberoamericana pasaron Diablo, de Nicanor Loreti, que obtuvo el premio al “mejor director”, Fase 7, de Nicolás Goldbart, La Memoria del Muerto, de Javier Diment, Penumbra, de Adrián García Bogliano y Plaga Zombie: Revolución Tóxica, de Pablo Parés y Hernán Sáez. En el plano global, además de las míticas proyecciones de los filmes de Gordon y Schmoeller –quien, por su parte, mostró su última película Little Monsters y que luego pasó fugazmente por Buenos Aires, en formato masterclass, de la mano del Rojo Sangre- exhibieron la extraordinaria Cell Count, de Todd Freeman, y Bad Ass, con Danny Trejo y Ron Perlman. En la Competencia Zombie, sobresalió la comedia A Little Bit Zombie, del canadiense Casey Walker, quien, por este entonces, aguarda estreno en los Estados Unidos, y Pushin’ up Daisies, de Patrick Franklin, aquella que terminó siendo vencedora de la terna. Por la Competencia Internacional, se destacaron la rusa Mishen, de Alexander Zeldovich, que resultó triunfadora, la japonesa Hoshi o ou kodomo, de “el nuevo Hayao Miyazaki” Makoto Shinkai, Invasión of Bikini Alien, del coreano Young-doo Oh, que por acá vimos en BAFICI 2012, y The Girl from the Naked Eye, de David Ren, premio especial del jurado. Para descifrar cómo gira la rueda, en términos de entendimiento, resulta un ejercicio agradable ver qué pasa en este tipo de festivales porque, aquí, suele darse la cadencia que marca el pulso de la industria cinematográfica mundial. A propósito, el cineasta norteamericano David Schmoeller señaló, en exclusiva a HC, que: “el director de cine independiente es más propenso a hacer material original. Por ello, son tan dependientes de los festivales de cine para su exposición. Por lo general, éstas son la única esperanza para el descubrimiento y su distribución final”. Esa sentencia remarca la importancia de este tipo de eventos para con la industria ya que vincula, en forma sinérgica, a espectadores, realizadores, programadores, distribuidores y tal. Por eso, en rigor, Fantaspoa viene siendo, sin parar de acrecentar figura, fondo y representatividad, la posta de esa entelequia llamada “cine fantástico”.

Entrevista a Javier Valentín Diment

MEDIO: Revista Haciendo Cine
FECHA: Junio 2012
Entrevista Diment

De los bordes al centro

Antes de viajar a la China para presentar Aballay en el Festival de Beijing, entrevistamos a Javier Diment, director de Parapolicial Negro y La Memoria del Muerto, dos largos que encontrarán, en breve, su destino comercial.
Por Hernán Panessi

PARAPOLICIAL NEGRO: APUNTES PARA UNA PREHISTORIA DE LA TRIPLE A A la manera de la Trilogía de América, con tramos novelados que fluctúan entre oscuridades y mitos reales, allí donde el escritor californiano James Ellroy fue construyendo la historia de los Estados Unidos desde finales de los 50s hasta mediados de los 70s, Javier Diment, cineasta influenciado por esa lógica, se embarcó en narrar una historia intestina de nuestro país –siempre presente, nunca del todo exprimida- tomando como coyuntura los años 1973 a 1976, donde el salvajismo, el sindicalismo y el peronismo tuvieron algún anclaje en común: el de la prehistoria de la Triple A (Alianza Anticomunista Argentina). Así, conforme encontró legitimación de ciertas aristas oficiales, este grupo parapolicial de extrema derecha fue tomando notoriedad ejerciendo la violencia y Diment, por caso, conocido por ocupar espacios de controversia –en sus relatos siempre estuvo cerca de la tenebrosidad y las inmundicias del ser humano-, tuvo la voluntad de encarar una nueva aproximación a esta porción de la oscura historia nacional aprovechando, según sus propias palabras, “este gran momento político para abrir un debate acerca de esa época, de quiénes fueron los verdaderos responsables de aquellos crímenes”.
“Un amigo, periodista, -dijo Diment, en una entrevista antes de emprender viaje hasta Asia para presentar Aballay, obra que guionó junto con Fernando Spiner y Santiago Hadida- que se llama Ricardo Ragendorfer, me llamó para mostrarme una nota que acababa de escribir. Trataba acerca de un señor (Eduardo Almirón Sena) que habían metido preso en España. Y estaba esperando ser extraditado a la Argentina, acusado de ser una de las cabezas operativas de la AAA. Pero que cuando se puso a investigar, lo que saltó era que antes, cuando era policía en Robos y Hurtos, había formado parte de una banda de delincuentes que operaba dentro de la federal”, señaló el realizador refiriéndose al origen del documental.
Aquí, en esta investigación sobre la prehistoria de la Triple A se apunta erigir un relato documental que choque de frente y sin concesiones con el policial negro, reflexionando cómo –de qué forma, con qué devenires- nos encontramos con nuestra historia. Es que la realidad, muchas veces, supera a la ficción, y es esta última la que puede ayudarnos, también, a entender más las situaciones, los contextos, la verdad.
“Por otro lado –agrega Diment- estábamos sin un peso, y queríamos hacer una investigación más profunda, y ahí otro amigo periodista, Facundo Cardoso, sugirió convertir esa idea en un documental. Era la manera perfecta de empezar a pensar el tipo de policial que quería hacer a partir de esa historia”. Parapolicial Negro aporta, en términos de divulgación, una idea demasiado vedada por incómoda. Hay un concepto básico, elegido casualmente como frase promocional, “cada uno elige cómo contarse la historia”, y desde allí construye y destruye, enfocándose en que los tonos de violencia no comenzaron en el ’73 –como bien señala el documental- sino que las brutalidades –al margen de momentos históricos particulares- fueron sucediéndose año tras año desde el inicio de los tiempos.

DE LA INDEPENDENCIA A LABOROS MÁS GRANDES, DE LA FICCIÓN AL DOCUMENTAL
Hay en Javier Diment una constante, una prepotencia de trabajó que lo llevó a posicionarse dentro de un lugar de cierto privilegio: tener, de un tiempo a esta parte, una obra que mostrar. Es que para quienes transitaron el cine independiente –a la sazón, con El Propietario y Beinase se transformó en referencia obligada para la truculencia nac & pop-, poseer –como ahora- dos proyectos en un año -sí, Parapolicial Negro y La Memoria del Muerto- es un acontecimiento maravilloso. “Tengo 45 años y la vengo peleando desde los 20, y de golpe cuento con dos pelis en la mano. Ahora quiero más”, dijo el también guionista de Adiós Querida Luna y colaborador del guión de Diablo. “Acostumbrado a que mis laburos no sean masivos, me encontré con que había colaborado en la construcción de algo grande“, expresó sobre Aballay, uno de sus proyectos más exitosos. “Juego y jugué siempre en la B, me siento muy cómodo, y me permite una independencia de criterios y una libertad de elegir temas y compañeros de trabajo que me encanta”, señaló Diment. De acá subyace algo fundamental: por más que los presupuestos crezcan, lo genuino de cada uno sigue emergiendo. Por eso, con presupuesto o no, la independencia siempre ha de ser creativa. Y tener en claro aquello, entonces, es tener medio proyecto construido.

A LA VERA DEL CAMINO: LA EXPERIENCIA BEINASE
Beinase: El Sentido del Miedo fue una polémica miniserie de terror de 5 capítulos, encomendada para el canal Ciudad Abierta. Dado que Diment tuvo libertad absoluta, su obra comenzó a despertar ciertas voces de los sectores más recalcitrantes. “Me pidieron que experimente. Fue increíble eso, pero bueno, había poca plata, fue complicado el rodaje, fue ambiciosa la propuesta, y tardé un año en entregarla”. Sin embargo, sumándole al intenso forobardo de ciertos grupos religiosos en Internet, a propósito de su aforo en mezclar erotismo, violencia visual e iconoclasia, algo sucedió: “En ese año –2004- hubo una serie de terremotos políticos, a partir de la Tragedia de Cromagnon, que hizo que cuando entregué el proyecto, sacarlo al aire en un canal del gobierno de Buenos Aires, fuera por lo menos conflictivo. Así que se fue postergando. Hasta que en un cambio de autoridades me lo pidieron con entusiasmo, me prometieron apoyo. No cumplieron ni una sola de las promesas y pasó sin pena ni gloria”. Pese a todo, la cuestión fue experimentar, foguearse, aprender. Verbos que deberían ser del habla cotidiana de todos los directores del cine nacional y que los márgenes conocen de pé a pá. Cosa de los bordes.

Crítica: Los Vengadores (The Avengers, 2012)

MEDIO: Revista Haciendo Cine
FECHA: Mayo 2012 2012
The Avengers

Cosa de guapos

Disney compró la Marvel Cómics. Joss Whedon dirige la película de Los Vengadores. Mientras tanto, los fanáticos del mundo quedaron expectantes ante el qué encontrarán con ello. La consecuencia es, al menos, deliciosa como hamburguesa.
Por Hernán Panessi

Cuando nos enteramos que Joss Whedon iba a ser el director de la película de Los Vengadores, entendimos que tendría una responsabilidad inconmensurable. Se convertiría en un eventual blanco de críticas para todo el mundo nerdy. Porque, en rigor, tendría que resolver la compleja tarea de reflejar el espíritu de uno de los más importantes equipos de superhéroes del cosmos de las historietas. Y, a su vez, por otro lado, al saber que Whedon iba a ser ese responsable, emergió una mueca de felicidad en los cinéfilos de comiquería. Porque siempre estuvo ligado al mundo de las historietas –fue guionista de Fray, editada en Dark Horses, de aquella obra maestra titulada Antonishing X-Men y de su especial, Giant Size Antonishing X-Men-, Whedon carga, acá, con un peso equivalente al del martillo Mjölnir de Thor. Es que, el también guionista de la serie Buffy, la cazavampiros, tuvo que bailar con la más fea: contentar a la siempre recalcitrante masa comiquera. Y, sí, pese a escepticismos, lo logró.
Hay que decirlo: la película de Los Vengadores es como una hamburguesa. Deliciosa para el paladar, atractiva a la vista, “fácil de digerir” –las comillas, en esto, quieren decir lo que quieren decir- y, claro, una vez asimilada, ¡plop! (Ojo, está cerca de un buen blockbuster norteamericano, más no de la lógica pornógrafa-visual de Transformers.) Sin pretensiones intelectuales ni demasiados desarrollos de personajes –okay, ¿cómo resumir más de 40 años de historietas en 142 minutos?-, LV dignifica en entretenimiento. Es que, justamente, su punto culminante resulta en cómo Whedon hizo interactuar a todos los personajes entre sí exprimiendo lo mejor de ellos en son del objetivo vital: divertir. El concepto de aquel escaso desarrollo en los personajes pasa, por caso, porque existen las películas individuales para cada uno de estos héroes, no obstante no es requerido como imponderable. Atendiendo a esto, el trabajo con las historias de LV resulta natural, deviene en simpleza pero gana en vigorosidad. Poco importa su justificación. Aquí están, estos son. Nos salvarán. Y, por su obligación moral de ser héroes, ganarán. El esparcimiento será total, y el 3D vendrá gratis.
En la historia del film, Nick Fury (Samuel Jackson), director de SHIELD, una agencia de inteligencia y antiterrorismo que busca la paz mundial, reúne a algunos de los máximos superhéroes de la Marvel como Iron Man (Robert Downey Jr.), El Increíble Hulk (Mark Ruffalo), Thor (Chris Hemsworth), Capitan América (Chris Evans), la Viuda Negra (Scarlett Johansson) y Ojo de Halcón (Jeremy Renner) –alineación con 3 miembros fundadores y 3 reclutas posteriores, según orden de mención, en relación a su historia original- para salvar a la Tierra de una poderosa amenaza. Esta intimidación ajena a nuestras pampas será personificada por Loki (Tom Hiddleston) –primer enemigo de esta de esta liga de la justicia, allá por 1963- y sus secuaces, por lo que los únicos que pueden frenarlos son, sí, Los Vengadores. (Atención que todos los personajes son interpretados por sus actores originales. Buen tino en ello.)
LV se trata, en esencia, de un producto tanto para iniciados como para neófitos; por lo tanto, no hace falta ningún tipo de conocimiento previo para encontrar su fruición, pero es sabido que conociéndolos, estando al tanto del quién es quién, y ni hablar de haber leído sus aventuras en papel couché, el goce –y también la expectativa ante él- será mucho mayor. Pocas muertes de civiles, infinidad de golpes & tiros & violencia, escasa sangre y mucho de pose para los anaqueles de la historia. Porque, en efecto, es, cabe recordarlo, una película de Disney dirigida y protagonizada por los de la Marvel Cómics.